Упражнение: Выполняется композиция авторских буквиц (инициалов) по теме «Азбука искусства». Текстовый материал распечатывается на двух сторонах листа: общая информация и термин для композиции.. ГРАФИКА, БУКВА, АЛФАВИТ

Упражнение: Выполняется композиция авторских буквиц (инициалов) по теме «Азбука искусства». Текстовый материал распечатывается на двух сторонах листа: общая информация и термин для композиции.

ГРАФИКА, БУКВА, АЛФАВИТ

ГРАФИКА - это раздел языкознания, который устанавливает состав начертаний, употребляемых при письме, изучает соотношение между буквами и звуками. Основными терминами графики являются: Буква - это графический знак, используемый для обозначения на письме звука речи. Буквы бывают большие (или прописные) и маленькие (или строчные). Строчные буквы пишутся в начале предложений и в начале имён собственных. Алфавит -это совокупность всех букв, расположенных в определенном общепринятом порядке. В русском алфавите 33 буквы: А Б В Г Д Е Ё Ж З И Й К Л М Н О П Р С Т У Ф Х Ц Ч Ш Щ Ъ Ы Ь Э Ю Я

Азбука - 1. Алфавит, совокупность букв для данного языка. 2. Совокупность знаков, служащих для передачи какого-н. текста. Азбука телеграфная. Азбука Морзе. Нотная азбука (система музыкальных значков). 2. Книга для начального обучения грамоте, букварь.

Буквица - крупная, часто выделенная цветом, орнаментированная или иным образом украшенная начальная буква раздела рукописной или печатной книги (в палеографии по преимуществу применительно лишь к текстам на кириллице или глаголице; в прочих же случаях обычно используется название инициал.

Из истории…

• Письменность на Руси возникла с принятием христианства, то есть в X веке;

• Славянская письменность имела две азбуки: глаголицу и кириллицу. Название глаголица происходит от славянского слова глаголати - говорить. Вторая азбука была названа кириллицей по имени одного из двух братьев - славянских просветителей, живших в IX веке на территории нынешней Болгарии, составителей первого славянского алфавита.

• Кириллица постепенно изменялась: уменьшалось количество букв, упрощалось их начертание. Из алфавита были устранены юсы (большой и малый), кси, пси, фита, ижица, зело, ять. Но ввели в алфавит буквы э, й, я. Постепенно создавалась русская азбука (от начальных букв древнеславянского алфавита - аз, буки ) или алфавит (названия двух греческих букв - альфа, вита ). В настоящее время в нашем алфавите насчитывается 33 буквы (из них 10 служат для обозначения гласных звуков, 21 - согласных и 2 знака - ъ и ь ).

В кирилловском письме большие буквы употреблялись только в начале абзаца. Большая прописная буква затейливо разрисовывалась, поэтому первая строка абзаца называлась красной (то есть красивой строкой). Древнерусские рукописные книги - это произведения искусства, так красиво, мастерски они оформлены: яркие разноцветные буквицы (заглавные буквы в начале абзаца), коричневые столбцы текста на розовато-желтом пергаменте... В мельчайший порошок растирались изумруды и рубины, а из них приготовлялись краски, которые и до сих пор не смываются и не тускнеют. Буквица не только украшалась, само ее начертание передавало определенный смысл. В буквицах можно увидеть изгиб крыла, поступь зверя, сплетение корней, извивы реки, контуры двух двойников - солнца и сердца. Каждая буквица индивидуальна, неповторима...

1. Архитектура - искусство и наука строить, проектировать здания и сооружения (включая их комплексы), а также сама совокупность зданий и сооружений, создающих пространственную среду для жизни и деятельности человека. Архитектура создаёт материально организованную среду, необходимую людям для их жизни и деятельности, в соответствии с их устремлениями, а также современными техническими возможностями, эстетическими и художественными воззрениями. В архитектуре взаимосвязаны функциональные (назначение, польза), технические (прочность, долговечность), эстетические (красота) свойства объектов и их художественно-образный смысл. Архитектурные работы часто воспринимаются как произведения искусства, как культурные или политические символы.

2. Буквица или инициа́ л, — крупная, отличная от прочих, первая буква главы, раздела или целой книги. В рукописных книгах буквицы часто украшались миниатюрами и орнаментами.

Первая прописная буква текста, главы и т. п. (обычно увеличенного размера), служащая элементом оформления издания.

Художественно выполненная заглавная буква в старинной рукописной или печатной книге.

Буква, указывающая, что все последующие слова в словаре будут начинаться с неё.

3. Выставка – временный (в отличие от музейной экспозиции) публичный показ художественных произведений, исторических, культурных ценностей. Понятие может обозначать как само мероприятие, так и место проведения этого мероприятия.

Синонимы:

бьеннале, вернисаж, паноптикум, передвижка, салон, экспозиция

4. Гравюра – вид графики, включающий произведения (гравюры), исполненные посредством печатания с доски, обработанной различными способами гравирования. Изображение в искусстве гравюры получается в результате оттиска на бумагу (в зеркальном виде) с печатной формы — «доски» из металла (меди, стали, железа, цинка), дерева (ксилогра́ фия) или линолеума (линогравю́ ра) и даже из картона (гравюра на картоне) или стекла (фторофорт) с нанесённым на такую форму (в полиграфии — матрицу) углублённым (награвированным) рисунком. Одной из главных особенностей гравюры как разновидности станкó вого искусства является то, что оригинальным произведением является не награвированная художником печатная форма («доска»), а оттиск на бумагу, несмотря на тиражирование, составляющее вторую особенность искусства гравюры.

