ЧАСТЬ II ПЕРСОНАЛИИ 18 страница

Учеником Филиппе Брунеллески был Микелоццо да Бартоломео (1396-1472). Он прошел ремесленную школу, обучался ювелирному делу, работал на монетном дворе, в течение многих лет был придворным архитектором семьи Медичи. Он продолжал традиции, заложенные учителем, развивая и совершенствуя стиль эпохи Возрождения. Одним из самых крупных работ этого зодчего является палаццо Медичи (Риккарди), построенный в 1444-1460 гг. и соответствующий всем канонам того времени: план его образует почти правильный квадрат, а в центре находится такой же квадратный двор. Но, расширяя границы стиля, основанного Брунеллески, Бартоломео возводил лишь маленькие храмы и фамильные капеллы, уделяя большое внимание декоративной отделке этих зданий. В отличие от лаконичности декоров Брунеллески, орнамент Микелоццо разнообразен, богат по своим элементам, носит плоский характер, подчиняясь рельефу поверхности стен и потолков.

Наряду с Брунеллески и Микелоццо, одной из самых известных фигур раннего Возрождения является Леон Баттиста Альберти (1404-1472). Как и многие талантливые люди эпохи Возрождения, он был человеком разносторонним, высокообразованным, блестящим философом-гуманистом, увлекался этикой, правом, математикой, экономикой, поэзией, музыкой, живописью, скульптурой, архитектурой, оставил своим потомкам многочисленные труды на латинском и итальянском языках. В истории итальянского Возрождения этот удивительный мастер стал первым гуманистическим идеалом «универсального человека». Он творил во Флоренции, Ферраре, Римини, но в отличие от предшественников, только составлял проекты зданий и наблюдал за ходом работ. Здания, спроектированные Альберти, олицетворяли собой эволюцию взглядов эпохи Возрождения. Так, например, палаццо Ручеллаи во Флоренции отличается гладкими, лишенными рустовки стенами, нарядным обрамлением порталов и окон. Но главным нововведением мастера явился ордерный декор фасада, а также попытка соединить традиционную форму базилики и храма с большим купольным покрытием. Величественность, триумфальность арки фасада наряду с грандиозностью внутреннего пространства являются выражением полного, совершенного взгляда эпохи Возрождения на мир, человека и его окружение.

Формирование искусства Высокого Возрождения в Италии происходило в критический для нее период. Надвигавшаяся угроза иноземных вторжений побуждала к объединению страны. Поэтому не случайно, что именно в Риме архитектура получила свое дальнейшее развитие, выраженное в строительстве, символизирующем мощь, объединение, силу. Архитектура этого периода отличается монументальностью, величием и грандиозностью.

Одним из основателей традиций в архитектуре этого периода является Донато д'Анджело Браманте (1444-1514), который определил своим творчеством пути развития Высокого Возрождения. Примерами творчества великого зодчего являются его ватиканские сооружения, которые изначально представляли собой разрозненные постройки. Мастер соединил здание старого Ватикана с ранее построенной виллой Бельведер двумя длинными галереями, которые ограничивали Ватикан с запада и востока; основное пространство оформил в виде разбитого на трех уровнях гигантского парадного двора, замыкающегося величественной нишей. В результате такой реконструкции, соответствующей канонам Высокого Ренессанса, двор Ватикана уже не представлял собой тихое, уединенное место, а предназначался для торжественных, праздничных мероприятий. Открытое большое пространство, наполненное воздухом, солнцем, свободой, создало впечатление величия и торжественности.

Одним из высочайших созданий эпохи Возрождения, ярким выражением прогрессивных, гуманистических взглядов в архитектуре является проект собора Святого Петра. Создавая этот проект, Браманте поставил перед собой цель: воздвигнуть величественный, монументальный памятник, который не имел бы себе равных в мире. В основе этого замысла лежит принцип центрально-осевой симметрии. Центром здания является большой купол, который как бы вырастает из массы более мелких; последние в своей совокупности образуют ступенчатую, пирамидально построенную композицию. Мастер не довел свое сооружение до конца, и после его смерти собором занимались последовательно Рафаэль, Перуцци, Антонио да Сангалло Младший и, наконец, Микеланджело.

