Живопись. Мебель. Посуда. МУЖСКОЙ КОСТЮМ

Живопись

Французская живопись XVIII века была ознаменована, прежде всего, основанием Королевской академии живописи и скульптуры. Это учреждение, которое доминировало в художественном мире почти 200 лет. Основанная в 1648 году под предводительством Людовика XIV, Королевская академия была предназначена для обучения талантливых художников для французского двора. Смерть Людовика XIV в 1715 году предвещала дебют 7-летнего периода либеральной свободы, в течение которого Францией правил гедонист Филипп Орлеанский (Philippe, duc d'Orléans). Этот сдвиг задал тон художественной жизни XVII-XVIII веков. Результатом изменений стало популярное направление рококо, характеризующееся галантными мифологическими сценами. Основные мастера направления: Жан Франсуа де Труа (Jean-François de Troy, 1679-1752), Антуан Ватто (Jean Antoine Watteau, 1684-1721), Николя Ланкре (Nicolas Lancret, 1690-1743), Франсуа Буше (François Boucher, 1703-1770), Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779). Королевская академия продолжала доминировать в мире французского искусства. Все вышеперечисленные художники были ее членами, а Буше, которого в 1765 году назвали «Первым художником короля», занимал ключевые официальные должности в Академии. Художественный мир Франции XVIII века характеризуется тремя основными событиями: Во-первых, в середине века процветало больше опытных художников-портретистов, чем когда-либо прежде в любой стране; Во-вторых, активно развивалась философия Просвещения с ее эмпирическим уклоном, которая очень поощряла реализм в искусстве; В-третьих, во второй половине века неоклассицизм привел к возрождению интереса к предметам и эстетике классической античности (упор на исторической теме). Рассмотрим наиболее ярких представителей французского мира живописи XVIII века.

Жан Франсуа де Труа Жан Франсуа де Труа – первый герой нашего списка, родился в Париже и был сыном портретиста из Тулузы Франсуа де Труа. Обучался в центре художественный жизни Европы – в Италии с 1699 по 1706 год, где вдохновлялся венецианским искусством. Де Труа был успешным и модным художником во всех областях живописи. Как очаровательный и талантливый молодой художник и сын успешного светского портретиста, Де Труа был хорошо принят элитой Парижа, а вскоре познакомился с двумя особо влиятельными покровителями того времени – финансистами Сэмюэлем Бернаром (Samuel Bernard ) и Кристофом де Лаливом (Christophe de Lalive). Первый заказал большую серию из 4 крупных полотен по истории Рима, а второй — серию из 35 аллегорических панно для отеля на улице Нев дю Люксембург (Neuve du Luxembourg). Впоследствии Де Труа был назначен директором Французской академии в Риме в 1738 году и работал там вплоть до своей смерти. Ранние работы Де Труа принадлежали почти исключительно историческому жанру и классическим произведениям. А вот модные портреты Де Троя, которые изображают досуг аристократического французского общества, оказались более популярными среди парижской богемы и заметно отличали его от коллег.

Знаковые произведения Жана Франсуа де Труа: «Лот с дочерьми» (1721); «Аполлон и Дафна» (1728); «Похищение Прозерпины» (1735); «Сцена в парке» (1750); «Пан и Сиринга» (1720).

Антуан Ватто Жан-Антуан Ватто — художник, олицетворяющий лирически очаровательный и изысканный стиль рококо. Он родился во фламандском городе Валансьен. Отец будущего художника был мастером-плиточником фламандского происхождения. По словам биографов Ватто, детство мальчика было несчастливым, он был слишком чувствителен и восприимчив к быстрой смене настроения. Но при этом был ненасытным читателем романов и заядлым меломаном (кстати, эти интересы и повлияли на излюбленный в будущем стиль рококо). Проявив ранний интерес к живописи, молодой Ватто стал учеником местного художника Жака-Альбера Жерина (Jacques-Albert Gerin). А позже, примерно в 1702 году, Ватто уехал в Париж для дальнейшего обучения. В Париже Ватто выполнял бесчисленное количество зарисовок с натуры, которые должны были стать для него источником вдохновения на всю оставшуюся жизнь. В 1703 году он был нанят в качестве ассистента к художнику Клоду Жило (Claude Gillot), чьи работы представляли заметный контраст на фоне официального искусства под правлением Людовика XIV. Позже Ватто перешел в мастерскую Клода Одрана III, декоратора интерьеров, под влиянием которого он начал создавать рисунки с непревзойденной элегантностью. Художественная карьера Ватто была короткой по сравнению с другими влиятельными мастерами, но ему все же удалось получить признание и оказать влияние на будущее поколение художников рококо.

