Музыкальный словарь в рассказах 9 страница

⇐ ПредыдущаяСтр 9 из 17Следующая ⇒

Зачем понадобилось такое перечисление? Здесь специально названы

произведения очень разные -- разные и по жанру (о нем вы могли прочитать

выше), и по форме.

Что же такое -- форма в музыке?

Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности

построения музыкального произведения: соотношение и способы развития

музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей.

Конечно, каждое музыкальное произведение обладает своими неповторимыми

чертами. Но все же на протяжении нескольких веков развития европейской

музыки сложились определенные закономерности, принципы, по которым строятся

отдельные типы произведений.

С одной из музыкальных форм вы все, без сомнения, очень хорошо знакомы. Это

куплетная форма, в которой пишутся песни (ей посвящен рассказ о слове

<<куплет>>). Сходна с ней ведущая от нее свое происхождение старинная форма

рондо. Основаны они на двух (или -- в рондо -- нескольких) различных

тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении,

развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже

конфликтных тем.

Распространены в музыкальной практике также трехчастная и двухчастная

формы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами

так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного

ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части

симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например,

многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона,

романсы русских и зарубежных композиторов.

Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок

незавершенности, сопоставления, словно бы <<без вывода>>, без итога. Схема

ее: АВ.

Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это,

прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями

(вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на

одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга,

канон, инвенция, чакона и пассакалья. С ними вас знакомят рассказы

<<полифония>>, <<фуга>>, <<вариации>>.

Встречается в музыке и так называемая свободная форма, то есть композиция,

не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего

композиторы обращаются к свободной форме при создании программных

произведений (далее вы сможете прочесть, что такое программная музыка), а

также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы.

Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности --

наиболее распространенной из всех музыкальных построений.

Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм -- сонатная --

в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы -- экспозиция,

разработка и реприза -- образуют сложную трехчастность -- симметричное и

логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе,

посвященном сонате.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛУХ -- см. Слух.

МУЗЫКОВЕД. Вечером по телевидению транслируют оперу. До начала спектакля

вы слушаете пояснительное слово, в котором рассказывается история создания

произведения, раскрываются его особенности.

Вы хотите узнать побольше о композиторе, музыка которого вам очень

нравится. В библиотеке вам дают книжку о нем.

Состоялась премьера музыкального спектакля. В газетах и журналах появляются

на него рецензии.

В концертном зале, перед началом вечера симфонической музыки, слушатели

покупают программы. В них вложена аннотация -- рассказ о музыке, которую

предстоит услышать.

В музыкальных школах, кроме занятий по специальности, то есть обучения игре

на том или другом инструменте, существуют еще уроки сольфеджио и

музыкальной литературы.

Если вам непонятно значение какого-то музыкального термина или нужно узнать

что-либо, относящееся к музыке, вы берете музыкальный словарь или

энциклопедию...

Во всех этих случаях вы сталкиваетесь с одной из сторон деятельности

музыковеда.

Специалисты-музыковеды получают образование в консерватории, на

теоретико-композиторском факультете.

Там они получают знания по истории русской, советской и зарубежной музыки,

гармонии, полифонии, инструментовке, анализу музыкальных форм, получают

педагогическую, лекторскую практику, обучаются основам редактирования.

Музыковеды -- это ученые, авторы исследований о творчестве композиторов, о

той или иной эпохе в развитии музыкальной культуры, о различных средствах

музыкальной выразительности.

Музыковеды -- это и многочисленные педагоги всех уровней, от профессоров

консерватории, авторов учебников по истории музыки, музыкальной литературе,

гармонии и т. д. до преподавателей музыкальных школ, руководителей

музыкальных кружков.

Музыковеды работают в архивах и в музеях, редактируют книги о музыке и

ноты; подготавливают музыкальные радиопередачи и программы концертов; пишут

критические статьи. Это очень интересная, многосторонняя профессия,

требующая больших и разнообразных знаний, умения разбираться и в музыке

прошлого, и в музыкальных событиях и явлениях современности, умения хорошо

и свободно владеть словом, выражать свои мысли устно и в письменной форме

и, конечно, свободного владения роялем, без которого настоящий профессионал

просто немыслим.