Гениальный Леонардо да Винчи, хотя и не занимался строительством, оставил в своих альбомах большое количество проектов, набросков зданий, чертежей куполов. Микеланджело как архитектор выделяется тем, что не только отразил в своем творчестве принципы и идеи Ренессанса, но и явился предвестником барокко. Основными работами Микеланджело являются: достройка и расширение сакристия; монастырские помещения и библиотека «Лауренциана» церкви Сан Лоренцо во Флоренции, римский Капитолий и собор Святого Петра. Многие архитектурные приемы Микеланджело стали достоянием потомков, но ни один из архитекторов позднейшего времени не достиг равной сосредоточенности, мощи, героизма.

Итальянская архитектура эпохи Возрождения характеризуется ясностью, античной простотой, гармонией и соразмерностью.

Скульптура Ренессанса. У истоков изобразительного искусства, и прежде всего скульптуры, стоит Никколо Пи-зано (между 1278-1284), творчество которого, особенно ранний период (Проторенессанс), отмечено сильным влиянием античности. Никколо пытался акцентировать внимание на пластичности и объемности форм, придать им весомость и телесность, возродить чувство земной красоты. Наиболее прославленным произведением этого мастера является кафедра баптистерия в Пизе (около 1260 г.), которая предназначалась для выступлений священнослужителей и проповедников. Кафедру украшали скульптурные библейские сюжеты и символы поверженных пороков и зла в виде скорченных человечков. Все фигуры и символы носят светский характер, и, хотя здесь изображены сюжеты Священной истории, кажется, что это сцены из обычной, Земной жизни.

Самым значительным скульптором начала XIV в. был Андреа да Понтедера, прозванный Пизано, так как он являлся учеником Джованни Пизано. Его главное произведение — бронзовые двери флорентийского баптистерия (южные двери), украшенные восемью фигурами добродетели и рельефами на сюжеты жизни Иоанна Крестителя. В изгибе фигур, в складках одежды, лаконичности композиции, выразительности и ясности действия проявляются основные принципы Проторенессанса.

Раннее Возрождение характеризуется более смелым новаторством и постепенным изживанием канонов. Так, например, Лоренцо Гиберти (около 1381-1455) сочетал традиционные черты со смелым реализмом, где вера в Бога, духовность, стремление к совершенству человеческого тела, души и разума тесно взаимосвязаны. Гиберти имел много общественных заказов, в том числе и на статуи в соборе Санта Мария дель Фиоре, в которых явно просматривается рождение свободной монументальной скульптуры. Лоренцо Гиберти был одним из самых образованных людей своего времени. Его труд «Комментарии» — первая автобиография художника Возрождения, в которой можно найти сведения об истории искусства, о теории пропорции и перспективы.

Начало расцвету скульптуры Возрождения положил Донателло (1386-1466), который в большей степени, чем другие скульпторы, отличался новаторскими идеями. Его произведения выражали основные идеи эпохи: гуманизм, стремление к совершенствованию и разностороннему развитию личности, проявлению яркой индивидуальности. Донателло разрешил проблему устойчивости скульптурной фигуры, разработал принципы, которые передавали тяжесть и массу тела. Он возродил «культ» совершенного обнаженного тела, положил начало скульптурному портрету, первый отлил бронзовый памятник (статуя Гаттамелаты), создал новый тип надгробия. Основными произведениями мастера являются мраморный «Давид», фигура сидящего Иоанна Евангелиста, статуя святого Марка в церкви Ор Сан Микеле. Донателло разработал новый вид рельефа, в котором впечатление пространства создается не за счет расстояний между выступающими частями скульптуры, а за счет иллюзии глубины композиции.

