Тициан. Примечания

Тициан

1. Краткая творческая биография художника:

Тициан родился в 1477 (согласно другим источникам – в 1480-е) и происходил из старинного рода, жившего в небольшом городке Пьеве-диКадоре, расположенном в Альпах. Способности к рисованию мальчик проявил в возрасте десяти лет и был отправлен родителями в Венецию на обучение. Он постигал основы изобразительного искусства в мастерской Джованни Беллини, который познакомил его с уже известным тогда живописцем Джорджоне. Позже они начнут совместную работу по росписи Немецкого подворья в Венеции. Именно это событие послужило тому, что о художнике заговорили очень рано, тем более уже первые его работы отличает весьма реалистическая передача деталей, что в молодом возрасте редко кому удавалось. Первый период творчества Тициана приходится на время, когда Венеция, благодаря мощному флоту, прочным торговым связям и довольно развитой экономике, жила в спокойствии и благополучии. Поэты, писатели, музыканты и художники изображали счастливого человека на лоне безмятежной природы, а основными темами произведений искусства, представленными в аллегорической форме (что было особенно близко молодому Тициану) стали любовь, красота, поэзия отношений. Среди ранних работ особенно следует выделить «Портрет мужчины в платье с синими рукавами» («Людовико Ариосто», около 1510, Национальная галерея, Лондон), на котором герой опирается на парапет с инициалами «T. V». С поэтом Людовико Ариосто художник был очень дружен. Однако существует также версия, что это автопортрет Тициана. Впрочем, неважно, кто именно на самом деле изображен на холсте, поскольку внимание здесь нужно обратить именно на манеру письма молодого художника и мастерство исполнения. Прекрасно выписана ткань одежды мужчины, смотрящего на зрителя немного надменным взглядом. Колорит картины изящен, мазки легки, композиция проста и гармонична. Постепенно произведения Тициана наполнялись повествовательностью, динамикой, напряжением и драматизмом. Природа на них не молчалива и статична, а полна жизни, как и люди, населяющие ее, переполнены чувств и движения. В начале творческого пути художник первостепенную роль отводил пейзажам. Выбирая для работы время суток, он отдавал предпочтение часам перед закатом, когда небо озарено густым цветом, а любимым временем года для него была осень с буйством и многоцветием красок. Однако со временем мастер стал отдавать предпочтение жанру портрета. Тициана больше всего привлекали люди с богатым и сложным внутренним миром.

2. Характерные черты индивидуального стиля:

3. Наиболее яркие произведения мастера:

“Святой Себастьян”

“Кающаяся Мария Магдалина”

“Вознесение Марии (Ассунта)”

“Динарий кесаря”

“Даная”

“Молодая женщина в шляпе с пером”

“Несение креста”

“Портрет карла V с собакой”

“Портрет Виченцо Мости”

4. Анализ одного или двух из них как примеров особенностей стиля мастера:

“Любовь небесная и Любовь земная”

История создания[править | править код]

Картина была заказана Никколо Аурелио, секретарём Совета десяти Венецианской республики. Косвенным фактом, подтверждающим личность заказчика, является наличие герба Никколо Аурелио на передней стенке саркофага. Аурелио женился на молодой вдове Лауре Багаротто. Свадьба праздновалась в Венеции 17 мая 1514 года, а картина, скорее всего, была его свадебным подарком невесте^[1]. Современное название картины не было дано самим художником, а начало употребляться по крайней мере два века спустя после её создания^[1].

В каталоге Галереи Боргезе у картины были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь небесная и Любовь земная» (1792 и 1833).

Деталь картины. Голова Венеры

Работа была куплена в 1608 году меценатом Шипионе Боргезе, после чего стала выставляться рядом с другими экспонатами из его коллекции в Галерее Боргезе в Риме. В 1899 году финансовый магнат Ротшильд сделал предложение купить полотно за 4 миллиона лир, но оно было отклонено.