Знаковые произведения Антуана Ватто: «Урок любви» (1716); «Затруднительное предложение» (1715-1716); «Паломничество на остров Киферу» (1717); «Общество в парке» (1718-1719); «Капризница» (1718).

Николя Ланкре Николя Ланкре — французский художник-жанрист, чьи блестящие изображения придворных развлечений в аркадской обстановке прекрасно отражали общество того времени. Известность получил благодаря своим небольшим картинам, на которых изображены элегантно одетые аристократы во время досуга — стиль живописи, называемый «галантные сцены», в котором Ланкре был самым известным мастером в Париже XVIII века. Ланкре традиционно считают последователем стиля Антуана Ватто. После короткого периода обучения гравюре, Ланкре поступил в ученики к малоизвестному художнику-историку Пьеру Дюлену (Pierre Dulen), а вскоре после этого в 1719 году поступил в Королевскую академию (Académie royale de peinture et de sculpture) как художник «галантных сцен». Как и предыдущий герой нашего повествования, Ланкре тоже обучался в студии Жилло. И это решение ознаменовало его будущую карьеру как жанриста и отказ от стремления стать историческим живописцем. Ланкре удалось получить многочисленные заказы от великих покровителей того времени, включая Людовика XV и Фридриха II. Кстати, работы Ланкре часто украшали резиденции представителей королевского круга.

Знаковые произведения Ланкре: «Времена года» (1738); «Молодые люди в парке» или «Качели» (1730-е годы); «Концерт в парке» (1720-1743 годы); «Весна» (1730); «Портрет танцовщицы Камарго» (1730).

Мебель

В мебели развивается так называемый стиль регентства. Мебель стиля регентства сохраняет черты французского барокко (стиль Людовика XIV) как в композиции, так и в орнаментике изделий, но формы предметов и их декоративное решение становятся значительно легче. Классические орнаментальные мотивы вытесняются легкими растительными арабесками. В орнаменте главенствует симметрия, но размещение букетов, завитков, фигур свободно, что усиливает впечатление легкости.

Стиль регентства в мебели наиболее полно выразился в работах Шарля Крессана (1686—1768). Большого совершенства мастер достиг в маркетри, используя древесину амаранта, розового и фиалкового дерева. Мебель Крессана обильно покрыта прихотливо извивающимися бронзовыми украшениями, изображающими стебли растений, листья, цветы, которые обвивают ручки комодов, их ножки и профили. Крессан сам исполнял модели своих бронзовых украшений. Особенно славились выполненные им угловые украшения, изображающие в изящном повороте женские головки с высоко зачесанными волосами и словно цветок вырастающие из стебля.

Во второй четверти XVIII в. сформировался в основных чертах стиль рококо. Появление и развитие стиля рококо связано с именем Ж. О. Мейссонье — ювелира, скульптора и архитектора, автора многочисленных проектов интерьеров и изделий декоративно-прикладного искусства. Во Франции стиль носит название рокайль (rocaille франц.) — отделка кусками камня и раковинами, развитие которого совпало с правлением Людовика XV (1723—1774), и по принятой в прошлом традиции этот стиль в литературе часто называют стилем Людовика XV.

Период правления Людовика XV связан с быстрым экономическим развитием и ростом богатства Франции. Придворные и аристократические круги — обладатели значительных богатств — стремятся к роскошной жизни, комфорту. Это обстоятельство отражается на характере архитектуры и искусства.