6. Декор – совокупность украшающих сооружение или предмет орнаментальных изобразительных элементов. Декор может быть живописным, скульптурным, архитектурным, различным по материалу и технике выполнения. Различают также «активный» декор, соответствующий конструкции постройки или изделия, связанный с его функцией и формой, и «пассивный» декор, не соответствующий членениям формы и привлечённый лишь для поверхностного украшения, например орнамент.

7. Живопись - («живописать» — изображать живо, жизнеподобно) – вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. Основные разновидности живописи – станковая и монументальная.

Цвет является наиболее специфическим для живописи выразительным средством. Его экспрессия, способность вызывать различные чувственные ассоциации усиливает эмоциональность изображения, обусловливает изобразительные, выразительные и декоративные возможности живописи. В произведениях живописи цвет образует целостную систему (колорит). Обычно применяется ряд взаимосвязанных цветов и их оттенков (гамма красочная), хотя существует также живопись оттенками одного цвета (монохромная). Цветовая композиция обеспечивает определенное колористическое единство произведения, влияет на ход его восприятия зрителем, являясь существенной частью его художественной структуры. Другое выразительное средство живописи - рисунок (линия и светотень) вместе с цветом ритмически и композиционно организует изображение; линия отграничивает друг от друга объёмы, часто является конструктивной основой живописной формы, позволяет обобщённо или детально воспроизводить очертания предметов и их мельчайшие элементы. Светотень позволяет не только создать иллюзию объёмности изображений, передать степень освещения или затемнённости предметов, но и создаёт впечатление движения воздуха, света и тени. Важную роль в живописи играет также красочное пятно или мазок художника, являющийся его основным техническим приёмом и позволяющий передать множество аспектов. Мазок способствует пластической, объёмной лепке формы, передаче её материального характера и фактуры, в сочетании с цветом воссоздаёт колористическое богатство реального мира. Характер мазка (гладкий, слитный или пастозный, раздельный, нервозный и т. п. ) способствует также созданию эмоциональной атмосферы произведения, передаче непосредственного чувства и настроения художника, его отношения к изображённому.

Условно различаются два типа живописного изображения: линейно-плоскостное и объёмно-пространственное, но между ними нет чётких границ. Для линейно-плоскостной живописи характерны плоские пятна локального цвета, очерченные выразительными контурами, чёткие и ритмичные линии; в древней и отчасти в современной живописи встречаются условные способы пространственного построения и воспроизведения предметов, которые раскрывают зрителю смысловую логику изображения, размещение предметов в пространстве, но почти не нарушают двухмерность живописной плоскости. Возникшее в античном искусстве стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек, вызвало появление в живописи объёмно-пространственных изображений. В живописи такого типа могут воспроизводиться цветом пространственные соотношения, создаваться иллюзия глубокого трёхмерного пространства, зрительно уничтожаться живописная плоскость с помощью тональных градаций, воздушной и линейной перспективы, путём распределения тёплых и холодных цветов; объёмные формы моделируются цветом и светотенью. В объёмно-пространственном и линейно-плоскостном изображении используются выразительность линии и цвета, причём эффект объёмности, даже скульптурности, достигается градацией светлых и тёмных тонов, распределённых в чётко ограниченном цветовом пятне; при этом колорит часто бывает пёстрым, фигуры и предметы не сливаются с окружающим пространством в единое целое. Тональная живопись (см. Тон) с помощью сложной и динамической разработки цвета показывает тончайшие изменения как цвета, так и его тона в зависимости от освещения (см. Валер), а также от взаимодействия рядом лежащих цветов (см. Рефлекс); общий тон объединяет предметы с окружающей их световоздушной средой и пространством. В живописи Китая, Японии, Кореи сложился особый тип пространственного изображения, в котором возникает ощущение бесконечного, увиденного сверху пространства, с уходящими вдаль и не сходящимися в глубине параллельными линиями; фигуры и предметы почти лишены объёма; их положение в пространстве показывается главным образом соотношением тонов.

8. Заставка – в книжной графике небольшая композиция орнаментального или изобразительного характера в ширину наборной полосы (иногда уже), открывающая раздел книжного или журнального текста. Заставка обычно бывает содержательнее концовки, но все же не становится иллюстрацией.

1. Орнамент или рисунок, обычно в ширину страницы, перед началом текста главы, раздела, книги и т. п. Стилизованная з. Одинаковые, индивидуальные заставки к главам.

2. Повторяющееся изображение и музыкальное сопровождение в начале телепередач; любое заполнение паузы в радио- и телепередачах. Изобразительная з. Музыкальная з. З. с элементами рекламы, в виде рекламы.

Синонимы: виньетка, джингл, изображение, лейбл, лэйбл, рамка, рисунок, таблица, ширма, эмблема

9. Картина - (холст, полотно) законченное станковое произведения живописи, имеющее самостоятельное значение и предназначенное для сосредоточенного восприятия, более или менее изолирующегося от окружения.