Советское музыковедение знает имена многих выдающихся музыкальных ученых.

Есть среди них даже академик Б. Асафьев, которому принадлежит много книг и

статей, посвященных русским, советским и зарубежным композиторам.

* Н *

НАРОДНАЯ МУЗЫКА -- см. Фольклор.

НОКТЮРН. Темные, почти черные берега. Темное зеркало реки. Спокойное небо

и на нем огромная зеленоватая луна. Ее отражение волшебной дорожкой

пересекает кажущуюся недвижной воду.

Удивительным покоем и тишиной веет от этого живописного полотна. Каждый,

хоть раз видевший эту картину, никогда ее не забудет. Это А. И. Куинджи,

<<Ночь на Днепре>>. А вот еще одна картина:

Тиха украинская ночь.

Прозрачно небо.

Звезды блещут.

Своей дремоты превозмочь

Не хочет воздух.

Чуть трепещут

Сребристых тополей листы.

Луна спокойно с высоты

Над Белой Церковью сияет

И пышных гетманов сады

И старый замок озаряет.

И картину Куинджи, и отрывок из поэмы Пушкина <<Полтава>> можно определить

как своего рода ноктюрн.

Французское слово <<nocturne>> как и итальянское <<notturno>> в буквальном

переводе означает -- ночной. Термин этот, употребительный в разных

искусствах, появился в музыке XVIII века. Тогда ноктюрнами называли пьесы,

предназначенные для исполнения на открытом воздухе в ночное время.

Многочастные произведения, чаще всего для нескольких духовых и струнных

инструментов, по характеру были близки инструментальным серенадам или

дивертисментам (о них вы тоже можете прочесть на страницах этой книжки).

Иногда звучали вокальные ноктюрны -- одночастные сочинения для одного или

нескольких голосов.

В XIX веке сложился совершенно другой ноктюрн: мечтательная, певучая

фортепианная пьеса, навеянная образами ночи, ночной тишиной, ночными

думами. И картина Куинджи, и стихи Пушкина ассоциируются именно с таким

ноктюрном.

Впервые лирические фортепианные ноктюрны стал сочинять ирландский

композитор и пианист Джон Филд. Филд долгое время жил в России. У него брал

уроки фортепианной игры юный Глинка. Быть может, поэтому и великий русский

композитор написал два фортепианных ноктюрна. Второй из них, с названием

<<Разлука>>, широко известен.

Писали ноктюрны Чайковский, Шуман и другие композиторы. Однако больше всего

известны ноктюрны Шопена. То мечтательные и поэтичные, то строгие и

скорбные, то бурные и страстные, они составляют значительную часть

творчества этого поэта фортепиано.

НОТА. Кажется, с этим словом все очень просто: нота -- значит... А вот

если задуматься, не так уж просто!

Вы держите в руках маленькую книжечку. На ней написано: блокнот. Кстати,

раньше это слово писали по-другому, вот так: блок-нот!

Вы включаете радио и слышите: <<Нота советского правительства...>>

А на улице, на одном из магазинов, видите вывеску: <<Ноты>>. Каждый раз

значение этого слова иное.

По-латыни nota означает знак, заметка. Поэтому блокнот -- книжечка (блок

листов) для заметок. А в музыке нотами называют знаки, при помощи которых

изображаются звуки. Различные значки, по-разному расположенные, передают

длительность и высоту звука (о длительности и высоте вы можете прочесть в

соответствующих рассказах). Длинные ноты -- целые -- изображаются кружками

-- , которые называются головками. У половинной ноты к головке

присоединен штиль -- вертикальная палочка: . Четвертная нота

выглядит так же, как половинная, только головка ее не белая, а черная:

. Более мелкие длительности обозначаются присоединением к штилю

вязок или ребер или флажков, которые иногда называют попросту

хвостиками: .

Высота звука определяется положением ноты на нотном стане. Нотный стан или

нотоносец -- это пять длинных горизонтальных линеек, на которых и между

которыми располагаются ноты. Счет линейкам ведется снизу вверх, вот так:

. Они помогают определить, какая из нот обозначает звук более

высокий, какая более низкий. При взгляде на нотный стан вы сразу видите

рисунок мелодии. Однако для того, чтобы знать точно, какие именно звуки

записаны, нужно посмотреть, какой ключ стоит в начале нотоносца, какие

около него проставлены знаки альтерации. И о ключах и об альтерации вам

нужно прочесть на посвященных этим терминам страничках.