Сюжет[править | править код]

Сюжет картины до сих пор вызывает споры среди искусствоведов. По мнению венского историка искусства XIX века Франца Викгофа сцена изображает встречу Венеры и Медеи, которую богиня уговаривает помочь Ясону^[2]. По другой версии, сюжет заимствован из популярной в то время книги Франческо Колонны «Гипнэротомахия Полифила».

На фоне закатного пейзажа у источника сидят богато одетая венецианка, придерживающая левой рукой коробку для рукоделия, и обнажённая Венера, у которой в руках чаша с огнём. По мнению С. Дзуффи, одетая девушка олицетворяет любовь в браке; на брак указывают цвет её платья (белый), пояс, перчатки на руках, миртовый венок, венчающий её голову, распущенные волосы и розы. На заднем плане изображена пара кроликов — пожелание большого потомства. Это не портрет Лауры Багаротто, а аллегория счастливого брачного союза^[1].

Мраморный саркофаг, превращённый в источник — загадочная деталь. Мрамор, символ смерти, довольно странно найти в картине, переполненной пожеланиями счастливой семейной жизни. Сцена насилия на саркофаге, видимо, напоминает о несправедливой казни отца Лауры, Бертуччо Багаротто, произошедшей в 1509 году. Таз, стоящий на саркофаге, украшен геральдическими знаками семьи Багаротто. Чистая вода в источнике символизирует рождение новой жизни^[3].

Обнажённая девушка символизирует любовь, которая преображается в вечную, небесную, на это указывает горящая лампада в её поднятой руке^[3].

Примечания

“Венера Урбинская”

Она была написана по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере. Возможно, прототипом Венеры Урбинской послужила юная невеста Гвидобальдо Джулия Варано. По другой версии моделью для картины послужила возлюбленная Тициана, которую он изобразил по меньшей мере на трёх полотнах. Высказывалось также предположение, что на картине могла быть изображена мать Гвидобальдо, Элеонора Гонзага, которое основывается на определённом сходстве между портретом Элеоноры работы Тициана и «обнаженной женщиной», а кроме того на обоих полотнах изображена одна и та же свернувшаяся клубочком собачка.

Аньоло Бронзино. Портрет Гвидобальдо делла Ровере. 1532. Палаццо Питти. Флоренция

9 марта 1538 года Гвидобальдо отправил в Венецию к послу своего отца курьера с предписанием привезти два полотна, заказанных им у Тициана. Курьер не должен возвращаться без полотен, хотя бы ему и пришлось ждать два месяца. Речь шла о портрете самого Гвидобальдо II делла Ровере и la donna nuda, обнажённой женщины.

Описание[править | править код]

На переднем плане картины в роскошных интерьерах дворца изображена лежащая молодая нагая женщина, которую отождествляют с богиней Венерой. На ней только несколько украшений — кольцо, браслет и серёжки. Открытый взгляд женщины направлен прямо на зрителя. В правой руке Венера держит цветы, её левая рука прикрывает лоно, образуя центр композиции картины. У ног Венеры спит маленькая собачка. На заднем плане картины справа изображены две служанки, занятые сундуком с нарядами.

Существуют различные версии интерпретации тициановской нагой красавицы. Согласно одной из них, картина символизирует узы брака. Сундук с нарядами на заднем плане при этом рассматривается как приданое обнажённой девушки. Другие исследователи считают, что «Венера Урбинская» — портрет куртизанки, фактически предлагающей себя зрителю. Возможно, Тициан хотел рассказать в своей картине о сексуальности в браке, соединив волнующую эротику с добродетелями брака и прежде всего с верностью, которую олицетворяет изображённая на картине собачка.