Карти́ на произведение станковой живописи, выполненное при помощи станка (мольберта). В отличие от произведений монументальной живописи (фресок, мозаик), неразрывно связанных со стеной здания, для которого они создавались, и включённых в ансамбль его скульптурного и декоративного убранства, картина представляет собой самоценное творение и может существовать в любом интерьере. Картины появились в эпоху Возрождения, постепенно выделившись из храмовых алтарных композиций.

Основой для картины (поверхностью, на которую наносятся краски) может служить дерево, холст, картон, в редких случаях – металл или камень. Ренессансные картины писали на деревянных досках; на рубеже 15–16 вв. начали также использовать холст (В. Карпаччо, А. Мантенья, А. Дюрер, Тициан и др. ), который перед началом работы натягивали на деревянный подрамник. Со второй пол. 16 в. небольшие картины создавали иногда на медных досках (Ян Брейгель Бархатный). С 19 в. пользовались также картоном. На любую основу наносился грунт, выравнивающий поверхность, позволяющий прочнее связать её с красочным слоем и участвующий своим тоном в колорите картины. Чаще всего применяли белый грунт из гипса или мела, смешанного с клеем, позднее – белую масляную краску. С кон. 16 в. наряду с белыми широко применяли цветные грунты – красно-коричневые, серые и др. (Тициан, П. П. Рубенс). Картины пишут в основном темперой или (с кон. 15 в. ) масляными красками.

Главное, что выделяет картину из окружающего пространства и превращает её в цельное, самостоятельное произведение – это рама. Рама концентрирует, собирает впечатление зрителя, уподобляя картину «окну в мир». Рама, в отличие от изображения на плоской поверхности доски или холста, обладает реальным трёхмерным объёмом; кроме того, она скошена внутрь, уводя взгляд в глубину и подготавливая зрителя к восприятию иллюзорной глубины пространства картины, созданного средствами живописи. Рама возникла из архитектурного обрамления алтарных образов в пространстве храма. Привычная для современного зрителя рама из деревянных реек и профилей появилась в сер. 15 в. Во все времена особенно любили золочёные рамы, украшенные рельефными узорами. Голландские мастера 17 в. предпочитали простые чёрные или коричневые рамы, сочетавшиеся с маленькими аккуратными интерьерами бюргерских домов. Импрессионисты ввели в обиход белые рамы, усиливавшие радостное звучание их полотен.

Важное значение имеет формат картины – форма плоской поверхности, на которую наносят краски. Наиболее распространён прямоугольный формат. Вытянутая по горизонтали поверхность предрасполагает к неторопливому, подробному повествованию (П. Веронезе, В. Карпаччо, Б. Гоццоли), позволяет создать панорамные пейзажи (А. А. Иванов). Формат квадратный, или такой, где высота чуть превышает ширину, придаёт изображению характер торжественного предстояния – его чаще всего применяют для алтарных образов и портретов. Картины, вытянутые в высоту, создают ощущение устремлённости ввысь (Эль Греко) или, наоборот, низвержения вниз (боковые створки алтарей, изображавшие падение грешников в геенну огненную; «Переход Суворова через Альпы» В. И. Сурикова, 1899).

10. Линогравюра – гравюра на линолеуме либо на сходном с ним полимерно-пластическом материале.

выпуклая гравюра на линолеуме или на сходных с ним полимерно-пластических материалах, по технике близкая к ксилографии. Возникла в начале XX в. Специфические качества линогравюры (лаконизм художественного языка, резкие контрасты чёрного и белого, сочный и живописный штрих, получаемый благодаря мягкости материала, возможность быстро работать, использовать большой размер листа и цветную печать, высокая тиражность) очень скоро привлекли к себе многих мастеров печатной графики. Вначале в линогравюре под влиянием ксилографии сложился декоративно-обобщенный стиль, в котором основную выразительную роль играли силуэт и гладкое красочное пятно; в дальнейшем развивается и совершенствуется своеобразный художественный язык линогравюры (произведения А. Матисса и П. Пикассо во Франции, Э. Паккарда и Б. Рэндолла в США, П. Нильсена в Дании и др. ).

Благодаря сравнительной простоте исполнения и большой тиражности линогравюра получила широкое распространение в тех странах, где развивалось искусство, обращённое к широким массам, - особенно в Латинской Америке (творчество гравёров " Мастерской народной графики" в Мексике: Л. Мендеса, А. Бельтрана, А. Гарсии Бустоса; " Клуба друзей гравюры" в Бразилии: К. Склиара, Р. Кац, В. Праду и др.; А. Р. Виго и Н. Онофрио в Аргентине, К. Эрмосильи Альвареса в Чили). В России в технике линогравюры работали В. Д. Замирайло, И. Н. Павлов, Д. И. Митрохин, О. В. Розанова. Крупными советскими мастерами линогравюры были В. Д. Фалилеев, К. Е. Костенко, П. Н. Староносов, И. А. Соколов, В. А. Фаворский. Расцвет советской линогравюры приходится на конец 50-х - 60-е гг. Обобщенные образы советской действительности, широко используя декоративность линогравюры, богатство её фактуры, создали Г. Ф. Захаров и И. В. Голицын в РСФСР, Г. В. Якутович на Украине, Г. Г. Павловский в Белоруссии, Л. А. Ильина в Казахстане, С. Красаускас, А. Макунайте в Литве.

