Искусство и художники 5 страница

Глава седьмая

ПЕРЕВОРОТ В МИРЕ ИСКУССТВ

Вот как СМИ (высокая пресса) превращает субстанцию из битых яиц, молотого кофе, дохлых креветок и голубиного помета в конфетку (праздник гурмана). Сейчас я приведу типичные комментарии на тему изобразительного искусства (не называя имени критика) и покажу вам, как искусство живописи — я не буду касаться скульптуры, — было осквернено, затем унижено и, наконец, разрушено в период между 1900 и 1990.
Комментарии будут о том, что союз называет «поп-арт, минимализм, абстрактное искусство, космическая мистика» и т.д. Мы будем рассматривать искусство, достигшее «вершины» (1880-1900) и затем начавшее снижать свой уровень (1900-1918) и затем совершившее стремительный бросок прямо вниз, как лыжник летит вниз по крутому спуску. Пока этот спад продолжается, а торговцы ($$$) будут подсчитывать ущерб и подставлять подпорки под разваливающуюся структуру применения учения Дарвина, Хаксли и Бэйтсона (эволюционистов): «вперед, в сторону и вверх» (см. Иса.14:10-16). Это создано СЛОВАМИ: это литература, а не ИСКУССТВО. Правда, вы можете сказать, что картины «Ветры войны» и «Сжатый атлас» — это шедевры, но это снова слова, и если вы хотите играть словами, и если танец живота, популярные баллады и способности к лицедейству — это искусство, то тогда словом «искусство» можно обозначить что угодно. Энди Уорхол однажды сделал 6-часовой фильм о том, как человек спит. Некоторые думают, что он художник. Вам нужно только умело нацелить слово «искусство» на совок с рыбьими головами и назвать его «произведением искусства». Но я говорю о талантливых художниках и их способности рисовать КАРТИНЫ. Они не обсуждают «случаи перехода рисунка с полотен прямо в жизнь» и т.п. (см. напыщенные речи СМИ). Например: это не искусство взять напрокат тридцать черепах и пустить их на темную сцену с фонариками, привязанными к стене (Рошенберг, 1925 г.р.). Это для людей, у которых иссякли все идеи. Рошенберг смешно оправдывал свой театральный нонсенс (пресса любит такие штучки!): «Картина ближе к реальному миру, если она взята из реального мира». Если бы это было правдой, то это не была бы КАРТИНА. Это была бы часть мира, не картина мира. Это было бы нечто, что можно назвать «художественным проектом, который мог бы заменить способность художника ИЗОБРАЖАТЬ реальный мир».
Является ли картина «Герника» изображением разбомбленной Герники? Название картины Герника. Почему ее не назвали «Влюбленный буйвол в сарае с инструментами» или «Нужно ли вам включать свет, когда я РИСУЮ»? Пресса продала Пикассо так же, как они продали Рошенберга.
А вот модернист по имени Ансельм Кифер. Согласно сообщениям о нем в прессе, Кифер «использовал огненные образы, чтобы опротестовать ужасы холокоста». 1. В картине нет образов. 2. Любой, кто знает, что такое холокост («огненная печь», «как в озере огня», Откр. 20), будет использовать огненные цвета. Понимаете, когда вы садитесь и видите этот вызов интеллекту художника, вы, в конечном счете, выясняете, что огненный цвет — это и есть огонь. Где его взять? Один портрет Гитлера, выполненный настоящим художником (см. с79) даст вам достаточное представление о «Холокосте», которого вам хватит на всю оставшуюся жизнь.
А сейчас, предположим, что вы были настолько глупы, что взглянули на те ужасы, которые выдали Кифер, Поллок или Кляйн, а теперь бормочете: «Я этого не понимаю». Итак, согласно законам железного занавеса (и религиозным догмам) СМИ, на вашем невежестве наживутся. Из вас сделают абсолютного осла в интеллектуальном смысле, если вы станете критиковать джаз и «великого» Чарли Паркера за то, что он перевирает мелодию. Вот такая подача.
ТАКИМ образом СМИ запугивают публику.
Это утверждение подразумевает, что вы можете понять картину (глядя на нее), как и мелодию, тогда как кровавое месиво мясника-любителя — это всего лишь «импровизация» этой мелодии. Но импровизация на тему (в музыке) это НЕ разрушение мелодии: наоборот, новые мелодии добавляются к оригиналу. Художественные критики в прессе так долго пробыли в изолированной комнате, что их МОЗГИ усвоили рисунок только абстрактного искусства. Понимаете, Чарли Паркеру пришлось научиться играть на саксе, прежде чем он смог сделать джазовую импровизацию на КАКУЮ-ЛИБО мелодию. Кифер, Поллок и Кляйн никогда не учились рисовать или писать маслом. Они — это Чарли Паркер без знаний музыкального размера, ключей, работы языка или губ. А сходство откликов в прессе — это не что иное, как отчаянная попытка оправдать отсутствие таланта (Не волнуйтесь обо мне, не берите в голову, когда я стою перед работой современного художника, я доберусь до сути, я «раскопаю все» действительно хорошо). Это НЕ музыка любого импровизатора, который только научился играть на своем инструменте; это как работа шоумена, который пытается убедить вас, что он музыкант, потому что умеет бросать свой горн (трубу) через всю сцену, после воспроизведения четырех нот.