Парадные дворцовые ансамбли сменяются сооружениями более интимного, камерного, характера с уютными изящными интерьерами, появляются будуары, кабинеты. Меняется характер структурной организации помещений, В интерьерах более значительную роль начинает играть мебель, котовую размещают группами с целью создания большего комфорта. Центр интерьера — невысокий камин, покрытый мраморной плитой и отделанный тонким рельефом. Каминную доску украшают часами, канделябрами, разнообразными украшениями. Над камином размещают большое зеркало, оправленное в роскошную раму. Вообще значение зеркал в убранстве интерьера, особенно р салонах и будуарах, чрезвычайно возрастает. Зеркала, развешиваемые на стенах и расставленные на разнообразных столиках, усложняли пространство интерьера и как нельзя лучше соответствовали царящему в придворных кругах стремлению к театрализации жизни, превращению ее в своеобразную игру. В интерьерах стиля рококо отсутствуют монументальность и неподвижность, все подчинено стремлению создать впечатление движения. Предпочтительные колористические решения также призваны создавать впечатление легкости, праздничности. Наиболее распространенные цветозые решения — белое с голубым, светло-зеленым или розовым (пастельные тона). Обязательная принадлежность интерьеров стиля рококо — позолота.

Представление об интерьере как целостном ансамбле зарождается именно в эпоху рококо. Архитекторы в своих проектах стремятся достигнуть полного стилевого единства всех составляющих комнатного убранства: декора стен и потолков, форм мебели, расцветок драпировок и обивочных тканей и т. д.

В декоративном убранстве интерьеров применяют самые дорогие экзотические породы дерева, мрамор, шелк, гобелен, бронзу, золото. Стиль рококо был в первую очередь стилем придворно-аристократического искусства. В середине XVIII в. увлечение китайским искусством, особенно коллекционирование фарфора и лаков, достигает наибольшего развития. Из Китая пришли и бумажные обои для оклейки стен жилых помещений.

Черты стиля рококо в мебели складывались постепенно: облегчались формы и декор мебельных изделий. Особенно изменилась мебель для сидения: пропали проножки, ножки более изогнутые, спинки низкие и откидываются назад, сиденья шире и мягче. Корпусная мебель теряет архитектурное построение, в декоре все реже встречается лист аканта, в орнамент часто вводят живо трактованные ветви растений и цветы. В расположении отдельных фигур, букетов, завитков больше свободы.

В результате стремления к комфорту появились новые виды мебельных изделий: шезлонг, бержер (глубокое кресло), диван в форме соединенных двух-трех кресел, секретер на высоких стройных ножках с наклонно расположенной откидной доской и множеством потайных отделений, картоньерка (шкафчик для бумаг), угловой шкафчик, женский письменный столик, туалет с откидным зеркалом, круглые и квадратные тумбочки, разнообразные рабочие столики.

Стулья, диваны и кресла обивают бархатом или шпалерами. Орнамент обивки менее торжественный. Известна серия шпалер «Басни Лафонтена», исполненная по рисункам художников Франсуа Буше (1703—1770) и Жана Батиста Удри (16S6—1755) для Версаля, а затем неоднократно повторенная. Для обивки мебели изготовляют ковры с мягкой ворсистой поверхностью и цветочным узором.

Для маркетри в мебели стиля рококо применяют дорогие породы древесины: красное и розовое дерево, палисандр, амарант, пальму, лимон, яблоню, грушу, клен, орех. Французские мебельщики редко прибегали к искусственной окраске и выжиганию дерева, предпочитая древесину с богатым природным рисунком. Резьбу по дереву в мебели рококо заменили бронзовые накладки.

Интерес к искусству Востока, в частности Китая, проявился не только в решении интерьера в целом, но и отдельных мебельных изделий. Французские мастера используют китайские изделия в своих произведениях: например, китайские фарфоровые вазы они оправляют бронзой, а китайские лаковые доски вделывают в новую мебель. В европейском искусстве усиливается подражание китайским образцам. С 60-х годов XVII в. стремятся разгадать секрет китайских лаков. Создается целая отрасль художественного производства, а в 1713 г. при мануфактуре Гобеленов открывается лаковая мастерская. Особенно высокими художественными качествами отличались лаки братьев Мартен, которые освоили изготовление китайских лаков.

Посуда

Французский фарфор оказал огромное влияние на развитие производства художественных фарфоровых изделий во всей Европе. Начиная с XVIII века, Франция долго оставалась законодательницей мод в этой области, и именно из нее фарфор попал в Великобританию.