11. Мозаика - техника создания изображений и декорирования какой-либо поверхности прикреплением к общей основе кусочков материалов, различающихся по цвету, фактуре, текстуре.

(франц. mosaпque, итал. mosaico, от лат. musivum, буквально - посвящённое музам), изображение или узор, выполненные из однородных или различных по материалу частиц (камень, смальта, керамические плитки и пр. ), один из основных видов монументального искусства. Мозаика употребляется также для украшения произведений декоративно- прикладного искусства, реже для создания станковых произведений. Особым видом мозаики является инкрустация. Мозаики набираются из кусочков простой геометрической или более сложной, вырезанной по шаблонам формы, которые закрепляются в слое грунта (извести, цемента, мастики или воска). Существуют 2 способа набора мозаики: " прямой", при котором частицы вдавливают в грунт, нанесённый на декорируемую поверхность, и " обратный", когда частицы наклеивают лицевой стороной на картон или ткань с нанесённым на них рисунком (затем тыльная сторона набора заливается закрепляющим составом, а временная основа отделяется).

Древнейшие сохранившиеся мозаики - орнаменты из разноцветных глиняных кружков (храмы в Двуречье, 3-е тысячелетие до н. э. ), сюжетные изображения из раковин и лазурита (так называемый " Штандарт" из Ура, около 2600 до н. э., Британский музей, Лондон). Античная мозаика развивалась от несложных, выложенных галькой узоров и изображений к изысканным многоцветным или чёрно-белым композициям, выполненным способом прямого набора из кусочков камня и после набора отшлифованным (" Дионис на пантере", IV в. до н. э., Музей, Пелла). В византийском искусстве исключительные по силе воздействия мозаики (в церкви Сан-Витале в Равенне, около 547; в церкви Успения в Дафни, вторая половина XI в. ) заняли господствующее положение в системе живописного убранства храмов. Наборы из смальт и камней (часто полудрагоценных) не шлифовались, что позволяло добиваться особой глубины и звучности цвета; мерцающая поверхность этих мозаик, их золотые фоны обогащали и зрительно расширяли реальное пространство интерьеров византийских храмов (например, мозаики Софии храма в Константинополе). Высокого расцвета достигло искусство мозаики и в странах, воспринявших и развивавших византийские традиции: в Италии, Грузии (Мозаики Гелатского монастыря, XII в. ), Древней Руси (Мозаики XI-XII вв. в Софийском соборе и Михайловском Златоверхом монастыре в Киеве). В романском искусстве Западной Европы преимущественное распространение получили орнаментальные мозаики С XIII в. мозаики в Европе постепенно вытесняются стенными росписями. В XVI в. в Италии возникает так называемая флорентийская мозаика из шлифованных, вырезанных по шаблону цветных камней, предназначенная для отделки интерьеров и мебели. Распространившиеся с XVII в. чисто смальтовые шлифованные мозаики имитировали масляную живопись. В странах ислама (а также в средневековых Испании и Португалии) с XIII-XIV вв. развивалась орнаментальная, строго подчинённая архитектурным членениям майоликовая мозаика (среди лучших образцов - полихромная, с преобладанием голубых и синих тонов, с изящными растительным и эпиграфическим орнаментами облицовка зданий в Самарканде и Бухаре). В России технику смальтовой мозаики возродил в XVIII в. М. В. Ломоносов, под руководством которого были созданы в этой технике станковые портреты и батальные композиции. В 1864 при петербургской АХ было основано мозаичное отделение, основной задачей которого стало изготовление мозаик для Исаакиевского собора. Мастера " модерна" и национально- романтических течений (испанец А. Гауди, австриец Г. Климт, М. А. Врубель в России и др. ) часто обращались к технике майоликовой мозаики. В современной мозаике преобладают композиции, построенные на сочетании броских локальных цветовых пятен (Р. Гуттузо, Ф. Леже, Д. Ривера, Д. Сикейрос, Х. Эрни). Подъём современной мозаики, наметившийся в 30-х гг., был обусловлен возросшим интересом к проблемам синтеза искусств. Среди произведений художников старшего поколения наибольшую известность получили смальтовые мозаики А. А. Дейнеки, П. Д. Корина, флорентийские - Г. И. Опрышко; в 60-80-х гг. яркие образцы мозаики создавали Н. И. Андронов, А. В. Васнецов, В. В. Мельниченко, Д. М. Мерперт, Б. П. Милюков, А. Ф. Рыбачук, Б. А. Тальберг, З. К. Церетели, В. Б. Эльконин и др.

12. Натюрморт – жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в группы.