Джексон Поллок играл на клавишах пианино ледяными пиками, бил рюмки на всех столах, скандалил в барах, срывал двери с петель, садился пьяным за руль и (слава богу!) был убит в зрелом возрасте сорока четырех лет. Его искусство соответствовало его жизни; он был испорченным парнем, пытающимся привлечь к себе внимание, бросая трубу и саксофон, лишь четыре раза дунув в них. Однажды кто-то спросил его: «Вы работаете над природой?». А он дал самодовольный глупый ответ: «Я и есть природа». Такую умственную слабость следует назвать «неправильным самоопределением». Он не был природой; он был эгоистичным пьяницей, который не мог обуздать свой темперамент.
В конце своей карьеры Джеймс Фербер (юморист, который часто печатался в «Ньюйоркере») написал определение Поллока, хотя изменил имя гения. Работа называется «Есть кое-что сказать». В той статье кто-то убивает «гения» во время вечеринки для коктейлей, после того, как гений в течение нескольких лет живет за счет других, одалживает деньги и никогда их не возвращает, оскорбляет тех, кто помогает ему, нарушает покой все ночи напролет. Кто-то из гостей на вечеринке пробормотал над трупом: «Земля потеряла, дьявол забрал». Тембер комментирует: «Я думаю, что все подумали то же самое».
Но посмотрите, СМИ работают, пытаясь превратить мазню Поллока в шедевры. «Человека одолевало его подсознание… он освободился от геометрической абстракции и узнаваемых образцов… давая волю импульсу и случаю; страстный процесс живописи имел для него абсолютную ценность сам по себе».
1. Он находился во «власти» своего тщеславия, своего плохого характера и любви к бутылке. Однажды, когда его обвинили в том, что он позволяет импульсу и случаю властвовать над собой, он заверещал: «Никакого хаоса, черт возьми!» (Понимаете ли, он не хотел, чтобы публика узнала о его недисциплинированности).
2. Термин «освобождение» один из тех, которые Кастро, Линкольн, Гитлер, Хо-Ши-Мин и Мао Дзе-Дун использовали как прелюдию к УБИЙСТВЕННОЙ ВОЙНЕ. Это слово используется всеми сексуальными извращенцами, коммунистами, растлителями малолетних, радикалами левого толка для того, чтобы «избавиться от правил и норм», особенно от ДЕСЯТИ ЗАПОВЕДЕЙ.
По Библии, если человек обещает вам освобождение (2Пет. 2), он «слуга разврата» и пытается вовлечь вас в КАБАЛУ (см. Гал. 2:4). «Свободная жизнь» просто обозначает, что вы неверная жена или растлитель малолетних, или сексуальный извращенец, или наркозависимый: т.е. погрязли в грехе (Иоанн 8:33-34).
3. Немногие современные художники (или философы, федеральные судьи, учителя, профессора, ученые или религиозные лидеры) верят в АБСОЛЮТ (см. выше). Они все учат, что истины относительны, поскольку они все «ценны».
Но! «В нем (относится к Джексону Поллоку) была правда» (отзыв художественных критиков). Безусловно, была, да, действительно. Вы получите великую фундаментальную правду: проклятые пьяницы, которые не умеют держать себя в руках, могут запросто погибнуть в аварии. Я думаю, что картина Поллока «№1» (1950) сойдет за чудесную художественную иллюстрацию его собственной смерти. Она ничего не изображает, это чистый абстрактный экспрессионизм.
Спрашивается: «Давайте судить о художнике по тому, какие ЭМОЦИИ вызывает его картина (см. с57)? Это сказал Франс Кляйн, который не мог нарисовать даже сарай. Однако! «Кляйн берет свои массивные линейные формы из промышленных очертаний…». Его картина «Mahoning» — хороший тому пример. Она состоит из семнадцати толстых черных полос, налепленных на полотно с помощью половой щетки. Ее можно запросто назвать «Тик, так, ток — 17 в рядок» или «Японские художники на всенощной попойке» (А после недолгого изучения я решил, что более благородное и художественное название «Деготь на заключенных».
Ганс Гоффман (1880-1966) любил «свободно расплескивать краски… он оказал влияние на ХУДОЖНИКОВ своей двухтактной теорией… он известен своим интенсивными цветами в прямоугольниках, которые кажутся сталкивающимися». Приехали!
1. Все малыши-дошкольники любят «свободно разлитые краски».
2. Каждый художник, который хоть год проучился (там, где хоть чему-то учили) знает, что одни цвета притягиваются, а другие — взаимоотталкиваются (Такова двухтактная теория).
