Творчество М.А. Врубеля

Если Серов прошёл весь путь из XIX в ХХ век последовательно, шаг за шагом, то Михаил Александрович Врубель (1856–1910) совершил не переход, а прыжок. Врубель оперировал символическими образами, мифами. Серов тоже обращался к мифам, но к древним, задолго до него существовавшим; а Врубель мог сам творить мифологические образы – такие как Пан или Царевна-Лебедь.

Чаще всего Врубель искал монументальных решений. Его таланту было тесно в пределах станковой картины. Художник расписывал храмы, делал декоративные панно, книжные иллюстрации, оформлял спектакли, создавал архитектурные проекты, эскизы мебели, скульптуры, даже расписывал балалайки. Он был художником универсальным, стремился не столько изобразить, сколько преобразить окружающий мир.

Сюжеты многих картин Врубеля фантастичны, выдуманы. Но для современников, привыкших видеть на картине изображение реального мира, такой взгляд был непонятен. Поэтому Врубеля долго не принимали; признание пришло уже после смерти.

Не только сюжеты и темы, но и методы работы Врубеля были непривычными. Он «гранил» фигуры и предметы плоскостями, конструируя форму, строя её изнутри. Он постигал ценность цветового пятна, стремясь к тому, чтобы краски на его холстах светились, как драгоценные камни, сияли внутренним светом. Бесконечно любя натуру, наслаждаясь ею, он при этом не подражал реальности, а создавал картины, живущие по законам искусства, но не жизни.

Биография Врубеля отличается от большинства биографий русских художников XIX века. Профессионально заниматься искусством он начал поздно, в Академию художеств поступил в 24 года, после окончания Петербургского университета. Зато, имея университетское образование, Врубель был начитан, в совершенстве владел иностранными языками, знал философию, литературу. Такой уровень образованности среди художников был редкостью: все они по-прежнему считались ремесленниками, людьми ручного труда.

После четырёх лет обучения в Академии художеств, не окончив её, Врубель отправился в Киев для работы над росписями Кирилловской церкви. Там следовало не только отреставрировать фрески XII века, но и расписать одно из помещений заново. Работа в Кирилловской церкви была первым опытом Врубеля в монументальной живописи. Здесь он столкнулся с противоречием: академическая система учит изображать объёмные фигуры в трёхмерном глубинном пространстве, а церковная монументальная живопись требует плоских фигур на плоскости стены. Врубель попытался соединить одно с другим, да ещё придать своим персонажам (апостолам в сюжете «Сошествие Святого духа») черты современного человека, экзальтированного, страдающего, противоречивого.

После окончания работ в Кирилловской церкви Врубель взялся за эскизы росписей для Владимирского собора в Киеве. Особенно он увлёкся сюжетами «Воскресение» и «Надгробный плач». К сожалению, эскизы не получили воплощения в стенной живописи. В годы жизни в Киеве Врубель писал и станковые картины. Одна из самых известных – «Девочка на фоне персидского ковра». Героиня и повод для написания картины были самыми обыденными: художник часто заходил в лавку ростовщика и антиквара Дахновича для того, чтобы заложить что-нибудь из вещей или просто полюбоваться старинными тканями, посудой, украшениями. Особенно любил он перебирать самоцветные камни. Вовсе не мечтая ими владеть, он наслаждался их цветом, глубиной сияния. У владельца лавки была маленькая дочь; её-то и написал Врубель в окружении старинных предметов. Он усадил её на ковёр, одел в старинное платье, украсил жемчужными бусами и нитями гранатов, надел перстни на маленькие пальцы. Возможно, картина была просто компенсацией долга Дахновичу. Но Врубель был творцом легенды: маленькая смуглая большеглазая девочка превратилась в чудесную фею, порождение волшебного мира.

После окончания работ в Киеве Врубель приехал в Москву и нашёл поддержку в семье С. Мамонтова. В течение тринадцати лет он интенсивно и плодотворно работал – в театре, в керамической мастерской Абрамцева, выполнял панно для частных особняков, писал картины. Затем художник заболел и попал в психиатрическую лечебницу. С этого момента он всё реже оказывался в кругу семьи и друзей и всё чаще в клиниках. В одной из них жизнь художника и окончилась.