* О *

ОБЕРТОН. Проделайте такой опыт: беззвучно нажмите клавишу фортепиано, а

потом сильно ударьте и сразу отпустите клавишу октавой ниже (например,

держите до второй октавы, а ударьте до первой). Взятый вами тон быстро

угаснет, но еще долго будет слышаться тихий, но отчетливый звук нажатой

вами клавиши. Можно беззвучно нажать клавишу двумя октавами выше ударяемой.

Соответствующий ей звук тоже будет слышен, хотя и менее отчетливо.

Давайте разберемся, почему это происходит. Если вы прочли, что

рассказывается о звуке, то уже знаете, что он возникает в результате

колебания упругого тела, в данном случае -- струны. Высота звука зависит от

длины струны. Вы ударили, например, до первой октавы. Задрожала,

завибрировала струна, послышался звук. Но колеблется струна не только вся

целиком. Вибрируют все ее части: половина, третья часть, четверть и так

далее. Таким образом, одновременно слышится не один звук, а целый

многозвучный аккорд. Только основной тон, самый низкий, слышен гораздо

лучше других и воспринимается ухом как единственно звучащий.

Остальные же, образованные частями струны и поэтому более высокие обертоны

(Oberton по-немецки <<верхний тон>>), или гармонические призвуки, дополняют

звучание, влияют на качество звука -- его тембр.

Все эти гармонические призвуки вместе с основным тоном образуют так

называемый натуральный звукоряд или шкалу обертонов, которые нумеруются

снизу вверх по порядку: первый звук -- основной, второй октавой выше,

третий -- октава + чистая квинта, четвертый -- октава + чистая квинта +

чистая кварта (то есть на 2 октавы выше основного). Дальнейшие призвуки

расположены на более близком расстоянии друг от друга.

Этим свойством -- издавать не только основной звук, но и обертоны -- иногда

пользуются при игре на струнных инструментах. Если в момент извлечения

звука смычком слегка прикоснуться пальцем к струне в том месте, где она

делится пополам или на третью, четвертую и т. д. часть, то колебания

больших частей исчезают, и раздастся не основной звук, а более высокий

(соответственно оставшейся части струны) обертон. На струнных такой звук

называется флажолетом. Он очень нежный, несильный, холодноватого тембра.

Композиторы пользуются флажолетами струнных как особой краской.

Ну а произведенный нами опыт с беззвучно нажатой клавишей? Когда мы это

сделали, то, не ударяя по струне фортепиано, освободили ее от глушителя, и

она стала колебаться в резонанс половине более длинной -- задетой нами

струны. Та, когда клавиша возвратилась на место, остановилась, а колебания

верхней струны продолжились. Ее звучание вы и услышали.

ОПЕРА. Погас свет в зрительном зале. К дирижерскому пульту прошел

дирижер. Взмах дирижерской палочки -- и в затихший зрительный зал полились

звуки увертюры... Начался спектакль, в котором органично сплелись пение и

симфоническая музыка, драматическое действие, балет, живопись. Началась

опера.

Опера -- это жанр синтетический, появившийся на основе содружества

различных искусств (итальянское <<opera>> буквально -- труд, дело,

сочинение). Однако роль их в опере не равноценна.

Уже несколько столетий существует опера. И все это время не утихают споры о

том, что в ней главное -- музыка или текст. Был в истории оперы период,

когда ее автором считался поэт, либреттист, а композитор -- лицо

второстепенное -- должен был во всем подчиняться не только либреттисту, но

и певцам, которые требовали выигрышных арий в удобных для себя местах.

Настало время и для другой крайности -- когда на содержание перестали

обращать внимание. Опера превратилась в своего рода концерт в костюмах. Но

это действительно крайности. В XVIII и XIX веках окончательно сформировался

жанр оперы в таком виде, как мы его знаем и любим сейчас.

