Словарь терминов

РАЗДЕЛ 1.

ИСТОРИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

ЗАРУБЕЖНЫХ СТРАН ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

В то время как во Франции, Германии и Англии развивалось искусство готики, в Италии началось увлечение античностью. Там появились люди, именовавшие себя гуманистами. Они изучали древнегреческий язык и латынь, читали в подлинниках произведения греческих и римских писателей, увлекались античной историей. Позже и сами они стали писать на латыни и прославлять деяния своих современников так, как это сделали бы античные авторы.

Термин Возрождение во многом и означает Возрождение античности. На французском языке Возрождение звучит как Ренессанс. Сейчас два этих слова употребляются как синонимы.

Увлечение античностью привело к изменению мировоззрения итальянцев. Хотя они по-прежнему оставались христианами, их система ценностей стала иной. Наряду с христианскими добродетелями - смирением, послушанием, скромностью, любовью к Богу и к ближнему начинают цениться такие качества как способность к подвигу, активная жизненная позиция, образованность, умение добиваться цели.

Позже появилось мнение о том, что эпоха Средневековья была временем упадка наук и искусств. Поэтому ещё одно значение термина Возрождение — рождение заново после застоя, упадка Средневековья. Однако с современной точки зрения искусство романского стиля и готики не считается второстепенным и недостаточно умелым. Просто оно основывалось на иных принципах.

В эпоху Возрождения главной становится личность и личные достоинства. В искусстве постепенно разрушаются средневековые каноны. В произведении теперь ценится новизна, необычность, умение мастера сделать то, чего не делал ещё никто и никогда. Поэтому художник эпохи Возрождения непременно подписывал своё произведение. Появились даже жизнеописания художников, ваятелей и зодчих. Публика теперь ценит не только само произведение, но и интересуется его автором, обстоятельствами его рождения, учёбы, поступками и высказываниями. История искусства становится историей имён, личностей и биографий художников.

Эпоху Итальянского Возрождения условно подразделяют на несколько периодов:

- проторенессанс (дученто и треченто) - конец XIII - XIV вв.;

- раннее Возрождение (кватроченто) - XV в.;

- высокое Возрождение (чинквеченто) - первая половина XVI в.;

- позднее Возрождение - вторая половина XVI в.

1.1. Искусство Проторенессанса в Италии (XIII-XIV в.)

На протяжении всей эпохи Возрождения Италия не представляла собой единого государства. Она была раздроблена на самостоятельные княжества и города-государства, которые соперничали между собой. Противостоянием военным и политическим дело не ограничивалось: непременным было соперничество и в искусстве.

Первые ростки будущего Возрождения появились в конце XIII - начале XIV в. в двух итальянских городах — Флоренции и Сиене. Города эти являются соседями: оба расположены в области Италии, которая называется Тоскана. Это очень красивая местность: рельеф её составляют холмы, плавно уходящие к горизонту, климат мягкий, а цветовые сочетания пейзажа гармоничны.

Известнейшим из художников Флоренции стал Джотто ди Бондоне. Его знали не только во Флоренции и Риме, но и на севере страны, в городе Падуя. Здесь в 1302 г. на месте арены античного амфитеатра была построена богачом Энрико дельи Скровеньи семейная капелла. Скровеньи предложил расписать её Джотто. Роспись получилась такой, что римский папа пообещал индульгенцию каждому, кто просто посетит капеллу Скровеньи (другое название — Капелла дель Арена) и увидит роспись.

Капелла дель Арена представляет собой небольшое вытянутое помещение, перекрытое цилиндрическим сводом. Джотто написал на стенах орнаментальные пояса. Получился каркас, в который он вписал сюжетные композиции. В них неторопливо разворачивается повествование о земной жизни Христа. Оно начинается издалека, с предыстории рождения Девы Марии. Её будущие родители, Иоаким и Анна, прожив долгую жизнь, не имели детей. Бездетность - знак немилости Бога. Поэтому, когда Иоаким по традиции принёс в храм жертву - агнца (ягнёнка), священник не принял жертвы и изгнал его. Иоаким, оплакивая свою судьбу, отправился за город и попал к пастухам, людям немудрым и простым. Там он увидел сон о рождении у него дочери, Марии, которой предстоит особая судьба. В раннем возрасте родители отдали Марию на воспитание в храм.

Уже в этих сюжетах проявились особенности живописной системы Джотто. Он намеренно избегал реалистичности, слишком правдоподобных эффектов. Куда важнее для него ясно обозначить роль каждой фигуры, заставить её «говорить без слов». Композиции рассчитаны на зрителей, которые смотрят издалека и не различают лиц. Они улавливают только группировку фигур, интервалы между ними, смысл поз и жестов, направление взглядов. Важно, как движутся фигуры, как обрисовывают это движение складки одежд. Эмоции персонажей застывают в драпировках. Каждая композиция, написанная Джотто, запечатлевалась в памяти как четкая формула того или иного события.