Высокое Возрождение характеризовалось гармоничным объединением искусств, где предполагалось равноправие скульптуры с живописью и архитектурой. С новой силой развивались такие жанры, как портрет, историческая скульптура. Именно в это время творит Леонардо да Винчи (1452-1519)— символ совершенной и гармоничной личности эпохи Возрождения. Один из известных его биографов писал: «Он был до такой степени исключителен и всеобъемлющ, что, по справедливости, можно было назвать его чудом природы, которая не только изобильно одарила его телесною красотою, но и сделала его обладателем многих редких способностей». Во всех своих начинаниях этот мастер был исследователем, первооткрывателем, творцом. Так как Леонардо да Винчи был в большей степени поглощен научными интересами, скульптурных и живописных работ он оставил немного. Но те произведения, которые дошли до наших дней, являются ценностью не только эпохи, но и всей мировой культуры. Прежде всего, это статуя Франческо Сфорца в Милане, которая не была отлита в бронзе, а представляла собой глиняную модель в натуральную величину. Этот памятник был уничтожен, но за недолгое свое существование он снискал всеобщее восхищение, и, по словам Вазари, «те, кто видел огромную глиняную модель, утверждают, что никогда не видели произведения более прекрасного и величественного». За грандиозность замысла, огромные размеры современники прозвали статую «великим колоссом».

В большей степени развитию скульптурного искусства Высокое Возрождение обязано Микеланджело Буонарроти (1475-1564), в работах которого отразился не только гуманистический дух эпохи, но и все противоречия того времени. Мастер, подобно многим великим людям Ренессанса, отдавал предпочтение нескольким искусствам — живописи, архитектуре, поэзии, но истинным своим призванием он считал искусство ваяния и, подписывая письма и бумаги, ставил перед своим именем слово «скульптор». Все произведения Микеланджело — скульптуры, фрески, архитектурные строения — являются титаническими по своему характеру, их свобода безмерна, а пластика и выразительность уникальны.

Мастер работал как над общественными, так и частными заказами. Среди них выделяются: скульптурная группа «Пьета» («Оплакивание»), «Мадонна Таддеи», «Мадонна Питти». Работая над скульптурами этой тематики, автор чувствовал себя «освободителем» удивительного образа Матери Иисуса Христа из «диких и твердых» глыб, боровшимся с камнем, постоянно преодолевая сопротивление. Именно Микеланджело создает статую Давида — удивительный образ, который стал идеалом героя, уверенно сражающегося с любыми врагами.

Эпоха Возрождения придала скульптуре такие качества, как самостоятельность и независимость от архитектуры и живописи. Скульптура стала выразителем телесной и духовной красоты человека, его гармоничности и совершенства. Именно этот вид искусства стер глубокие противоречия между церковью и светской жизнью, так как в произведениях любой тематики на первое место ставился человек, который стремится к всеобъемлющей любви, самосовершенствованию и самораскрытию.

Изобразительное искусство. Живопись эпохи Ренессанса является основным доказательством широты, совершенства и гуманистичности взглядов эпохи. Искусство Проторенессанса отличалось, прежде всего, тем, что пыталось преодолеть средневековые и античные традиции, являя собой новое прочтение и интерпретацию уже известных сюжетов.

Так, например, Пьетро Каваллини (около 1240 — около 1330), крупнейший мастер периода Проторенессанса, заложил основы нового направления в живописи. Опираясь на позднеантичные и раннехристианские памятники, он возродил традицию повествовательной монументальной живописи, а также стремился преодолеть плоскостность форм, которыми отличалось Средневековье. Каваллини еще не отходит от традиционной иконографии, но добавляет светотень, округлости, пластичности форм, что сближает святые образы с изображением обычных людей.