3. Никому не надо тренироваться, чтобы нарисовать или написать маслом прямоугольники. Вы можете обвести для этого крышку от коробки, книгу, пенал, открытку.
«Флаг» вам в руки.
Писатель пытается продать вам картины.
Многочисленными последователями имитаторов, которые появились вслед за Пикассо и Гофманом были: Готтлиб (1903-1974), Базиотс (1912-1964), Джеймс Брукс (1906-1992), Эд Рейнгард и Филипп Гастон (1913-1980). В этой когорте нет ни одного ХУДОЖНИКА.
Еще один достойный представитель этого чудесного перевоплощения «из грязи в князи» — Фрэнсис Бэкон (1909-19992), который проводил время в азартных играх, пьянках и среди тех, кто сворачивается в позе эмбриона во время дневного сна. Будучи немного честнее тех экспертов, которые пытались продать его мазню, Бэкон вопрошал: «Кто слышал, чтобы мою картину купили за то, что она ПОНРАВИЛАСЬ?». Это самое достойное и самое ясное утверждение о современной живописи. Никому не нравится «Мона Лиза» (см. с16) или «Д-р Гаше» (см. с13). Что людям нравится, так это дурная слава и гласность, связанные с божеством СМИ. Вот почему они готовы платить миллионы долларов за МАЗНЮ.
Марк Роско (1903-1970) говорит, что некоторые художники «хотят все сказать в искусстве, но я считаю, что лучше сказать меньше».
Когда вы можете сказать так мало и у вас нет таланта, с помощью которого вы можете это сделать, то вам остается только СЧИТАТЬ, что лучше сделать меньше. (Проницательность, между прочим, это естественная добродетель картежника, бизнесмена, и в особенности, политика. Разве такому качеству место в картинной галерее?). На основании того, что он не мог больше писать, Марк Роско совершил самоубийство, прожив двадцать лет хроническим алкоголиком. Он не мог ничего ПИСАТЬ. Как картина Ньюмена «Один день» (листок красной бумаги), Роско никогда не учился владеть ручкой, палочкой для пастели, карандашом, углем или кистью.
Моррис Луис (1912-1962) сказал (о работах Хелен Франкенталер): «Ее работы — это мост между Поллоком и всем, что возможно.
Этот скрытый намек подразумевал, что какая-то женщина могла быть хоть наполовину понятной и походить на Поллока, который был недоступен пониманию; но заметьте, как изысканно и эстетично это звучит (см. Антиинтеллектуальный манифест, Гл.1 и 2, 1992). Но это было сказано в самом начале обоих движений экспрессионизма и абстрактной живописи, еще до рождения Хелен Франкенталер. Моррис Луис мог лишь нарисовать цветочный орнамент. Современных ему художников было тогда более сотни, которые могли спокойно «перерисовать» его (их работы можно найти в сорока восьми выпусках «Американского художника», который печатался между 1980 и 1984 годами).
Кеннет Ноланд (1924) специализировался на концентрических кругах… он любил оставлять центр полотна как структурную схему… поэтому он мог сконцентрироваться на цвете… он пытался вызвать визуальные сенсации…».
1. Он писал кругами (см. выше).
2. Центр холста — это центр полотна, не имеет значения, как и где ты его располагаешь.
3. «Структурная схема» обозначает, что он писал по кругу.
4. Представьте, что кто-то говорит о нем, что он «концентрируется на цвете». Как вам сама идея! Проблем с цветом более, чем достаточно, чтобы на них концентрироваться, только в одной картине «Субботний вечерний пост» Рокуэлла их больше, чем Ноланд увидел в двенадцати концентрических кругах.
5. Что такое «визуальные ощущения»? Если вы имеете в виду «шокирующие цвета», то Тэрнер делал это на сто лет раньше, а если вы говорите о настоящих значительных вещах, которые «уходят от ответа», тогда картина Гойи «Черные рисунки» (написанная более сотни лет назад) выполняет свою работу. Пресса как раз дает вам подсказку. Они цитируют и говорят об этих художниках серьезно, и думают, что их разгоряченные лица соответствуют тому, что они нарисовали. Это просто обманчивые узоры красноречия, помогающие продать дрянной продукт. Альберс, Келли и Стелла не умели ни рисовать, ни писать, ни видеть, ни изучать, ни дисциплинировать себя, они даже не могли передать идею. Они даже не могли вдохновить сурка рыть норку.
Когда одного знатока поп-арта спросили, почему ему нравятся этакие помои, состряпанные Энди Уорхолом, Клесом, Олденгбургом, Ройем Лихтенштейном и Джеймсом Росенквистом, он ответил: «Поп-арт делает мир более приятным местом для жизни». Сравните теперь с тем, что пишут СМИ по этому вопросу.
«Энди Уорхол показал УЖАСЫ НАШЕГО ВРЕМЕНИ так же решительно, как Гойя в свое время». (!!)