История Девы Марии продолжена событиями земной жизни Христа. Джотто показывает сцены от Рождества Христова до Распятия, Положения во гроб и Воскресения. В нескольких композициях изображены чудеса; одна из них - «Воскрешение Лазаря».

Чудо воскрешения Лазаря случилось на исходе земного пути Христа. И проповедь, и дела Его уже вызвали ненависть книжников и фарисеев в Иерусалиме. Поэтому Христос отправился с проповедями за реку Иордан. В это время в Вифании, селении неподалёку от Иерусалима, был болен Лазарь. Сёстры его Марфа и Мария послали Христу известие о болезни брата. Когда Христос пришёл в Вифанию, Лазарь уже умер и четыре дня находился во гробе. Гроб был в пещере, а вход в неё завален камнем. Христос велел отвалить камень, после чего громким голосом сказал: «Лазарь! Выходи!» «И вышел умерший, обвитый по рукам и ногам погребальными пеленами». Иисус велел развязать его, чтобы он мог идти.

В композиции «Воскрешение Лазаря» первым делом художнику предстояло определить места Христа и Лазаря и выделить их как главных персонажей. Христос у Джотто везде движется или смотрит вправо. Так сквозь весь цикл проведена идея пути. Джотто выделяет его фигуру на фоне неба интервалами. Тёмно-синее окружение помогает подчеркнуть благословляющую, воскрешающую правую руку (десницу) Христа. Лазарь ещё не прочно стоит на земле: чтобы дать это почувствовать, Джотто заслоняет его стопы спиной нагнувшегося человека, а фигуру расчерчивает косыми линиями погребальных пелен. Изумление присутствующих выражено взглядами и жестами. Юноша, завороженно уставившийся на вставшего мертвеца, машинально ощупывает подбородок, словно проверяя, не мерещится ли ему это, а его отведённая рука замерла на фоне неба, призывая свидетелей к молчанию.

Не менее выразительно и мастерски решает Джотто и другие композиции. Во «Входе в Иерусалим» две группы персонажей - ученики Христа и жители Иерусалима, высыпавшие навстречу, - соединены линией шеи и поднятой ногой ослицы. Ослица здесь - ключевая фигура. Сдвинь её Джотто левее - слишком мало места осталось бы апостолам. Помести правее - она стала бы притягивать к себе слишком много внимания. А вот когда между группами людей тянется эта покорная серая шея, они уравновешиваются.

Одна из самых известных композиций Капеллы дель Арена - поцелуй Иуды. Художник противопоставляет два профиля — классически ясного Христа и некрасивого, обезьяноподобного Иуду. Джотто показывает не сам лицемерный поцелуй, а секунду, предшествующую ему. У предателя ещё есть время одуматься. Центральная роль отведена огромному жёлтому пятну плаща Иуды. Жёлтый здесь - цвет неверности, предательства; жёлтым плащом Иуда окутывает фигуру Спасителя.

На западной стене Капеллы дель Арена по традиции изображён Страшный суд. Наверху - окно, по сторонам которого ангелы сворачивают небо с солнцем и луной. Под окном - двухметровая фигура Христа, сидящего на радуге. Внизу, над входом, два ангела держат в воздухе Животворящий крест. Рядом с крестом сама Дева Мария с двумя святыми принимает от Энрико Скровеньи модель Капеллы дель Арена. В нижнем ярусе справа воспевают Христа праведники, а слева принимают муки в аду грешники.

Но Джотто был не только живописцем. Считается, что по его рисункам была построена колокольня Флорентийского собора. Она отличается стремительным движением вверх и изяществом: по мере подъёма конструкция облегчается и усложняется декор. Стены снаружи облицованы мрамором и покрыты каменной резьбой.

Совсем иной характер имеет искусство города Сиена. Красоту сьенцы искали не в античной словесности, а в утончённых проявлениях феодальной придворной культуры. Образцом в этом для них была Франция. Под впечатлением от французской поэзии и французских миниатюр образ Девы Марии сближался с образом возлюбленной рыцаря - Прекрасной Дамы. Сиенцы ценили живопись не за подражание натуре. Главным для них было наслаждение изяществом облика Мадонны, красотой и виртуозностью линий, звучностью и сложностью цветовых сочетаний. Если Джотто - драматург, режиссёр своих композиций, мастер работы в пространстве интерьера, то сиенских художников можно сравнить с ювелирами, украшающими поверхности утончёнными стилизованными фигурами.

Первый из известных художников Сиены - Дуччо. Написанный им большой алтарный образ для сиенского собора стал главным событием в жизни города. Такой тип образа назывался «Маэста» (изображение Богоматери во славе, восседающей с младенцем на руках на троне в окружении святых и ангелов). «Маэста» была двусторонним алтарным образом. На обороте помещались композиции из жизни Христа. Образ стал центром пространства огромного собора. Краски на его огромной поверхности сверкали и переливались, как стёкла витража.