Натюрморт

(франц. nature morte, итал. natura morta, буквально - мёртвая природа; голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still life, буквально - тихая или неподвижная жизнь), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Специальная организация мотива (так называемая постановка) - один из основных компонентов образной системы жанра натюрморт. Кроме неодушевленных предметов (например, предметов домашнего обихода), в натюрморте изображают объекты живой природы, изолированные от естественных связей и тем самым обращённые в вещь, - рыбу на столе, цветы в букете и т. п. Дополняя основной мотив, в натюрморт может входить изображение людей, животных, птиц, насекомых. Изображение вещей в натюрморт имеет самостоятельное художественное значение, хотя в процессе развития он нередко служил выражению символического содержания, решению декоративных задач или естествоиспытательски точной фиксации предметного мира и т. п. Вместе с тем натюрморт, может характеризовать не только вещи сами по себе, но и социальное положение, содержание и образ жизни их владельца, порождать многочисленные ассоциации и социальные аналогии. Натюрмортные мотивы как детали композиций встречаются уже в искусстве Древнего Востока и античности, с натюрмортом отчасти сопоставимы некоторые явления в средневековом искусстве Дальнего Востока (например, так называемый жанр " цветыптицы" ), но рождение натюрморта как самостоятельного жанра происходит в новое время, когда в творчестве итальянских и особенно нидерландских мастеров Возрождения развивается внимание к материальному миру, к его конкретночувственному изображению. Историю натюрморта как жанра станковой живописи, и в частности его типа " trompe l'oeil" (так называемая обманка), открывает иллюзионистически точно воссоздающий предметы " Натюрморт" итальянца Якопо де Барбари (1504). Распространение жанра натюрморт приходится на вторую половину XVI - начало XVII вв., чему способствовали характерные для этой эпохи естественнонаучные склонности, интерес искусства к быту и частной жизни человека, а также само развитие методов художественного освоения мира (работы нидерландца П. Артсена, фламандца Я. Брейгеля Бархатного и др. Эпоха расцвета натюрморта - XVII в. Многообразие его типов и форм в это время связано с развитием национальных реалистических школ живописи. В Италии и Испании подъёму натюрморта во многом способствовало творчество Караваджо и его последователей (см. Караваджизм). Излюбленными темами натюрморта были цветы, овощи и фрукты, дары моря, кухонная утварь и т. п. П. П. Бонци, М. Кампидольо, Дж. Рекко, Дж. Б. Руопполо, Э. Баскенис и др. ). Испанскому натюрморту свойственны возвышенная строгость и особая значительность изображения вещей (X. Санчес Котан, Ф. Сурбаран, А. Переда и др. ). Интерес к бытовому характеру вещей, интимность, нередко демократизм образов ярко проявились в голландском натюрморте. Для него характерны особое внимание к передаче световой среды, разнообразной фактуры материалов, тонкость тональных отношений и цветового строя - от изысканно скромного колорита " монохромных завтраков" В. Хеды и П. Класа до напряжённокнтрастных, колористически эффектных композиций В. Калфа (" десерты" ). Голландский натюрморт отличает обилие различных типов этого жанра: " рыбы" (А. Бейерен), " цветы и фрукты" (Я. Д. де Хем), " битая дичь" (Я. Венике, М. Хондекутер), аллегорический натюрморт " vanitas" (" суета сует" ) и др. Фламандский натюрморт (главным образом " рынки", " лавки", " цветы и фрукты" ) выделяется размахом и одновременно декоративностью композиций: это гимны плодородию и изобилию (Ф. Снейдерс, Я. Фейт), В XVII в. развивается также немецкий (Г. Флегель, К. Паудис) и французский (Л. Божен) натюрморт. С конца XVII в. во французском натюрморте восторжествовали декоративные тенденции придворного искусства На этом фоне подлинной человечностью и демократизмом выделяются произведения одного из самых значительных мастеров французского натюрморта - Ж. Б. С. Шардена, отмеченные строгостью и свободой композиций, тонкостью колористических решений. В середине XVIII в. в период окончательного сложения академической иерархии жанров возник термин " nature morte", который отразил пренебрежительное отношение к этому жанру сторонников академизма, отдававших предпочтение жанрам, областью которых была " живая натура" (исторический жанр, портрет и др. ).

13. Орнамент – узор, построенный на регулярном ритмическом чередовании и организованном расположении абстрактно-геометрических или изобразительных элементов.