Для поп-арта никогда не существовало никаких стандартов: все субъективно от начала до конца, и полностью основывается на индивидуальных реакциях отдельных индивидов (в разном эмоциональном настроении), когда они смотрят на эту мазню. Разве это искусство?
Взгляните еще раз: здесь отзывы той же прессы, которая хвалит «ужастики» Уорхола. «Одна из задач искусства — это заставить вас глядеть на мир с УДОВОЛЬСТВИЕМ: поп-арт — это единственное направление этого столетия, которое попыталось это сделать». А далее этот ореховый писатель исключил Джона Хельда мл., Нормана Рокуэлла и Максфелда Пэрриша из дающих нам возможность глядеть на мир с удовольствием. Заметьте религиозную догму: «ЕДИНСТВЕННОЕ направление».
Хотите действительно увидеть ужас чьих-то мыслей, который Уорхол пытался выразить? Ладно, возьмем настоящего художника, Роберта Бирмелина и изучим его акриловые «Моменты-фрагменты» (1987), «Четыре момента-перехода» (1989) и «Рассеянное внимание» (1987). Поздний Энди Панда, настоящий Гойя поп-арта, сказал следующее: «Если вы начнете смотреть поп-арт, вы никогда не увидите современной Америки через него». Один из его последователей (который любил его пирамиды из суповых банок) сказал: «Поп-арт вышиб искусство из музеев в жизнь».
Да? Почему, спаси Господи, ТАКОЕ искусство существует вне музеев более половины века. Если существует стандарт «Как ЧУВСТВУЮТ массы себя в искусстве», как тогда художники, которые рисовали мультфильмы «Маленький Немо в Сламберленде», «Сумасшедшая Кэт», «Дети Катзенджамера», «Матт и Джефф», «Семья Гампс» и «Барни Гугл и Спарк Плаг» создали «искусство» в полном смысле этого слова еще до того, как Энди выпил свою первую порцию пива или выкурил свой первый косячок.
«Я хочу избавляться от вещей, которые люди считают существенными в искусстве» (Доналд Джадд, скульптор). Подросток: «Я хочу избавиться от того, что заставляет меня упорно думать, упорно работать или жертвовать чем-то». NEA: “Мы должны избавиться от того, что люди привыкли считать существенным и характерным». Шенберг: «Мы хотим избавиться от всего, что люди привыкли считать основным в хорошей музыке». NCCC: «Мы хотим избавиться от всего в Библии, что мы привыкли считать необходимым для спасения». Знакомая песенка? Знакомые слова?
Кто-то пытается «освободить» вас. Кто-то хочет, чтобы вы очутились в таком же хаосе, в котором оказались они, благодаря отсутствию дисциплины, вдохновения и самоконтроля.
Вот оправдание «минималистов»: «Простота форм не обозначает простоту опыта» (Но в их случае это ТАК). Хорошенькое дело! Вы обманываете, что у вас есть опыт, когда у вас его нет. В вашем случае «простота» доказывает, что вы не знаете, что делаете. А также Роберт Моррис (р. 1913), Сол Льюис (р. 1928), Ричард Серра (р. 1939) и Дэн Флавин (р. 1930).
Все это очевидное САМООПРАВДАНИЕ: АЛИБИ.
С 1900 года профессиональные мастера шумихи превращают всякую мазню в произведения искусства своими разговорами. Никто ничего не пишет, эти художники рисовать не умеют.
«Если творческая ИДЕЯ — главное в искусстве, тогда создание НАСТОЯЩЕГО ОБЪЕКТА, понукаемое этой идеей — более, чем достаточно… мы должны отскрести искусство от образов, личностей, эмоций (!!!) и сообщений…».
Теперь послушайте, что в действительности этот лунатик сказал:
1. Что основное (идея) запретит каждому создавать что-либо, что выходит за ее рамки. Это значит, что согласно этих невероятных слов этих невероятных авторов, что все работы Моне, Мане, Рокуэлла, да Винчи, Босха, Эверса, Пэрриша, Рембрандта, Коплея, Руссо, Сезанна, Ван Гога, Брейгеля и Гейнсборо были ГРЯЗНЫМИ и должны быть очищены, поскольку они не несут ни информации, ни образов.
2. А что, если «идея» и есть сообщение?
3. А что, если «идея» и есть образ?
4. А что, если «идея» и есть объект? (Заметьте, как чокнутая птичка в своем оригинальном комментарии перепутала идею с актуальным объектом; не объект воображения, а актуальный объект. Человек не касается реальности и не может реализовать свои потаенные мысли).
5. Актуальные объекты — это солидные в трех измерениях вещи, которые можно сфотографировать. Они существуют как солидный объект вне зрителя.