В июньский день 1311 г., когда Дуччо закончил работу, с утра были закрыты все лавки и мастерские. При звоне колоколов всё население города, возглавляемое духовенством, двинулось к мастерской художника. Приняв алтарный образ, процессия под аккомпанемент барабанов и труб торжественно понесла его в собор. В течение трёх дней Сиена праздновала и наделяла милостыней бедных. Дуччо выплатили за эту работу три тысячи золотых флоринов - самую крупную сумму, полученную к этому времени кем-либо из художников. Никогда прежде появление на свет произведения искусства не отмечалось с таким торжеством, ни одна работа не получала немедленно такого признания. Свидетельством этому была и подпись художника на подножии трона Мадонны: «Пресвятая Матерь Божья, дай мир Сиене и жизнь Дуччо, так тебя написавшему».

Ученик Дуччо, мастер Симоне Мартини прославил Сиену как главный художественный центр и на время подчинил её влиянию искусство всей Европы. Симоне не снискал, как Дуччо, массовой всенародной любви, зато работал по заказам королей, кардиналов и римского папы. Он стал первым художником, возведённым в рыцарское достоинство.

В возрасте около тридцати лет Симоне Мартини написал в сиенской ратуше (Палаццо Публико) фреску, называвшуюся так же, как и алтарный образ его учителя - «Маэста». Она занимает торцовую стену зала заседаний. Издалека создаётся впечатление, что стена покрыта ковром. В убранстве парадных помещений в то время начали использовать шпалеры, однако они были дороги, и изготовлялись только на севере Европы, а не в Италии. И вот чуткий к моде и вкусам аристократии Симоне решил украсить стену живописной имитацией ковра. Фигуры выдержаны в очень светлых, золотисто-сияющих тонах и выглядят поэтому бесплотными, плоскими. Симоне не собирался придерживаться классической техники фрески: он использовал наклеенные полоски золотой тиснёной кожи (в нимбах), шёлка (в одеждах), бумаги (свиток в руке Младенца-Христа), полудрагоценных камней (в украшениях). Всё это превращает композицию скорее в великолепное произведение декоративно-прикладного искусства.

Тридцать лет спустя сиенские войска, возглавляемые кондотьером (наёмным военачальником) Гвидориччо де Фольяно, отбили у противника две крепости. Сиенское воинство не было особо успешным, и такая победа заслуживала внимания. Решено было увековечить облик победителя в зале Палаццо Публико, напротив «Маэсты». Симоне Мартини изобразил кондотьера на коне, ступающем медленным шагом вдоль кромки изображения. С двух сторон от него - те самые крепости, взятием которых он прославился. Симоне, заслуживший славу лучшего рисовальщика с натуры, изобразил их с документальной точностью. Мощь движения всадника передана величавой медлительностью, тяжёлым колыханием попоны. Гвидориччо закован в панцирь, поверх которого накинута золотистая хламида с гербовым рисунком из ромбов и виноградной лозы. Конь укрыт такой же попоной, поэтому всадник и конь сливаются в единую фигуру. Задача перед художником стояла небывалая - создать живописный памятник кондотьеру, воину-победителю. Подобные задачи решали когда-то античные скульпторы. Однако перед нами нечто большее, чем памятник конкретному человеку. Симоне Мартини создал образ победителя, гения Победы, не отступив при этом от реальных черт модели.

Самостоятельная работа: записать в тетрадях, что означает термин Возрождение, периодизацию Возрождения. Указать, в чем принципиальная разница между искусством Флоренции и Сиены. Записать названия работ и имена авторов, подобрать иллюстративный материал. Посмотреть видеофильм «Джотто ди Бондоне. Поцелуй Иуды» из цикла «Мост над бездной» (П. Волкова).

Словарь терминов

Амфитеатр - античная постройка для массовых зрелищ: театральных представлений, гладиаторских игр и т. д.; может быть в плане круглым или овальным; не имеет крыши

Готика – стиль в архитектуре и искусстве Европы, сформировавшийся во Франции и распространившийся на другие страны. В архитектуре основой готической конструкции являются стрельчатая арка и крестовый нервюрный свод

Гуманисты – итальянские ученые, изучавшие древние (античные) языки, античную историю, литературу, подражавшие античности в собственных произведениях

Индульгенция – документ, свидетельствующий о прощении греха в католической церкви. Индульгенцию можно было купить, выкупив грехи не только уже совершенные, но и будущие

Капелла - небольшое помещение, примыкающее к храму или стоящее отдельно, выстроенное членами какого-либо семейства для богослужений и захоронения членов семьи

Цилиндрический свод - свод, основой которого является полуциркульная (полукруглая) арка; представляет собой половину цилиндра

Шпалеры - безворсовые ковры с сюжетным и орнаментальным изображением (гобелены)