Джотто ди Бондоне (1266 или 1267-1337) представляет собой разностороннего творца, олицетворяющего раннее Возрождение и давшего этому периоду новые направления. Он работал как живописец, скульптор, архитектор, и слава о его творчестве была известна далеко за пределами родины. Именно этого автора упоминает в своей «Божественной комедии» Данте Алигьери, а Петрарка в одном из писем называет его «превосходным живописцем, слава которого среди художников велика». Основная работа Джотто — цикл из 28 фресок, расположенных в церкви Сан Франческо. Четкость очертаний, простота жестов, использование архитектуры и пейзажа в качестве дополнительных элементов — вот основные особенности фресковой живописи этого художника. Все живописные произведения Джотто («Оплакивание Христа», «Взятие под стражу») являются своеобразными учебниками для художников.

Произведения Мазаччо (1401-1428) резко отличаются лаконичностью, стремительностью, выразительностью мимики и движений. Основные работы Мазаччо: «Мадонна с младенцем и ангелами», «Распятие», «Поклонение волхвов», « Мадонна », « Троица », « Страшный Суд ».

В творчестве таких художников, как Фра Филиппо Липпи, Доменико Венециано, Беноццо Гоццоли, Пьетро делла Франческа, Пизанчелло, Якопо Беллини, проявилось стремление к новым жанрам, к светским сюжетам и тенденциям. Происходило изучение влияния цвета, светотени на восприятие зрителя, а также объединение религиозных и мирских взглядов в единое мировоззрение эпохи.

Основные противоречия того времени, их сложный и затяжной характер выразились в творчестве Сандро Боттичелли (1445-1510), который занимает особое место в искусстве итальянского Возрождения. Творчество Боттичелли меньше всего соотносится с основными канонами и принципами Ренессанса, так как он шел своим, уникальным путем, при этом не зачеркивая основных направлений, выработанных мастерами эпохи, в которой творил. Его восприятие было крайне субъективно и оригинально, что выражалось в философичности, мягкости, пластичности и высокой духовности его работ: «Святой Себастьян», «Мадонна», «Весна», «Рождение Венеры». Предметы на его картинах — символы, которые несут глубокий смысл. Боттичелли как бы исключил из своих картин такие категории, как пространство и время, — практически ничто не создает впечатления глубины и развернутой дали, а зрителю кажется, что то, что он видит, реально и находится рядом с ним.

Высокое Возрождение как «высшая ступень совершенства, которой ныне достигли наиболее ценимые и наиболее прославленные творения нового искусства» (по словам Вазари) дало миру великого живописца Леонардо да Винчи. Его произведения «Мадонна с цветком», «Поклонение волхвов», «Мадонна в гроте», «Мадонна Литта», «Тайная вечеря» поражают ясностью пространственного решения, ощущением спокойствия, единством замысла и общего настроения. Леонардо да Винчи не только великий художник, но и тонкий психолог. Так, его «Тайная вечеря» является примером отражения психологического конфликта. Желание понять внутренний мир человека, постичь Психологию отразилось в самом удивительном творении итальянского мастера — шедевре, с которым связано огромное количество исследований, научных гипотез и легенд, в «Джоконде».

Живопись Микеланджело Буонарроти отличается тем, что все образы человеческой мощи, силы, уверенности характеризуются титаническим, удивительным по выражению и стилю характером. Известны такие его произведения, как «Битва при Калганах», «Святое семейство», фрески Сикстинской капеллы, работая над которыми Микеланджело частично потерял зрение и долго не мог восстановить здоровье. Поздние работы художника отличаются трагичностью, большой отрешенностью от всего земного, поисками нового пути.

Творчество Рафаэля Санти (1483-1570) также принадлежит к периоду Высокого Возрождения. Этот мастер, безусловно, отличался и от аналитического психолога Леонардо, и от мятущегося Микеланджело, представляя пробой творчество в большой степени гармоничное и синтетическое (обобщающее). В его искусстве соединились ощущения счастья, радости, свободы и благоденствия. До нас дошли многие произведения этого автора: «Мадонна Кон-нестабиле», «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна под балдахином». Все они являются примером светлой, стремительной, радостной живописи.