Орнамент (от лат. ornamentum - украшение), узор, состоящий из ритмически упорядоченных элементов; предназначается для украшения различных предметов (утварь, орудия и оружие, текстильные изделия, мебель, книги и т. д. ), архитектурных сооружений (как извне, так и в интерьере), произведений пластических искусств (главным образом прикладных), у первобытных народов - также самого человеческого тела (раскраска, татуировка). Связанный с поверхностью, которую он украшает и зрительно организует, орнамент, как правило, выявляет или акцентирует архитектонику предмета, на который он нанесён. Орнамент либо оперирует отвлечёнными формами, либо стилизует реальные мотивы, зачастую схематизируя их до неузнаваемости. Относительно происхождения орнамента нет полной ясности. В нём запечатлено эстетическое осмысление деятельности человека, творчески преобразующей, упорядочивающей природу. Несомненно, что одним из источников орнаментирования предметов были технологические процессы: многие геометрические мотивы на древнейших сосудах могли быть воспроизведением отпечатков плетёнки из прутьев на глине, различные переплетения нитей в текстиле также могли дать начало определенным орнаментальным формам. Существенна также обрядовая, магическая роль древнейшего орнамента, широко использовавшего знаки, символы и стилизованные изображения колдовского или религиозного назначения. В орнаменте, особенно в народном творчестве, где он имеет самое широкое распространение, запечатлелось фольклорно-поэтическое отношение к миру. С течением времени древние орнаментальные мотивы утрачивали свой первоначальный смысл, сохраняя декоративную и архитектоническую выразительность. Важное значение в генезисе и дальнейшем развитии орнамента имели эстетические общественные потребности: ритмическая правильность обобщённых мотивов была одним из ранних способов художественного освоения мира, помогающим осмыслить упорядоченность и стройность действительности. Возникновение орнамента относится к древнейшим эпохам истории; его зачатки зафиксированы уже в период палеолита. В эстетической культуре неолита орнамент достиг уже большого разнообразия форм и занял доминирующее место. В дальнейшем, с развитием в пластических искусствах собственно изобразительных форм, орнамент теряет своё господствующее положение и свою изначальную содержательность, навсегда, однако, сохраняя за собой важную упорядочивающую и украшающую роль в системе пластического творчества. Каждая эпоха, каждый стиль, каждая последовательно выявившаяся национальная культура вырабатывали свою систему орнамента; поэтому он является надёжным признаком принадлежности произведения к данному времени и к данной стране. Особенного развития орнамент достигает там, где преобладают условные формы зрительной интерпретации действительности: в искусстве Древнего Востока и доколумбовой Америки, в азиатских культурах древности и средних веков, в европейском средневековье. В народном творчестве, восходящем в истоках к доклассовым и раннеклассовым эпохам, складываются устойчивые принципы и формы орнамента, во многом определяющие национальные художественные традиции. К числу определяющих формальных особенностей орнамента относятся декоративная стилизация, плоскостность, органическая связь с несущей орнамент поверхностью, которую он всегда организует, нередко выявляя при этом конструктивную логику предмета. Не всякий узор можно считать орнаментом. Так, ткань с бесконечно повторяющимся узором, строго говоря, не является орнаментальной. По характеру композиции, обусловленной формой декорируемого предмета, орнамент может быть ленточным, центрическим, окаймляющим, геральдическим, заполняющим поверхность или же сочетающим некоторые из этих типов в более сложных комбинациях. По мотивам, используемым в орнаменте, его делят на: геометрический, состоящий из абстрактных форм (точки, прямые, ломаные, зигзагообразные, сетчато пересекающиеся линии; круги, ромбы, многогранники, звёзды, кресты, спирали; более сложные, специфически орнаментальные мотивы - меандр и т. п. ); растительный, стилизующий листья, цветы, плоды и пр. (лотос, папирус, пальметта, акант и т. д. ); зооморфный, или животный, стилизующий фигуры или части фигур реальных или фантастических животных.

14. Портрет – жанр изобразительного искусства, посвященный изображению конкретного человека или группы людей.

Портрет

(франц. portrait, от устар. portraire - изображать), изображение (образ) какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в действительности. Портрет - один из главных жанров живописи, скульптуры, графики. Важнейший критерий портретности - сходство изображения с моделью (оригиналом). Оно достигается не только верной передачей внешнего облика портретируемого, но и раскрытием его духовной сущности, диалектического единства индивидуальных и типичных черт, отражающих определенную эпоху, социальную среду, национальность. В то же время отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, эстетическое кредо, находящие воплощение в его творческой манере, способе трактовки портрета, придают портретному образу субъективноавторскую окраску. Исторически складывалась широкая и многоплановая типология портрета: в зависимости от техники исполнения, назначения, особенностей изображения персонажей различают портреты станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (фрески, мозаики, статуи), парадные и интимные, погрудные, в полный рост, анфас, в профиль и т. д….

Во второй половине 19 века в предреволюционную эпоху русский реалистический портрет получил новое качество в остропсихологических произведениях В. А. Серова, в духовно значительных, наполненных глубоким философским смыслом портретах М. А. Врубеля, в жизненно полнокровных портретах-типах и портретах-картинах Н. А. Касаткина, А. Е. Архипова, Б. М. Кустодиева, Ф. А. Малявина, в скрытой драматичности живописных и графических портретов К. А. Сомова, в скульптурных произведениях Конёнкова С. Т., П. П. Трубецкого и др.

В XX в. в жанре портрета проявились сложные и противоречивые тенденции искусства новейшего времени. На почве модернизма возникают произведения, лишённые самой специфики портрета, нарочито деформирующие или вовсе упраздняющие образ человека. В противовес им идут интенсивные, иногда противоречивые поиски новых средств выражения сложной духовной сущности современного человека, отразившиеся в графике К. Кольвиц (Германия), в пластике Ш. Деспьо (Франция), Э. Барлаха (Германия), в живописи П. Пикассо, А. Матисса (Франция), А. Модильяни (Италия). Творчески развивали и развивают традиции реалистического портрета живописцы Р. Гуттузо в Италии, Д. Ривера и Д. Сикейрос в Мексике, Э. Уайет в США, скульпторы В. Аалтонен в Финляндии, Дж. Манцу в Италии и др. Позиции общественно активного реализма занимают портретисты социалистических стран: Ж. Кишфалуди-Штробль в Венгрии, Ф. Кремер в ГДР, К. Дуниковский в Польше, К. Баба в Румынии и др.

15. Рисунок – изобразительно начертание на какой-либо поверхности, сделанное от руки сухим или жидким красящим веществом, с помощью графических средств – контурной линии, штриха, пятна.