Производство французского фарфора в XVIII веке сопровождалось контролем и поддержкой королевской семьи. В это время мастера отходят от подражания восточным образцам и формируется оригинальный французский стиль. С именами Людовика XV и Мадам де Помпадур связана история Севрской мануфактуры. Она начала работу в 1740 году в Венсене, а в 1756-м переехала в новое фабричное здание в Севре. Людовик XV привлекал к работе лучших художников и скульпторов Европы. Маркиза де Помпадур помогала разрабатывать новые цвета. Самый нежный оттенок был назван в ее честь: «розовый Помпадур». Вместе с «желтым нарциссом», «королевским синим» и «яблочно-зеленым», он составил фирменную цветовую гамму севрской марки.

Важный этап развития французского фарфора связан с городом Лимож. К 1769 году здесь было открыто месторождение каолина и полевого шпата. Эти минералы необходимы для создания твердого фарфора, подобного китайскому. Секретная формула к тому времени была раскрыта благодаря живущему в Китае миссионеру Франсуа Ксавье д’Антреколю. В 1771 году рядом с Лиможем была основана первая фарфоровая фабрика, а затем появились другие. В 1807 году их было 5, в 1827 — 16, а к середине XIX века — более 30. В отличие от Севрской мануфактуры, эти фабрики изначально были частными.

Даже после открытия во Франции твердого фарфора, производство мягкого сохранялось. Фриттовые массы обходятся дешевле и дают больше возможностей для художественного оформления изделий.

Основные французские мануфактуры, фарфор которых наиболее высоко ценится у коллекционеров: Manufacture nationale de Sevres («Севрская фарфоровая мануфактура»). Создавала высокохудожественные изделия, в том числе для королевских семей Европы и луврской коллекции. Limoges («Лимож»). Собирательное название, объединяющее производителей по территориальному признаку. Самые известные из них — Bernardaud («Бернардо») и Haviland («Хевиленд»). Edme Samson & C («Мануфактура Эдме Самсона»). Открылась в 1845 году близ Парижа и создавала высококачественные копии лучших образцов европейского и восточного фарфора. Сейчас эти копии ценятся не меньше оригиналов.

Ткани

ШЕЛК

Шелк как ипортировали из Индии и Китая, так и производили в Европе.

До Французской Революции в городе Лион было более 14500 ткацких станков и 28000 рабочих, которые их обслуживали. Лионский шелк ткали несколько ткацких мануфактур, такие как Grand fréres, Pernon, Bissardon, Maison Chartron и множество других. Одна из эих мануфактур, основанная в 1752 г, существует и по сей день - это Perelle. На их странице в инетернете можно посмотреть на замечательные ткани, производящиеся по образцам 18 века (коллекция "Authentics"). Самые известные образцы их производства можно видеть на панелях в летней комнате Марии Антуанетты и в спальне Марии-Луизы в Версале. Шелк, производившийся в этот период, мог быть как однотонным (такие шелка часто вышивались), с тканым (жаккардовым) или набивным рисунком.

В1759 году в Лионе было 55 дизайнеров шелковых тканей, в 1790 г их было уже 80. Многие работали анонимно, и их имена сейчас забыты. Другие не только создавали дизайн тканей, но и писали картины, благодаря чему их имена вошли в историю тектсиля. Одним из таких мультиталантов был Жан Ревель (1684-1751). Художник, предприниматель, дизайнер, он также работал над усовершенствованием ткацкого станка.

Другой лионский мультиталант - Жан Франсуа Бони (1754-1825) - художник натюрмортов, учитель живописи в лионской Академии изящных искусств, дизайнер по шелку и предприниматель. Он родил В 1789-97 году индустрия производства шелка была практически полностью загублена Французской Революцией. Тысячи жителей Лиона были либо отправлены на гильотину, либо расстреляны, город утратил множество квалифицированных работников и дизайнеров. Спасая свои жизни, многие бежали в Англию, Германию, Италию, Россию, Испанию или Швейцарию. Много образцов тканей и рисунков было уничтожено или вывезено за границу. К 1797 г. количество работников в шелковой индустрии сократилось на 90%. Такому драматическому упадку способствовали не только репрессалии революционеров, но и общее сокращение спроса на шелк и повышение спроса на более дешевый и демократичный (как правило, английский) хлопок и муслин. Разгуливать по французским улицам в шелках стало просто напросто небезопасно, что, в свою очередь, повлияло на моду. ся недалеко от Лиона, его отец был пекарь. Жан Франсуа учился в Академии искусств, где был известен отсутствием дисциплины. Создавал текстильные дизайны для нескольких мануфактур, в том числе Bissardon и Pernon. В 1825 г, потеряв все состояние после неудачных инвестиций, он покончил жизнь самоубийством.