Это значит, что спустя пять десятилетий словесных игр, преувеличений, демагогии, неприкрытого лицемерия, говорящие художники потеряли право обсуждать их собственное ремесло. Один критик сказал: «СМИ и есть миссия». Дженни Хольцер (1950) в отчаянной попытке, чтобы ее имя попало в газеты в связи с «искусством» — решила рисовать нашлепки на крышках мусорных ящиков и мест для парковки, говоря: «Деньги творят вкус». Джозеф Беюз поддерживал целую неделю беседу с койотом, чтобы люди подумали, что он умеет РИСОВАТЬ. Вито Акконци раздавил тараканов у себя на пузе, а Пьеро Монзони законсервировал свои собственные испражнения, чтобы выставить их в Нью-йоркской картинной галерее. Как вам «реализм» и поп-арт? (Я считаю, великолепно. За все сто лет я не слышал о более крупной раскрутке, чем у Монзони. Что может быть более присуще современному искусству, чем банка, полная...!". Браво, Манзони! Ты хороший и верный слуга!»).
Вы уже получили сообщение? Столкнулись с ним?
И наконец: «Неоэкспрессионизм оставил позади себя такие забытые черты, как узнаваемое содержание, связь с историей, субъективность, социальные комментарии и т.п. Неоэкспрессионизм шел назад к вершине холма (1918); через горный хребет (1910, 1905, 1900, 1890, 1880), туда, куда его вел ТАЛАНТ художников. Йоганн Брамс (1833-1897) имел те же проблемы с сочинением музыки около 1880. Он сказал, что все уже написано. Он жил между 1833 и 1897 годами, поэтому видел «вершину» и знал, что затем музыка пойдет по пути прямо вниз. Поэтому Брамс «царствовал», поскольку достиг вершины, вернувшись НАЗАД к Моцарту, Гайдну и Баху: вот почему его называют неоклассиком. После 1900 вы в пролете.
Джозеф Бьюз (1931-1986) был так называемым «гуру неоклассицизма». Он хотел «возродить человечество» (ужасно, он никогда не достиг даже 1/30.000 своей цели или оказался в 500.000.000 световых лет от нее). Одним из неоэкспрессионистов был абстрактный художник по имени Ансельм Кифер (с96), о котором было сказано: «Он лучший художник своего поколения на обоих берегах Атлантики». Кифер не мог нарисовать даже собаку или кошку, или лошадь, или корову, или дом, или сарай, или машину, или океан, или небо, или гору, или облако, или куст, или фабрику, или реку, или стул, или самолет, или бутылку.
Другим человеком, который оправдал отсутствие у него таланта, был Франческо Клементо (р. 1952), который выбросил из головы все литературные прелести, чтобы оправдать свою несостоятельность как художника: «Я интересуюсь телом, как проводником между тем, что мы изображаем снаружи и тем, что мы чувствуем внутри».
А теперь сядьте и подумайте над этой глупой ерундой около трех недель. Любой художник от Микеланджело до Томаса Гарта Бентона использовал человеческое тело как проводник того, что он чувствовал внутри себя, сравнивая его с тем, что он изображал снаружи.
Когда Билли Клинтона спросили: «Теперь, когда вы президент Соединенных Штатов, что вы будете пытаться сделать нового в правительстве? На что этот болванчик СМИ ответил: «Ну, у меня абсолютно новый подход к этой проблеме; меня интересует баланс бюджета и длительный мир.
Вы не на «месте сброса», вы тонете в зыбучих песках у дна, а не там, где вас сбросили.
Эрик Фишл (р.1948) рисует подростка, мастурбирующего у бассейна на заднем дворе. Какое великое художественное «социальное послание» в этом дешевом вульгаризме? Что это, иллюстрация к провалу американской мечты? Фишл говорит: «Я старался создать эффект чего-то еще НЕСКАЗАННОГО».
За 100-300 лет еще до рождения Эрика Фишла, более 3.000 художников не только пробовали, но и доводили до конца этот эффект. Гойя выдал сорок таких картин, Домье – еще тридцать, Босх – десять, Томас Икинс нарисовал еще дюжину. Школа «Пепельница» в начале 1900-тых преумножала такие работы. Н.С.Виет нарисовал еще две дюжины таких картин, а Норман Рокуэлл рисовал одну в неделю на протяжение более двадцати лет. Что-то Эрик пытался сказать, только не знал, как? (Сейчас очень плохо уметь рисовать или писать, но не уметь ГОВОРИТЬ). Ну, он что-то пытался сказать: «Я люблю рисовать вещи, о которых люди не говорят». Но они и вправду говорят о мастурбации, в школе проводят курсы уроков по сексуальному воспитанию. Сегодня тысячи людей говорят об абортах, изнасиловании, супружеской измене, сексуальных извращениях, педофилии, содомии, анальном сексе, оральном сексе и лесбийской любви так же просто, как обсуждают прогноз погоды или цены на рынке. Фишл, должно быть, имел умственные отклонения под названием «нарушение ориентации». Он не знал, где находится.
Понимаете, он лжет. В оправдание своего порочного сюжета он изобрел фразу. Это не было правдой. Название игры «САМОУДОВЛЕТВОРЕНИЕ».