Искусство высокого Возрождения, безусловно, не исчерпывается известнейшими именами. Одновременно с ними в Италии работали Фра Бартоломео, Андреа дель Сарто, Корреджо, Джорджоне, Тициан и многие другие. В целом живопись эпохи Возрождения характеризуют следующие черты: широкое распространение монументальной фресковой и станковой живописи; использование античных сюжетов, которые перерабатывались в соответствии с гуманистическими идеалами; тесная связь искусства с наукой, определенная рационалистичность, которая выражалась в постоянном поиске мастерами научных основ искусства.

На живопись других стран Европы (северный Ренессанс) итальянское Возрождение наложило своеобразный отпечаток: все принципы и идеи культуры данной эпохи обогатились национальными традициями. А специфика Возрождения в целом усматривается лишь в отдельных деталях и мыслях, которые, без сомнения, носят свободолюбивый, гуманистический характер.

Литература эпохи Возрождения. Литература эпохи Возрождения базировалась на основных философских положениях данного периода. В художественных произведениях воспевались доблесть, мужество, инициатива и творчество, чаще всего вдохновляемые примерами античности. Здесь поднимаются подлинно человеческие темы: любви и страсти, разума и души, мысли и эмоций, человеческого и природного, судьбы и героя.

Гуманистические мотивы в литературе Возрождения появились уже у Данте. Дальнейшее развитие они получили в творчестве выдающегося итальянского поэта Франческо Петрарки (1304-1374). Петрарка был знатоком античной культуры, основателем классической филологии. Он неустанно разыскивал, расшифровывал и истолковывал античные рукописи. Петрарка олицетворял собой новую личность эпохи Возрождения. Самым значительным вкладом Петрарки была книга стихов «Канцониере», написанная народным итальянским языком. Она делится на две части: сонеты и канцоны «На жизнь мадонны Лауры» и «На смерть мадонны Лауры». Лаура — героиня любовной лирики Петрарки, которая стала идеальным образом возлюбленной, предметом поэтического прославления. Эта книга в полной мере выражает идеи гуманизма, представления автора о человеке как о центре Вселенной и одновременно сложности человеческой личности, ее внутреннего мира.

Эпоха Возрождения подарила миру и законодателя нового жанра — новеллы — Джованни Боккаччо (1313-1375). Боккаччо считал, что новелла, как и произведения «высоких» жанров, требует подлинного вдохновения, фантазии, творчества, а также подчеркивал ее воспитательный характер. В известном всему миру «Декамероне» отразилась великая любовь Боккаччо к жизни во всех ее проявлениях: именно земная жизнь человека дает ему шанс изменить этот мир, сделать его лучше и прекраснее. Основными для Боккаччо были: «принцип природы», взгляды на ценность человека, призыв к его защите от «извращенности» и «противоестественности» средневековых религиозных и социальных пережитков.

Особой фигурой эпохи был Франсуа Рабле (1494-1553), создавший известное произведение «Гаргантюа и Пантагрюэль». Обладая глубоким и саркастическим умом, он «высмеивал род людской, его безрассудные прихоти и тщету его надежд». В романе Рабле запечатлены лучшие идеи эпохи Возрождения: величественность силы человека, вера в титанические силы личности.

Другим великим произведением, отражающим смысл и идеи эпохи Возрождения, является «Похвала глупости» знаменитого нидерландского гуманиста Эразма Роттердамского (1469—1536). Сюжет этой книги, как и другие произведения этого периода («Неистовый Роланд» Ариосто, «Гаргантюа и Пантагрюэль» Рабле, «Дон-Кихот» Сервантеса, «Утопия» Мора), вобрал в себя идеи целой эпохи через призму личностного отношения автора к происходящему.