ХЛОПОК

В конце века стал невероятно популярен муслин - легкий и полупрозрачный, и очень дешевый по сравнению с шелком. Название происходит от французского mousselline, - ткань попала в Европу из иракского города Мосула. Лучший муслин производился в Англии и Индии.

Одни из первых хлопчатобумажных тканей с набивным рисунком, завезенные в Европу, стали известны под названием "калико", по названию порта в юго-западной Индии, - Каликут (Калькутта), - из которого они отправлялись в Европу, или "indienne". Несмотря на огромные расстояния, которые по морю и по суше приходилось преодолевать, эти ткани были дешевле льна, их возможно было стирать, они были тоньше и легче, и завоевывали все большую и большую популярность, что всерьез тревожило европейских производителей льняных тканей.

ШИНЦ

Шинц - это шелковая, хлопковая или льняная ткань с нанесенным на нее рисунком. Название "шинц" произошло от хинди "шинт", что означает "пестрый, разноцветный". Шелковый шинц сначала только импортировался из Китая, позднее его стали копировать и в Европе. Также были популярны вышивки "шине" (в китайском стиле). Характерным для шинца были более стилизованные мотивы флоры и фауны и абстрактные мотивы.

МУЖСКОЙ КОСТЮМ

Французский мужской костюм по-прежнему состоит из белья, жилета, жюстокора и кюлотов. Но силуэт, покрой, отделка, цветовая гамма меняются на протяжении всего периода. В начале века силуэт жюстокора — прилегающий с расширением книзу, которое поддерживалось каркасом или жесткой прокладкой; длина жюстокора — до коленей. Жилет обильно украшают вышивкой; цвета — темно-красный, светло-коричневый, золотистый, желтый различных оттенков. Белый муслиновый галстук заменяют черной узкой лентой из тафты.

Во второй половине века возникает новое изысканное решение костюма: появляется фрак, прилегающий по бедрам, со скошенными полами, узким рукавом и небольшим стояче-отложным воротником, впоследствии замененным высокой стойкой. Под фрак надевают жилет — укороченный, прилегающей формы, с высокой застежкой. Штаны — узкие кюлоты, обувь — плоские туфли с пряжкой и низким каблуком.

Цветовая гамма этого периода включает нежные оттенки коричневого, желтого, зеленого. Обычно все три основные части мужского костюма (фрак, жилет и кюлоты) выполняли одного цвета или жилет и кюлоты — однотонные, фрак — в тональной гармонии; иногдафрак и кюлоты делали из одной ткани, а жилет — белый с богатой вышивкой цветным шелком. В конце века жилет и фрак стали выполнять из полосатой ткани, кюлоты из гладкокрашеной.

Верхней мужской одеждой, полностью вытеснившей плащи, становится редингот прилегающего силуэта, с высоким воротником, с однобортной или двубортной застежкой, длиной до середины икр или до щиколоток. Основным видом отделки мужского костюма были кружева и пуговицы. Кружева, разнообразные по плотности и рисунку, применялись для пышных жабо и белых галстуков, завязывавшихся большим бантом высоко под подбородком. Драгоценные скульптурные, чеканные, эмалевые пуговицы украшали фрак и кюлоты. Украшением костюма служили также брелоки, прикрепляемые на плетеных шнурках или цепочках к поясу кюлот. Головные уборы — небольшие шляпы с полями, узкими спереди и загнутыми с боков. Парики завивали в боковой части, сзади их укладывали косичкой с бантом.

Влияние стиля рококо сказалось в мужском костюме в подчеркнуто узких объемах изделия и рукавов, в изогнутых линиях силуэта, мягком изысканном колорите и дорогих вычурных украшениях.

⇐ Предыдущая 1 234 5 6 Следующая ⇒