Мне известно, что наилучший способ прекратить этот очерк, это привести вам около дюжины примеров, где писаки – не художники – говорят о современных картинах, чтобы выдать их за произведения искусства. Понимаете, что это всего лишь коммерческая реклама недобросовестных художников, чьи пропагандисты (поставщики) убеждают, что они вдохновенно трудятся на благо искусства, не опускаясь до порочной глубины иллюстраторов. Это вечное оправдание (в писанине – не в живописи) за жалкую груду мазни, что вышла у художников-авангардистов после Сезанна, Ван Гога, Пикассо и Миро, продемонстрировав их некомпетентность во владении ручкой, карандашом, пастелью, мелом и кистью.
Нам придется иметь дело с безобъектным, бездуховным, невыразительным искусством (правда, звучит как описание спонтанного поколения), это нехудожественная мазня на тяп-ляп Бена Николсона, который после тридцати пяти лет в искусстве не умел нарисовать ничего, кроме нескольких грязных квадратов и прямоугольников на тускло-коричневом фоне, а затем вдруг случайно подчеркивает их тонкими черными контурами, которые ничего не обозначают. За всю свою жизнь Николсон не изобразил ничего правдоподобного: ни куста, ни дерева, ни дома, ни горы, ни собаки, ни стола, ни человеческой головы. Две картины «Джуни» (1958) и «Trendrine» (1948) предположительно доказывают обратное. Но он не умел рисовать.
Все, что Николсон рисовал, может быть скопировано (абсолютно точно) просто путем склеивания кусочков цветной бумаги, которую потом разрисовать нестройно грязными красками.
Опять на лицо триумф СМИ! Победа, вырванная из зубов поверженного! «Фокус, покус, смотрите, как пьянка превращается в ВИНО».
«Спонтанность — это хорошее качество… и я не хочу ругать движение, которое изолировало и выделило это качество… это то, как Николсон стал художником, усвоив в детстве визуальный способ выражения, такой же естественный, как и речь… преуспевающий художник — это тот, кто может передать должный контраст, объем и выразительность всех элементов языка… короче, он приобрел свой СТИЛЬ. Стиль — это не столько сам человек как система, это порядок, который художник придает своему видению… внутренняя суть вещей, суть, выраженная — это видимый язык, который является не чем иным, как утонченностью и изяществом символических значений, которыми все мы пользуемся, когда хотим передать значение видимыми знаками.
Вот! Вот это и есть путь в никуда. Вот вам и чудесная увертюра к Багс Банни на улице Сезанна.
1. Если «спонтанность это позитивное свойство», как насчет соответствия темперамента на картине «Лицо со шрамом». А какое лицо было у Эла, когда он забил до смерти троих своих приятелей бейсбольной битой? Как насчет старого Джексона (с97), который разносил пианино и садился пьяным за руль?
2. Каким был «стиль», когда рисунок был выполнен с достаточной контрастностью и экспрессией? Авторы мультфильмов «Безумная Кэт», «Фисташки», «Хагард Ужасный», «Гарфилд», «Волшебник из Ид» — у них всех есть стиль и все полноценно самовыражаются. Вы можете иметь свой почерк как грабитель банка, насильник, уличный грабитель, торговец наркотиками, демагог или серийный убийца (Джек Потрошитель, например).
3. Что такое «визуальный способ», который является таким же естественным, как речь? Вы можете понять речь, а смогли бы понять ерунду Николсона? Хотите пари?
«Выразительность момента в Искусстве, в котором Николсон столь щеголевато стал «мастером» (!!!) можно обозначить фразой, которую я только что использовал; утонченность символических значений, которые составляют видимый язык. В течение веков в Европе такая утонченность была подчинена требованиям мимического литерализма или иллюзионизма... в литературе это было звукоподражательное употребление слов, которые подчиняли свои значения согласно репродуцированных звуков…».
Вы понимаете, что собрался делать этот мошенник!
Он говорит, что «утонченность» не совместима со звуками и слогами в английском языке, поэтому вы можете общаться с помощью неизвестного воя, где нет слов. Таким образом, вы будете общаться на уровне «значений». Николсон Харизматик: вы говорите и общаетесь с помощью значений, не употребляя слоги, потому что они являются звукоподражанием! Сынок! Речь идет о прошлогоднем снеге. Так вот. Понимаете, что он сделал? Он избежал проблем, связанных с любыми значениями, просто избавившись от основных компонентов, которые составляют суть значения. 20 век на дворе. Это «рационалистический» век. Вы избегаете основных принципов — этических, моральных норм, работы над собой, самоотречения, труда, чистоплотности, «семейных ценностей», богобоязненности, честности, прямоты и настойчивости, а потом пытаетесь перестроить слово («перерождение человечества», см. выше) с приятием желаемого за действительное, смешением наций, верой в человека, «средством от всех бед» и «сопереживанием».