Рисунок

какое-либо изображение, выполняемое от руки с помощью графических средств - контурной линии, штриха, пятна. Различными сочетаниями этих средств (комбинации штрихов, сочетание пятна и линии и т. д. ) в рисунке достигаются пластическая моделировка, тональные и светотеневые эффекты рисунка, как правило, выполняется одним цветом либо с более или менее органическим использованием разных цветов.

Сфера применения рисунка чрезвычайно обширна (рисунок научно-вспомогательного, прикладного, технического характера); художественный рисунок составляет одну из важнейших и широко развитых областей изобразительных искусств и лежит в основе всех видов художественного изображения на плоскости (живопись, графика, рельеф). Рисунок в живописи составляет обычно начальную стадию выполнения произведения и играет важнейшую роль в определении очертаний, формы, объёма предметов и расположения их в пространстве. Поэтому термином " рисунок" обозначается также совокупность линейно-пластических элементов живописи, определяющая структуру и пространственное соотношение форм. Рисунок в графике как самостоятельная область художественного творчества является главным её видом. На основе рисунка развиваются и другие виды графики - гравюра и литография. Имеющий исключительное значение как средство познания и изучения художником действительности, рисунок (прежде всего рисование с натуры, учебное рисование) составляет основу художественного образования.

Существуют многочисленные разновидности рисунка, различающиеся по методам рисования, по темам и жанрам, по назначению, по технике и характеру исполнения. Рисунок может быть станковым произведением графики или служить вспомогательным материалом для создания живописных, графических, реже скульптурных произведений. Подсобные рисунки (см. Набросок, Эскиз, Этюд) часто имеют выдающуюся художественную ценность. Особое место занимают рисунки, фиксирующие архитектурный замысел.

16. Силуэт – форма фигуры или предмета, видимая как единая масса (без деталей внутри контура), как плоское пятно на более темном или более светлом фоне.

Силуэт

(франц. silhouette, от имени французского генерального контролёра финансов Э. де Силуэта (Е. de Silhouette; 1709-67), на которого была сделана карикатура в виде силуэта), в изобразительном искусстве вид графической техники, плоскостное однотонное изображение фигур и предметов. Силуэты рисуются (тушью на тёмном фоне или белилами на светлом) либо вырезаются из бумаги. Известны в Древнем Китае, Японии и других странах Азии; в Европе искусство силуэта распространилось с XVIII в. (Ф. О. Рунге, А. фон Менцель, П. Коневка в Германии, Ф. П. Толстой, Е. М. Бем в России). В советское время в технике силуэта работали Е. С. Кругликова, Н. В. Ильин и др.

Литература: Э. Кузнецова, Искусство силуэта, (Л., 1970).

(Источник: «Популярная художественная энциклопедия. » Под ред. Полевого В. М.; М.: Издательство " Советская энциклопедия", 1986. )

силуэ́ т

(от франц. silhouette, от имени генерального контролёра финансов Э. де Силуэта, на которого в нач. 18 в. была сделана карикатура в виде теневого профиля), одна из техник графики. Силуэт представляет собой сплошное, ограниченное контуром, тёмное или светлое пятно на контрастном фоне. Силуэты рисуют чёрной тушью или белилами, иногда вырезают из бумаги и наклеивают на фон. Искусство силуэта было известно ещё в Древнем Китае, Японии и др. восточных странах. В Европе искусство силуэта распространилось с 18 в. (профильные портреты, бытовые сценки, иллюстрации, натюрморты). В России знаменитыми мастерами силуэта были Ф. П. Толстой, Е. М. Бем, Г. И. Нарбут.

17. Текстура - изображение, воспроизводящее визуальные свойства каких-либо поверхностей или объектов. В отличие от рисунка, к текстуре не применяются нормы и требования композиции, поскольку текстура сама по себе художественным произведением не является, хотя и может иногда выступать доминантой в художественном произведении.

18. Фактура – характер поверхности художественного произведения, ее обработки.

Фактура

(от лат. factura - обработка, строение), характер поверхности художественного произведения, её обработки. В живописи - характер красочного слоя: например, " открытая" фактура (широкий мазок, неровный слой краски) или " скрытая" гладкая фактура; в скульптуре и декоративно-прикладном искусстве - полированная, шероховатая и т. д. поверхность статуи, рельефа, сосуда и др. Эффекты фактуры являются одним из признаков, наиболее непосредственно выявляющих личный творческий почерк того или иного мастера. В искусстве XX в. распространены эксперименты по усложнению фактуры (коллаж, введение в красочный слой опилок, песка).

факту́ ра

(от лат. factura – обработка, строение) в изобразительном искусстве, характер поверхности художественного произведения, её обработки. В живописи фактура определяется особенностями наложения красок на холст и зависит как от стиля эпохи, так и от личного темперамента художника. До 19 в. в картинах преобладала «скрытая», гладкая фактура. Живописцы писали жидкими красками, незаметными мазками, с помощью тонких кистей. Лишь некоторые из старых мастеров (Тициан, Рембрандт, Ф. Халс) прибегали к «открытой» фактуре, накладывая мазки свободно, рельефно, что придавало повышенную эмоциональность, взволнованность их картинам. Импрессионисты и постимпрессионисты (В. Ван Гог) использовали «открытую» фактуру как важное выразительное средство.