Однако, эстетические идеалы ренессансной картины позволяют видеть в наготе «Венеры Урбинской» и более идеальную тему. Обнаженная женщина наряду с обнаженным мужчиной приобретают в Италии XV - XVI веков значение художественной нормы. Нагота воспринимается не как изображение человека, с которого совлечена одежда. В наготе художники видят естественное состояние человека, его художественную идею. Нагота как воплощение нравственной чистоты, целомудрия, истины противополагалась художниками Возрождения одетости, как «правда обнаженная» - «правде украшенной»^[1]. Возможность такого возвышенного тематического прочтения «Венеры Урбинской» создается и некоторыми особенностями её живописной композиции: «Венера как бы отделена от пространства комнаты, благодаря чему она существует в своем особом мире, где граница идеального и реального оказывается зыбкой»^[2]; «... тончайшими сочетаниями теплых и холодных оттенков в изображении тела Венеры Тициан создает ощущение постоянных переливов цвета и света, и этот мотив пульсирующего движения не просто моделирует формы тела, но открывает в нем средоточие, дыхание жизни. В то же время за Венерой поднимается черный абстрактный цвет стены, из глухого неподвижного сумрака перерастая в чистый звук напряженной, восходящей из ниоткуда в никуда вертикали. Рядом с этой черной фигурой, подобной силуэту арфы, внешне предметная глубина окна преображается в глубину беспредметную, а проявившаяся отвлеченная композиция черного и голубого открывает сознанию то, что поначалу было доступно лишь ощущению: образ трансцендентного, духовного пространства»^[3].

Идеал женской красоты[править | править код]

У Тициана женщина держит в руке розы, считавшиеся символом Венеры. Кто бы ни была женщина: Венера или donna nuda, её тело отражает идеал красоты и является эротическим символом эпохи высокого Возрождения. Высокий лоб, считавшийся символом красоты в средние века, ради которого женщины выщипывали волосы на лбу, перестал быть идеалом. Теперь волосы обрамляют лицо, смягчая его черты. Излюбленным цветом волос стал не тёмный, как у большинства итальянок от природы, а светлый. Почти у всех мифологических фигур, изображённых художниками итальянского Ренессанса, были светлые волосы. Грудь считалась красивой, если она была маленькая, круглая и упругая.

Живот женщины Тициан изобразил слегка округленным. На готических полотнах животы у женщин изображали как правило более выпуклыми. В эпоху Ренессанса живописцы отказались от подобной практики и искали более натуральные формы. Тем не менее живот все равно считался центром женского тела, символом плодородия и продолжения рода.

Предшественницы[править | править код]

Джорджоне. Спящая Венера. 1508—1510. Картинная галерея. Дрезден

В 1508—1510 гг. появилась «Спящая Венера» Джорджоне, в создании которой по мнению искусствоведов принимал участие ученик Джорджоне Тициан. Очевидно типологическое сходство двух картин. При этом, по Алпатову Тициан в «Венере Урбинской» не только «отступает от Джорджоне в частностях», но и меняет весь его образный строй: «пышная нагота у Тициана так же закономерно сменяет девственно-целомудренную наготу Джорджоне, как цветущее лето сменяет робкую весну»^[4].

Техника[править | править код]

В «Венере Урбинской» нашли своё полное отражение все характерные черты живописи Тициана. В частности волосы, кожа, меха, цветы, ткани и драгоценные камни переданы художником с натуральностью, близкой к оптическому обману. Этим эстетическим средством, а также сфумато, окружающем тело женщины, Тициан демонстрирует зрителю свой высокий уровень художественного мастерства.

Помимо величественных полотен на религиозные темы Тициан написал большое количество портретов как исторических лиц, так и неидентифицированных персонажей. Целый ряд в творчестве Тициана составляют полупортреты неизвестных женщин, в которых Тициан символическим языком рассказывает о силе женской притягательности. Среди изображённых на портретах женщин могли быть и венецианские куртизанки, которые в XVII в. занимали высокое социальное положение.

5. Вклад художника в развитие искусства эпохи Возрождения:

⇐ Предыдущая 1 2 3 45