Следите за газетными хулиганами, они довели это до совершенства в следующих цитатах Николсона:
«Внутренняя сущность вещей… целостность есть честность, чистота, согласие… качества, которые однажды выражаются через форму и текстуру видимых форм».
Заметьте: «чистота» не имеет ничего общего с моралью, этикой, чистоплотностью, добродетелью или отстраненностью от грязи и зла, скорее она дружит со злом и грязью, составляет «целостность». Это Всемирная, Нововековая, глобальная интеграция для всего мира для создания «целостности».
Вперед, сквозь туман!
В стилистическом прогрессе такого художника, как Бен Николсон есть своя органическая логика и вам теоретически даже удастся разгадать любой видимый силлогизм… каждая отдельная картина скрывает рост, который привел к окончательной форме».
Интерпретация («если же не будет истолкователя, лучше молчи», 1-ое Кор.14:28): «В течение тридцати лет, избегая любой проблемы, связанной с рисунком или живописью, появляется своего рода монотонное повторение; и вы бы теоретически могли разрешить своему воображению буйствовать, притворяясь, что полоска грязно-голубой бумаги наверху белого листа (с четырьмя чернильными линиями, бегущими через него) может помочь разгадать силлогизм. Каждая отдельная картина осторожно скрывает тот факт, что Николсон был художником, поэтому его окончательная форма просто такая детская и невнятная, как и первая». Это зрелость и рост в искусстве за 35 лет жизни. Соответственный период имеет еще один силлогизм: маленький, грязный, красный прямоугольник. Говорят, что в этой работе есть «точность… дисциплина… и глубина… проникновенного видения!».
Бешеные бабки, бэби. Цирковой номер: «Сюда, направо, леди и джентльмены». Большое представление как раз началось внутри. Только один дайм. Да, одна десятая доллара. Он ходит, он говорит, он почти как человек! Посмотрите на Джо-Джо, мальчика с лицом собаки; он родился в Африке с вуалью на лице. Отступите сюда (пошли вон отсюда) и т.д.
Где-то между 1880 и 1900 годами расплодилось более 500 человек с претензией на звание художника, такие же фальшивые, как 3-долларовая банкнота. Они были освобождены с помощью Сезанна и Пикассо. Каждый из них столкнулся с 90% проблем, связанных с «визуальным силлогизмом», потому что они не были художниками. Они не владели анатомией, они не умели обращаться со светом и тенью на контурах, они не могли нарисовать правдоподобный архитектурный объем, у них не было никакого чувства равновесия, они не умели смешивать цвета как положено. Они были «освобожденными» как Хиллари Клинтон, Рок Хадсон, Либрас, Мадонна, Джесси Джексон, Нельсон Мандела или любой гомик в Сан-Франциско. Они намеренно избегали ВСЕХ спорных вопросов, с которыми сталкивается любой настоящий художник: стоящий сюжет, композиция, гармонически сочетающая цвет и тени, теплые и холодные цвета, отраженный свет, трехмерное пространство, идеи (а не просто чувства), перенесенные на полотно.
Сделав это, они проводили жизнь, используя красноречие (не краски), чтобы оправдать свои промахи. Пресса взяла их под свое крыло и нянчилась с ними. Имя этой игры «САМООПРАВДАНИЕ».
Я займу еще немного вашего времени только еще одной находкой коммерциализированной шумихи вокруг интерпретации современного искусства. Вот еще одна находка прессы — типичный продукт американской демагогии 20 века — такой же косой и фальшивой, как любой выпуск новостей CBS, какой вы только смотрели с 1964 или любая статья в журнале «Лайф» или «Тайм», напечатанная с 1933.
Тут мы встречаем Рауля Дафи, подобного Ренуару, Моне, Утрилло и Дега. Он является «поэтом и композитором… изобретательным художником с руками и головой…, как будто хочет доказать самому себе (О, да! Это точно!), что любой НАСТОЯЩИЙ художник, обогащенный своим пониманием и разработкой темы, может и дальше создавать идентичные существа и запечатлевать неизменные переживания за счет различных методов.
Ни одна из работ Дафи ничего не трактует «различными методами». Там, где Рокуэлл и Фразетта могли использовать реализм, натурализм, экспрессионизм и импрессионизм — особенно Норман Рокуэлл мог использовать необъективную абстракцию так же, как и Миро или Николсон — Дафи может только рисовать карикатуры на людей и животных и слегка мазать их сверху акварелью. Наброски Дафи («Handel’s Messiah”, 1936; «Завсегдатаи скачек», «Кубок Аскота», выполненные ручкой и чернилами и «Набросок карандашом», 1914) даже не просто жалкие, они позорят имя искусства. Это даже не хорошие карикатуры. «На скачках» — это четырнадцать законченных акварельных наброска, зеленых, розовых, синих и красных лошадей, люди без лиц и беговые дорожки, где бегут лошади. Деревья и здания выписаны слабо, как на детском рисунке дошкольника.