Огромная «заслуга» Ренессанса состояла в том, что именно эта эпоха вернула европейской культуре великую античную драматургию — комедии Аристофана, Теренция, Плавта. Серьезно стала изучаться античная теория драмы, которая находила применение в театре Ренессанса и постоянно совершенствовалась. В XVI в. в Италии появляется комедия (или театр) масок, где главным был сюжет, а характеры, обстоятельства, речь актеров были импровизацией. Эпоха Возрождения дала мировой культуре великих драматургов, в числе которых Лопе де Вега (Испания), Вильям Шекспир (Англия). Литература и театр являлись основными выразителями прежде всего гуманистических идей эпохи Возрождения; в лице литератора, драматурга, а также читателя и зрителя формировался человек размышляющий, думающий и познающий себя, пытающийся в борьбе противоречий, в знакомстве с различными взглядами, убеждениями и идеями найти правильную дорогу к самопознанию и самосовершенствованию.

Постепенное угасание возрожденческих тенденций во многом связано с успехами немецкой Реформации, так как католическая церковь пытается взять реванш и ожесточает свою политику. Однако идеи эпохи Ренессанса глубоко укоренились в европейской культуре и в последующие века развивались и расширялись.

Республика — форма правления, при которой во главе государства находятся выбранные на определенный срок органы власти.

Реформация — религиозное и социально-политическое движение в Европе XVI века, направленное против католической церкви, приведшее к появлению нового направления в христианстве — протестантизма, и создавшее духовные предпосылки для капитализма.

Риторика — искусство красноречия. Включает в себя пять разделов: учение о нахождении материала, расположении, словесном выражении, запоминании и произнесении. На родине Р. — в Греции, владение ораторским искусством было важнейшим и наиболее действенным способом достижения авторитета в обществе и политического успеха.

Ритуал — совокупность установленных обычаем действий, которые в символической упорядоченной форме воспроизводят связь индивидов, социальных групп, общества с наиболее значимыми для них явлениями (ценностями, социальными институтами, природными объектами и другим).

Род — основанная на кровных связях форма общности людей, возникшая в первобытных общинах на базе экономических отношений. Здесь господствовала общественная собственность на землю, отсутствовала имущественная и Социальная дифференциация. С развитием первобытного строя численность родов увеличивается, и они объединяются в племена.

Рок-музыка — разновидность современной эстрадной музыки, для которой характерно применение музыкальных электроинструментов и способов усиления звука, экспрессивная манера исполнения, специфическая ритмика. Рок-музыка сформировалась в 1950-1960-е гт. на Западе, став неотъемлемой частью молодежной субкультуры, выразителем ее нонконформистского характера, что придаст ей социальный характер.

Рококо (стиль Людовика XV) — (от франц. rocaille — осколки камней, раковины) — стилевое направление в европейском искусстве первой половине XVIII в. Этот стиль представлял собой не столько самостоятельное художественное явление, сколько фазу, определенный этап общеевропейского стиля барокко. Термин «рококо» возник во Франции в конце XVIII в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства XVIII в. Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

С барочным стилем рококо объединяет стремление к завершенности форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и легкость. Более темные цвета и пышная, тяжелая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами — розовыми, голубыми, зелеными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность (само название происходит от сочетания двух слов: «барокко» и «рокайль» — мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов.

Родившийся во Франции (творчество архитекторов Ж. М. Оппенора, Ж. О. Мейсонье, Г. Ж. Боффрана), стиль рококо быстро распространялся в других странах благодаря французским художникам, работавшим за границей, а также публикациям проектов французских архитекторов. За пределами Франции рококо наибольшего расцвета достиг в Германии и Австрии, где впитал в себя традиционные элементы барокко. В архитектуре церквей, таких как церковь в Фирценхайлигене (1743-1772 гг., архитектор Нейман), пространственные конструкции, торжественность барокко превосходно сочетаются со свойственным рококо изысканным скульптурным и живописным внутренним убранством, создавая впечатление легкости и сказочного изобилия. Сторонник рококо в Италии — архитектор Тьеполо — способствовал его распространению в Испании. Что касается Англии, то здесь рококо оказал влияние в основном на прикладные искусства, например, на инкрустацию мебели и производство серебряных изделий, и, частично, на творчество таких мастеров живописи, как Хогарт или Гейнсборо, у которых утонченность образов и артистическая манера письма полностью соответствует духу рококо.