Начало и конец активной творческой деятельности отмечены двумя большими картинами: «Демон сидящий» и «Демон поверженный». Интерес Врубеля к Демону был вызван двумя факторами: любовью к произведению Лермонтова (поэма «Демон») и общим увлечением демонизмом, характерным для эпохи. Но врубелевский Демон – человечный, надломленный, страдающий. Известны слова самого художника о том, что его Демон – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всём том властный, величавый.

Его образ сложен и многозначен, и каждое поколение видит в нём свои смыслы и вкладывает в него собственные поиски и страдания. Особенность символизма как стиля и как способа мышления и состоит в том, что художественный образ невозможно полностью перевести в слова, объяснить раз и навсегда. «Демон сидящий» вызывает зрителя на догадки, ассоциации, сотворчество и тем самым расширяется до беспредельности.

Демон замер в позе ожидания и созерцания. Он живёт иными, не человеческими измерениями, поэтому ожидание может продлиться вечно. Конечно, такому образу не подошло бы реалистическое истолкование. Демон превратился бы в полуобнажённого натурщика из академической мастерской. Как подлинно мифологический персонаж Демон не терпит сопоставления с реальным человеком. И природу, в которой он живёт, не следует сравнивать с реальной природой.

Все эти принципы определяют метод работы художника. Врубель не столько изображает, сколько создаёт, строит, конструирует. Фигура Демона расположена ровно посередине холста; с одной стороны от неё – фантастические огромные цветы, с другой – закатное небо. Нельзя сказать, что Врубель изображает фигуру, предметы в пространстве. Все части холста равны по своей материальности, объёмности, насыщенности цветом. Врубель работает широким мазком, иногда не кистью, а мастихином; и тогда мазок превращает холст в плотную цветовую поверхность. Пятна на плоскости холста подобны мозаике или драгоценным камням. Цвета художник берёт чистые, звучные. Общий колористический строй соответствует не реальному состоянию природы, а человеческим ощущениям: серые, лиловые, синие цвета выражают меланхолию, душевное томление.

Вслед за живописным «Демоном» появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова, и прежде всего к поэме «Демон». Эти рисунки не были иллюстрациями. Многие важные моменты поэмы Врубель словно не замечает, зато изображает другие, казалось бы, не столь существенные. Его работа начинается с появления в поэме Демона. Он то созерцает плачущую Тамару, то утешает её, то томится у стен монастыря. Лучшими являются рисунки «Тамара в гробу» и «Несётся конь быстрее лани». В первом сосредоточена вся нежность художника, сострадание, любовь. Во втором подчёркнут стремительный бег коня с мёртвым всадником в седле. Бегущие друг за другом пятна акварели, гранёные формы, мозаика – таков здесь язык Врубеля.

Большинство рисунков Врубеля к «Демону» были изданы в собрании сочинений Лермонтова вместе с работами других художников. Художники были первоклассными, однако все иллюстрации оставались отдельными вставными произведениями, стилистически очень разными и не связанными со шрифтом и оформлением книги. Такой метод книгоиздания был принят в XIX веке. Новое слово в книжном деле скажут, как мы увидим, только мастера объединения «Мир искусства».

За иллюстрациями последовали картины «Летящий Демон» (не окончена) и «Демон поверженный», который завершил живописные искания Врубеля. Между двумя «Демонами» – сидящим и поверженным – уместился весь творческий путь художника.

Картина «Гадалка» композиционно напоминает оставшуюся в Киеве «Девочку на фоне персидского ковра». Говорят, «Гадалка» была написана после бессонной ночи, моделью стала случайная цыганка. Такое случается в искусстве: шедевры могут родиться в самых простых, неподходящих и даже отвратительных условиях. Особенно у столь эмоционального человека, каким был Врубель.