Главное в опере -- все-таки музыка. Ради нее мы идем в оперный театр. Вот

герой поет арию. В это время на сцене ничего занимательного не происходит:

действие останавливается. Все слушают музыку. Музыку, которая рассказывает

о сокровенных чувствах и мыслях героя, раскрывает нам его характер. Ария --

очень важная составная часть оперы, поэтому ей посвящается отдельный

рассказ. Ее, так же, как и другие сольные оперные номера -- ариозо,

каватину, балладу -- можно сравнить с монологом в драматической пьесе.

А теперь давайте вспомним, что поет Иван Сусанин перед началом своей

знаменитой арии <<Ты взойдешь, моя заря>>. <<Чуют правду! Смерть близка,

мне не страшна она. Свой долг исполнил я. Прими мой прах, мать земля>>.

Звучат медленные, короткие, разделенные остановками фразы. Это пение, но

очень похожее на декламацию. Называется оно речитатив (латинское слово

recitare -- читать вслух, громко произносить). Значение речитатива в опере

очень велико. Он -- основной <<инструмент>> развития действия. Ведь тогда,

когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли -- действие

обычно останавливается. Оперы без речитатива не существует. Но зато бывают

оперы, полностью построенные на речитативе.

Большую роль в опере играет хор. С его помощью композиторы изображают

картины народной жизни. А в операх М. П. Мусоргского <<Борис Годунов>> и

<<Хованщина>> народ, по определению самого композитора, является даже

главным действующим лицом.

Еще один из важных компонентов, без которого не может обойтись опера, это

оркестр. Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время

всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев.

Возникло оперное искусство почти четыреста лет тому назад, в конце XVI

века. Первый музыкальный спектакль с пением на сюжет древнегреческого мифа

о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном был поставлен в итальянском городе

Флоренции в 1594 году. С тех пор опера прошла большой, сложный путь.

Родившись в Италии, она попала далее и в другие страны Европы,

Возникнув как произведение мифологическое, теперь она удивительно

разнообразна по сюжетам.

В XIX веке в разных странах сложились национальные оперные школы. Самые

яркие их представители в Италии -- Россини, Верди и Пуччини, во Франции

Мейербер, Гуно и Бизе, в Германии Вебер и Вагнер. Несколько раньше, в конце

XVIII века, опера получает расцвет в Австрии, в творчестве Моцарта.

В России оперное искусство достигло высочайших вершин в творчестве Глинки,

Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского,

Прокофьева и Шостаковича.

В большинстве случаев оперы пишутся на сюжеты, взятые из литературы.

<<Руслан и Людмила>> Глинки, <<Русалка>> Даргомыжского, <<Евгений Онегин>>,

<<Мазепа>> и <<Пиковая дама>> Чайковского, <<Травиата>>, <<Риголетто>> и

<<Отелло>> Верди, <<Кармен>> Бизе, <<Снегурочка>> Римского-Корсакова,

<<Борис Годунов>> Мусоргского, <<Нос>> и <<Катерина Измайлова>> Д.

Шостаковича, <<Война и мир>> и <<Повесть о настоящем человеке>> С.

Прокофьева, <<Тихий Дон>> и <<Поднятая целина>> И. Дзержинского, <<Кола

Брюньон>> и <<Семья Тараса>> Кабалевского -- много на свете опер, в основе

которых лежат хорошо известные романы, повести, драматические пьесы...

Партитура готовой оперы передается в театр. Над ней работает дирижер, свои

партии разучивают солисты и хор, режиссер осуществляет постановку,

художники пишут декорации. Только в результате общего труда всех этих людей

возникает оперный спектакль.

ОПЕРЕТТА. Оперетта -- итальянское слово (operetta) и означает буквально

-- маленькая опера. Становление оперетты связано с Францией второй половины

50-х годов прошлого века.

Оперетта возникла из театральных интермедий -- коротеньких представлений,

которые шли в антрактах крупных пьес, из злободневных спектаклей-обозрений.

Во Франции она стала зеркалом общественной жизни, обличающим пороки,

высмеивающим недостатки.

Лучшие французские оперетты связаны с именем композитора Жака Оффенбаха.