Фактура в скульптуре определяется как особенностями материала (гладкая поверхность бронзы, слоистая структура слоновой кости, шероховатая поверхность известняка и т. д. ), так и характером обработки поверхности статуи, рельефа и т. д. с помощью специальных инструментов. С помощью различных приёмов обработки поверхности материала (полировки, сверления, резьбы, чеканки и др. ) мастер не только «оживляет» камень, но и передаёт собственные эмоции – от созерцательного покоя до взволнованной экспрессии.

(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия. » Под ред. проф. Горкина А. П.; М.: Росмэн; 2007. )

19. Художник - это человек, который создает произведения искусства, имеющие эстетическую ценность для окружающих. Это — творческая личность, реализующая свои идеи, эмоции и видение в оригинальных работах.

Синонимы:

абстракционист, авангардист, акварелист, анималист, аниматор, артист, ас, баталист, богомаз, бытописатель, ваятель, виртуоз, гиперреалист, гравер, график, декоратор, дизайнер, жанрист, живописец, зодчий, зоопласт, изограф, иконописец, иллюстратор, инкрустатор, искусник, карикатурист, картинщик, керамист, колеровщик, коллажист, колорист, копиист, косторез, кубист, литограф, литографщик, маг и волшебник, мазила, мазилка, маляр, маньерист, маринист, мастер, мастер кисти, медальер, миниатюрист, митьки, модернист, мозаичист, монограммист, монументалист, мультипликатор, муралист, натюрмортист, небулист, оформитель, офортист, пачкун, пейджмейкер, пейзажист, передвижник, перфомансист, пикчер, плакатист, плакатчик, пленэрист, поддельщик, подмалевщик, портретист, прерафаэлит, прикладник, пурист, резчик, рисовальщик, силуэтист, сканщик, скиццист, супрематист, сценограф, тюбик, ундулист, фабер-дю-фор, флерист, флорист, художник от слова " худо", хытрец, чеканщик, чинквечентист, шаржист

20. Церковь – христианский, в т, ч. православный храм. Церковь как специальное здание для отправления христианского культа имеет алтарь и помещение для молящихся.

ЦЕРКОВЬ

(от греч. kyriakon – дом Господний)

в христианстве название здания, в котором происходит богослужение, или здания религиозной общины или в целом название всей совокупности всех религиозно-христ. общин в стране или вообще на всей земле. Церковь как религиозная организация, основанная самим Христом, есть мистическое «тело Христово»; см. Corpus mysticum. Решающее значение для ее развития и теоретического обоснования имели деяния апостола Павла. С точки зрения христианства, церковь – общественное чудо, которое соответствует явлению человеку Бога в образе Христа и выступает как бы его продолжением. От единой церкви, находившейся под властью папы, в И в. отделились греч. и др. восточные церкви, которые больше не признавали верховной власти пап. От рим. -католич. церкви (см. также Католицизм) откололась в 16 в. протестантская (см. Протестантизм), которая тотчас же снова распалась – на реформатскую и лютеранскую церкви. Внутри них существует много сект.

Философский энциклопедический словарь. 2010.

21. Шатёр –завершение центрических построек (колоколен, башен, храмов, крылец, ворот) в виде четырехгранной или многогранной пирамиды либо конуса.

Шатёр

Шатёр.

Шатер

ШАТЁР (шатровое покрытие), завершение центрических в плане построек (колоколен, башен, храмов) в виде высокой 4-гранной или многогранной пирамиды. Применялся в русском деревянном и каменном зодчестве в 16 — 18 вв. В культовом сооружении увенчивался главой с крестом, в гражданском и военном — дозорной вышкой, флюгером.

22. Экслибрис – книжный знак, ярлык указывающий на владельца книги. Простейший экслибрис представляет собой бумажный ярлык с именем владельца книги (иногда в сочетании с девизом или эмблемой). Художественные экслибрисы представляют собой произведения печатной графики.

Экслибрис

(от лат. ex libris - из книг), книжный знак, ярлык, указывающий на принадлежность книги какому-либо владельцу. Наклеивается на внутреннюю сторону книжного переплёта или обложки. Экслибрисы появились с началом книгопечатания, а гравированные экслибрисы - в XVI в. в Германии (в России - с начала XVIII в. ). Различают суперэкслибрис, оттиснутый на переплёте или корешке книги, и бумажный экслибрисы, помещённый обычно на внутренней стороне переплёта. Изготовление суперэкслибрисов стоило очень дорого, поэтому с демократизацией книжного дела предпочтительнее стал экслибрис бумажный. Экслибрисы бывают: гербовые, воспроизводящие герб владельца; вензелевые - его орнаментально разработанные инициалы; сюжетные - изображения пейзажей, архитектурных мотивов, эмблемы. Художественные экслибрисы гравируются на меди, дереве, линолеуме, реже изготовляются цинкографским или литографским способом. Экслибрисы, часто выполнявшиеся крупными мастерами графики (А. Дюрером, Х. Хольбейном Младшим и др. ), образовали особый самостоятельный жанр графики. Среди экслибрисов современных графиков наиболее известны произведения А. И. Кравченко, Д. И. Митрохина, П. Я. Павлинова, В. А. Фаворского и др.