«Те из нас, кто всю жизнь, задолго до славы и почета смеялись над ним, были готовы поспорить нашими суждениями против его ГЕНИЯ и очарования… в отдельных своих работах с обезоруживающим апломбом он помещает живые и неодушевленные предметы в зону влияния (Ага! Вот ты, парень и попался. Это то же, что и кошачья грамота?)… именно в этом и есть чудо… и даже более того; они прямо происходят от инициативного восприятия самого автора и воздействия на них существ и элементов».
1. «Гений»? Вы когда-нибудь видели лошадей, которых рисовали Ремингтон или Мак Карти?
2. «Инициативное восприятие»? Вы хотите сказать, что Дафи ВИДЕЛ все, что он изобразил, в карикатурном виде?
Возьмем на заметку всю риторику. Вы получаете очаровательного гения, а не художника. Вы имеете зоны влияния, а не композицию. Вы имеете чудо, а не картину. И вы имеете существа и элементы, «влияющие» на кого-то. Извините, живопись отсутствует. Сегодня живописи нет.
«Не звоните нам, мы сами вам позвоним».
«Пожалуйста, оставьте сообщение, я отвечу на ваш звонок, когда приеду».
Дафи, как Моцарт, он «искал любимые цвета… его виртуозность — не что иное, как внешний признак технического мастерства». Дафи не умел рисовать даже прямую линию длиной более двух дюймов. У него не было никакого мастерства в рисунке пером и чернилами, ни акварелью (включая «мокрым по мокрому», «сухой куст», «мокрым по сухому»). «Глубина богатства его видения скрыта (Ну да. Опять как у Николсона. См. выше) под маской элегантности и изящества… очевидная фантазия Дафи — это результат рефлексии и расчета… соло скрипки, да, только… свет дрожит на молчании только что сыгранных нот, или они только должны родиться, мерцая над простым столом… как далеко эта трепещущая форма, женственная в своих изгибах от пассивного объекта… эта самая скрипка… реальная, как мечта, содержащая внутри суть музыки».
«Наша песня хороша!»
Знаете ли вы, что ЭТОТ коммерциализированный поток горячего воздуха описывает? Он описывает плохо выполненный акварельный набросок какой-то размазано прорисованной скрипки, размещенной слишком далеко влево от композиции, которая не содержала ничего, кроме крышки стола и листа нотной бумаги. Цвета, которые «любят друг друга» — красный, белый и розовый, а поверх черного стола (и это не настоящий стол, а просто ровная поверхность) лежит какой-то клочок нотной бумаги, с какими-то небрежными шестнадцатью нотами на нем. Это и есть «сущность музыки».
Эта «трепещущая, мерцающая скрипка», которая вот-вот родит звуки (см. выше)» не сможет сыграть ни одной ноты; все ее струны порваны.
«Слегка дрожащие в тишине ноты, уже сыгранные или готовые родиться, мерцая в… тра-та-та-та-та!».
Это был результат «рефлексии» и «расчета» (см. выше), чтобы скрыть что-то под маской (см. выше).
Вот как пресса торжествует над художниками.
Это пресса торжествует над палитрой.
Верите или нет, но по сравнению с гением Миро, это ничтожество, Дафи, был мастером.
Вот как пресса торжествует над Конституцией и Биллем о Правах (1964): пустая говорильня и демагогия, призванная восхвалять и приукрашивать то, что находится ниже (Зад), сюжет (женщин), извращения (фей), абсурд (дети) и преступников (любых ЧЕРНЫХ преступников). Все радикалы, сторонники «левых», «глобалисты», думают точно также: они клоны СМИ (см. «Дискриминация, ключ к здравому смыслу», 1992). Дафи и Миро были абсурдны, они были ниже и они извращали законы настоящего искусства для того, чтобы о них услышали. Пресса дала им этот шанс. Выход: «искусство».
Все радикалы, экстремисты левого толка (все, кто верит в проекты, провозглашенные СМИ думают абсолютно одинаково, они клоны.
Будущее искусства (мы обсуждаем художников) определено. «Сын погибели», разнообразие ремесел и ремесленников (см. Дан.8:25; Дея.19:25-27; Откр.18:22). Никакое разнообразие «признанных» художников в Европе или Америке не имеет и намека на пророческую правду. Они все остались на «рубеже истории» (1880-1918) и не могут понять, где «вершина» горного хребта, хотя Библия его для них определила более, чем 1900 лет назад (Откр.1-3). Если бы у них был хоть какой-то здравый смысл, если бы они лучше знали жизнь людей (помимо Библии), где был этот «пик» и где его следует изобразить. Пик человеческой жизни — это три четверти или семь восьмых жизненного пути; после чего (шестидесяти или шестидесяти пяти) все идет под гору. Люди умирают, их умирает около 4000 в день. История тоже име<

⇐ Предыдущая 1 2 3 456 7 Следующая ⇒