Это <<Орфей в аду>>, <<Прекрасная Елена>>, <<Синяя борода>> и др. Сюжеты

оперетт, казалось бы столь далекие от действительности, -- мифические и

сказочные, -- неожиданно оказывались очень современными. Действующие лица

их были всем весьма хорошо знакомы, с ними зрители встречались чуть ли не

каждый день. Они только рядились в костюмы богов и героев. Орфей у

Оффенбаха из мифологического певца превращался во влюбленного учителя

музыки, а боги оказывались не всемогущими, а, напротив, беспомощными и

смешными...

Содержание оперетт часто было пародийным. А музыка? Музыка всегда

оказывалась веселой и увлекательной. Оффенбах включал в оперетту песенки,

марши, танцы -- кадрили, галопы, вальсы, болеро...

В оперетте не только пели, но и говорили. При этом в тексте часто

встречались реплики на злобу дня, намеки на происходящие, волнующие всех

события.

Несколько другой стала оперетта в Австрии, в Вене. Она так и называется --

венская оперетта. Наверное, вы слышали оперетты Иоганна Штрауса-сына

<<Летучая мышь>>, <<Цыганский барон>>. Они напоены чудесными мелодиями.

Говорили, что благодаря Штраусу оперетта стала легкой, жизнерадостной,

остроумной, нарядно приодетой и ярко звучащей музыкальной комедией.

Традиции Штрауса продолжил венгерский композитор Имре Кальман, написавший

такие известные оперетты, как <<Сильва>>, <<Марица>>, <<Принцесса цирка>>.

Много оперетт, или, как их у нас чаще называют, музыкальных комедий,

создано советскими композиторами. В 20-е годы в этом жанре работал Н.

Стрельников. По его оперетте <<Холопка>> поставлен кинофильм <<Крепостная

актриса>>. В театрах Советского Союза идут лучшие оперетты И. Дунаевского

<<Золотая долина>>, <<Вольный ветер>>, <<Белая акация>>.

К жанру оперетты обращались Б. Александров, Ю. Милютин, Д. Шостакович, Д.

Кабалевский, Т. Хренников, А. Петров, А. Эшпай, В. Баснер, Р. Гаджиев и

многие другие композиторы.

Сейчас, в наши дни, все большее распространение получает разновидность

оперетты, называемая мюзикл. Наиболее известные из зарубежных мюзиклов --

<<Моя прекрасная леди>> Ф. Лоу и <<Вестсайдская история>> Л. Бернстайна.

ОРАТОРИЯ. <<Тополи, тополи, скорей идите во поле...>> Слушая эту звонкую

песенку пионеров из оратории Шостаковича <<Песнь о лесах>>, трудно

поверить, что жанр оратории зародился в церкви.

Это было в Риме, в конце XVI века, когда верующие католики стали собираться

в специальных помещениях при церкви -- ораториях (от латинского oratoria --

красноречие) -- для чтения и толкования библии. Обязательным участником

таких собраний была музыка, которая сопровождала проповеди и чтение. Так

возникли особые духовные произведения повествовательного склада для

солистов, хора и инструментального ансамбля -- оратории.

В XVIII веке появляется светская оратория, то есть не церковная, а

предназначенная для концертного исполнения. Ее создал великий немецкий

композитор Георг Фридрих Гендель. Героические оратории Генделя, написанные

на библейские сюжеты, нередко звучат и в наши дни.

В те же годы расцветает и близкий оратории жанр -- кантата. Когда-то этим

словом обозначали любое произведение для пения с инструментальным

сопровождением (cantare в переводе с итальянского -- петь). В XVII веке

кантата -- концертная вокальная пьеса лирического характера, состоящая из

арий и речитативов. Она исполнялась певцами-солистами или хором в

сопровождении оркестра. Вскоре появляются духовные кантаты философского или

назидательного содержания, а также кантаты приветственные, поздравительные.

Много замечательных кантат написал великий немецкий композитор Иоганн

Себастьян Бах.

В прошлом столетии жанр кантаты привлек русских композиторов. Постарайтесь

послушать торжественную кантату Чайковского <<Москва>> для солистов, хора и

оркестра или поэтичную кантату Рахманинова <<Весна>>, написанную на текст

известного стихотворения Некрасова <<Зеленый шум>>.

Новую жизнь кантате и оратории дали советские композиторы. В их творчестве

уменьшаются различия между этими двумя жанрами, существовавшие в прошлом.