Рококо возник в основном как декоративный стиль, связанный с придворными празднествами и развлечениями аристократии. Сфера распространения рококо была узкой, он не имел народных корней и не мог стать подлинно национальным стилем. Игривость, легкая развлекательность, прихотливое изящество — черты, свойственные рококо и особенно сказавшиеся в орнаментально-декоративной трактовке архитектуры и прикладных искусств. В ранний этап развития французского рококо (примерно до 1725 г., так называемый стиль регентства) в отделку помещений вводится дробный орнамент, предметам обстановки придаются прихотливо изогнутые поверхности, в декор вводятся сложнейшие резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д. В убранстве помещений большую роль играют рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях, а также многочисленные зеркала, усиливающие эффект легкого движения, как бы пронизывающего поверхности стен. Преимущественно орнаментальная направленность стиля рококо не позволила ему оказать значительного влияния на тектонику и наружный облик сооружений. В рококо проявился более в оформлении интерьеров зданий, нежели их экстерьеров. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий, например, Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг.).

Это было искусство, отмеченное печатью высокого мастерства, изумляющее своей грацией и изяществом, однако идейно опустошенное, болезненно-хрупкое, чуждое шумной «суете» социальной жизни. Как улитка в красивой раковине, оно замкнулось в узких пределах будуара и спальни. Триумфы рококо при одновременной деградации классицизма ясно свидетельствовали о том, что духи былого величия и героизма отлетали от дворянского искусства XVIII в.; оно превращается в грациозную безделушку, средство развлечения.

Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, камерные по духу, асимметрично построенные композиции. В скульптуре рококо преобладают рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в том числе из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. В. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Самым ярким представителем этого стиля во французской скульптуре является, пожалуй, Э. М. Фальконе, хотя в его творчестве преобладали рельефы и статуи, предназначенные для украшения интерьеров, бюсты, в том числе из терракоты. Кстати, сам Э. М. Фальконе был управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры. Первым значительным мастером живописи в стиле рококо стал А. Ватто, а дальнейшее развитие этот стиль получил в творчестве таких художников, как Ф. Буше и О. Фрагонар. Переливчатая и несколько блеклая по колориту рокайльная живопись также имеет преимущественно декоративную направленность (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье). Нерасчлененность несущих и несомых частей, крайняя изысканность отделки, нередко сочетающаяся с заимствованием нарочито экзотических мотивов китайского искусства, свойственны произведениям декоративно-прикладного искусства рококо, мастера которого умели особенно тонко выявить выразительные возможности материала.

Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность. В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от П. П. Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, а бледные полутона: красный становится розовым, синий — голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы». Чрезвычайно характерен для эпохи рококо расцвет графики. Почти все большие живописцы XVIII в. были также блестящими рисовальщиками (Ватто, Фрагонар), ряд крупных мастеров целиком посвятили себя графическому искусству (Г. Сент-Обен, О. Кошен во Франции, Д. Ходовецкий в Германии). Оформление книги, мастерство переплета, мебель, бронза и т. п. достигли большой художественной высоты. Королевская мануфактура гобеленов в Париже выпускала серии замечательных шпалер. Фарфоровые заводы (Севр во Франции, Мейсен, Нимфенбург в Германии) производили художественную посуду, а также статуэтки из фарфора.

⇐ Предыдущая 13 14 15 16 171819 20 21 22 Следующая ⇒