Тёмное восточное лицо гадалки непроницаемо, но зритель ощущает в нём какую-то особую значимость, мудрость. Ей известно что-то, неведомое другим. Будто налётом времени, покрыт этот холст серовато-лиловым флёром, сквозь который, подобно драгоценным камням, сияют внутренним светом предметы.

Врубель всегда поднимает свои образы над повседневностью. В картине «К ночи» художник обращается к обыденной сцене ночного выпаса лошадей, но извлекает из неё нечто таинственное, почти мистическое. Горят красные цветы чертополоха, зажигают пейзаж причудливыми отблесками. Настороженно и тревожно переступают пасущиеся кони. К ним приближается фигура – не то пастуха, не то лешего: образ странный, сказочный. Врубель одушевляет природу, заставляя её жить своей, не разгаданной человеком жизнью. Он наделяет цветы способностью чувствовать, воздействовать на людей.

Цветы всегда были для Врубеля излюбленным предметом изображения. Он тщательно изучал их, в карандашных и акварельных этюдах подробно анализировал сложную конструкцию цветка. В картинах же растения приобретают особый, фантастический смысл. Часто в них таится угроза, бушует неподвластная человеку стихия. В картине «Сирень» особенно явственно ощущается энергия цветения – рост куста, запах дурманящий и терпкий. Загадочная фигура девушки – словно часть этого цветения, бессловесное, но сильное существо, что-то вроде нимфы или дриады.

Из таких переплетений одушевлённого и неодушевлённого, человека и природного явления родились многие образы Врубеля: «Царевна-лебедь», «Пан», «Богатырь». Даже в переливах перламутра являются Врубелю женские фигурки, как в работе «Жемчужина».

Врубель не был светским портретистом, как Серов. На его портретах – образы только близких людей. Писал он свою жену, певицу Н. Забелу-Врубель, писал Савву Мамонтова и его приятеля Константина Арцыбушева. Чаще всего, создавая портрет, Врубель подходил к модели с заранее сложившейся идеей. Многие писали Мамонтова, знаменитого промышленника, мецената и владельца Абрамцева. И на всех портретах он предстаёт грузноватым, немного скучным человеком. Врубель же нашёл в его характере демонизм, подчеркнул в портрете смятение и страсть. Он словно сжал пространством фигуру. Подчеркнув белый треугольник манишки, художник «поставил» её на острие, придав композиции портрета неустойчивый, динамический характер. Чередование света и тени усилило эту динамику.

Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля – графический портрет поэта Валерия Брюсова, нарисованный углём, сангиной и мелом. Поэт здесь представлен как пророк, носитель истины, человек особой породы. В это время Врубель занимался уже только графикой: в больницах живопись была невозможна. Он рисовал пейзаж за окном лечебницы, больных, играющих в шахматы, натюрморты из больничных предметов. Когда же не было моделей и сюжетов, он рисовал себя. Каждый из поздних автопортретов Врубеля не просто наполнен, а переполнен чувствами: немой вопрос или упрёк, боль, скрытое отчаяние или мужественное смирение.

Признание пришло к Врубелю поздно. Когда он был уже безнадёжно болен, почти слеп и практически перестал работать, его картины стали цениться, появились любители, покупатели. В 1906 году они были показаны на знаменитой русской выставке в Париже. Один из участников этой выставки вспоминал: «В зале Врубеля я неизменно встречал коренастого молодого человека, который часами простаивал перед картинами. Это был Пикассо. »

Вопросы и задания

1. Какие произведения Врубеля посвящены образу Демона? Как ты думаешь, почему этот образ так привлекал художника? Привлекает ли он тебя? Прочти поэму Лермонтова «Демон» и найди в ней те фрагменты, к которым Врубель выполнили рисунки.

2. Перечисли картины Врубеля, в которых он творит мифологических персонажей. Расскажи подробнее об одной из них. Постарайся, чтобы твой рассказ был художественным, напоминал сказку или легенду.

3. Расскажи о портретах Врубеля. В чём особенность его портретного творчества?