Раньше оратория, подобно опере, сочинялась на какой-либо драматический

сюжет. В кантате, как правило, такого сюжета не было, она воплощала ту или

иную мысль, идею. Например, кантата Глазунова написана к 100-летию со дня

рождения Пушкина. Теперь же часто встречаются сюжетные кантаты (например,

<<Александр Невский>> Прокофьева) и несюжетные оратории (как <<Песнь о

лесах>> Шостаковича, с которой мы начали начали наш разговор об оратории,

или <<На страже мира>> Прокофьева). В наше время ораториями и кантатами

называют крупные многочастные вокально-симфонические произведения,

посвященные важным событиям народной жизни.

ОРГАН. Самый большой из всех музыкальных инструментов -- ор-ган. Играют

на нем, как на фортепиано, нажимая на клавиши. Но в отличие от фортепиано

орган не струнный, а духовой инструмент и родственником он оказывается не

клавишным инструментам а маленькой флейте.

В древние времена, когда сложных музыкальных инструментов еще не было,

несколько тростниковых дудочек разной величины стали соединять вместе.

Инструмент этот древние греки называли флейтой Пана. Считалось, что

придумал его бог лесов и рощ Пан. На одной дудочке играть легко: ей нужно

немного воздуха. А вот играть на нескольких сразу значительно труднее -- не

хватает дыхания. Поэтому уже в глубокой древности люди искали механизм,

заменяющий человеческое дыхание. Такой механизм нашли: нагнетать воздух

стали мехами, такими же как те, которыми кузнецы раздували огонь в горне.

Во втором веке до новой эры в Александрии изобрели гидравлический орган. В

нем воздух нагнетался не мехами, а водяным прессом. Поэтому он поступал

равномернее, и звук получался лучше -- ровнее и красивее.

Шли века, инструмент совершенствовался. Появился так называемый

исполнительский пульт или исполнительский стол. На нем несколько клавиатур,

расположенных одна над другой, а внизу огромные клавиши для ног -- педали,

которыми извлекались самые низкие звуки.

Конечно, давно были забыты камышовые дудочки -- флейты Пана. В органе

зазвучали металлические трубы, причем число их доходило до многих тысяч.

Понятно, что если бы каждой трубе соответствовала клавиша, то на

инструменте с тысячами клавиш невозможно было бы играть. Поэтому над

клавиатурами сделали регистровые ручки или кнопки. Каждой клавише

соответствуют несколько десятков, а то и сотен труб, издающих звуки одной

высоты, но разного тембра. Их можно включать и выключать регистровыми

ручками, и тогда, по желанию композитора и исполнителя, звук органа

становится похожим то на флейту, то на гобой или другие инструменты; он

может имитировать даже пение птиц.

В Средние века органами заинтересовалась церковь. Во всех католических

соборах и больших церквах были построены органы. Их торжественное и мощное

звучание как нельзя лучше подходило к архитектуре соборов с уходящими вверх

линиями, высокими сводами.

Лучшие музыканты мира служили церковными органистами. Много великолепной

музыки было написано для этого инструмента разными композиторами, в том

числе Бахом.

Разумеется, далеко не вся музыка, созданная для органа, была культовой,

связанной с церковью. Сочинялись для него и так называемые <<светские>>

произведения. В России орган был только светским инструментом, так как в

православной церкви, в отличие от католической, его никогда не ставили.

Начиная с XVIII века композиторы включают орган в оратории. А в XIX веке он

появился и в опере. Как правило это было вызвано сценической ситуацией --

если действие происходило в храме или около него. Чайковский, например,

воспользовался органом в опере <<Орлеанская дева>> в сцене торжественной

коронации Карла VII. Мы слышим орган и в одной из сцен оперы Гуно <<Фауст>>

(сцена в соборе). А вот Римский-Корсаков в опере <<Садко>> поручил органу

аккомпанировать песне Старчища-могуч-богатыря, который прерывает пляску

Морского царя. Верди в опере <<Отелло>> при помощи органа имитирует шум

морской бури.

Иногда орган включается и в партитуру симфонических произведений. С его

⇐ Предыдущая 4 5 6 7 8910 11 12 13 Следующая ⇒