Альберт Оэлен.

Новая европейская живопись - течение современного искусства, появившееся в 1980-х годах и достигшее критической точки в 1990-х годах. Картины новой европейской живописи создают новый диалог между историческим архивом - фотографиями и американской абстракцией и формой.

Специфика течения: отказавшись от идей Возрождения от академических правил, новая европейская живопись стала развитием искусства дорафаэлитов (Направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.), пожелала «сама видеть».

Крупные новые европейские художники этого направления иллюстрируют в своём творчестве сильные связи с болезненной личной и общей историей, памятью и забвением, жизнью в тени Второй мировой войны, исследуют новые и старые материалы, фотографии и масляную живопись.

Это восстановительный вид абстракции и конфигурации, который связан с параллельной практикой превращения в искусство личных и исторических фотографических архивов с использованием новых медиа например, ксероксов.

Новая европейская живопись тесно связана с другим направлением - лирической абстракцией

Герхард Рихтер. Родился 9 февраля 1932 года. Немецкий живописец.

Его произведения хранятся в собраниях крупнейших музеев Европы. В 2005 году он занимал 1-е место в ежегодном списке журнала «Капитал» — самые дорогие и успешные мастера современной немецкой живописи. Стоял у истоков зарождения направления капиталистического реализма.

Биография:

· Герхард Рихтер родился в Дрездене 1932 году.

· В 1961 эмигрировал в Западную Германию.

· Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 году в Дюссельдорфе.

· В 1967 году его творчество было отмечено престижной премией junger westen.

· В 1972 году Рихтеру выпало представлять Германию на Венецианской Биеннале. Впервые за все время существования биеннале целый павильон был отдан одному художнику.

· В том же, 1972 году Рихтер принял участие в кассельской Документе.

· 1973 год — первая персональная выставка в Соединённых Штатах.

· В 1981 году Герхард Рихтер стал лауреатом премии им. Арнольда Боде.

· В 1985 году художник становится лауреатом премии им. Оскара Кокошки. С этого момента работы художника можно встретить во всех крупнейших выставочных залах мира.

· 2002 год — ретроспектива «Творчество за сорок лет» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. На выставке было представлено 188 экспонатов — для этого музея беспрецедентное число работ, представляющих творчество живущего художника.

· В настоящее время живёт в Кёльне.

Перебравшись в Западную Германию, Герхард Рихтер начал работать с Зигмаром Польке и Конрадом Фишер-Лойгом, манипулируя в духе поп-арта с рекламными объявлениями и дорожными знаками. Результат своих творческих поисков художники издевательски назвали «капиталистический реализм». Выставка «капиталистического реализма» состоялась в мебельном магазине Бергеса в Дюссельдорфе и продолжалась две недели. Следующие пятнадцать лет Рихтер работал на стыке живописи и фотографии. Сначала он сделал серию полотен с обычных фотографий, от которых веяло западным поп-артом, но сам Рихтер интерпретировал это иначе. Напротив, он «хотел сделать что-то, что не имело ничего общего с искусством, композицией, цветом, творчеством и т. д.». Его высказывания о собственной работе полны всяческих опровержений. «Я не следую никакой особой цели, системе и направлению, — говорил он на том этапе, — у меня нет программы, стиля, курса следования».

Тогда же, в 1972—1973 годах Рихтер написал серию картин в духе минимализма, озаглавленных «Серое», которые представляли собой плоские и монохромные поверхности. Примерно в 1978—1979 годах Рихтер продолжал писать абстрактные полотна, порой цветные, порой только серые, используя печатную продукцию, любительскую и профессиональную фотографию. Абстрактные полотна в те годы Рихтер создавал при помощи больших шпателей и скребков, размазывая относительно простые цвета так, чтобы получились непредсказуемого цвета пятна и полосы. Результат выглядел издёвкой над теорией распределения цвета и принципами художественной композиции.

В другой серии картин Рихтер воспроизводит фотографию своеобразным образом. Серия конца 1980-х, пятнадцать серых полотен под названием «18 октября 1977 года», возникшая в связи с появившимися в прессе фотографиями, зафиксировавшими заключение и смерть в тюрьме членов радикального движения «Фракция Красной Армии». По словам Рихтера, он не увлёкся политикой и не собирался увековечить экстремистов, его поразили «общественные устремления этих людей… устрашающая мощь идеи, за которую не жалко умереть». Точно копируя некачественные черно-белые фотографии с размытостью и искажённую цветопередачу пленочных «мыльниц», Рихтер преподносил результат как размышления о смерти — они были «жертвы …идеологизированного поведения как такового». Всю его долгую и успешную творческую жизнь Рихтера главным образом интересовала идея репрезентации в эпоху доминирования новостной фотографии и то, как ввести фотографию в границы живописной традиции, все более подчиняющейся требованиям собственных ресурсов. Необходимо увидеть снова содержание в форме, а не форму как нечто, вмещающее содержание. «У содержания нет формы, — говорил Рихтер. — Оно само — форма».

Фигуративная живопись (Фигуративизм)– направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

Зигмар Польке. (1941 – 2010 гг.) — один из крупнейших мастеров немецкого постмодернизма, классик искусства XX в.

На протяжении всего творческого пути Польке увлекается экспериментами с различными техниками и технологиями, виртуозно объединяя технику классического офорта с ультрасовременными технологиями. Зигмару Польке присущ особый художественный метод и изобразительный язык. Художник включает в свои произведения самые разнообразные иронические цитаты: от изображений, напоминающих газетные фотоснимки и комиксы, до фрагментов, ассоциирующихся с искусством поп-арта. Часто произведения снабжены остроумными подписями, нередко с оттенком абсурда, например: «Для того, чтобы огурцы долго сохраняли свежесть, нужно покрасить их, будучи заранее благодарными».

Польке ищет альтернативы средствам традиционной живописи. Он экспериментирует в своем ателье и фотолаборатории, работая с различными материалами, красками и форматами. В соответствии с законами живописи он фотографирует объекты, перенося затем на холст светочувствительные химические соединения. Он пропитывает декоративные ткани особыми составами, чтобы сделать их прозрачными. Он рисует, пишет, вырезает, делает коллажи, работает со всем — от стекла до бумаги. В это время о нём начинают говорить как об «алхимике», имея в виду его стремление оживить свои картины, которые превращаются в саморазвивающиеся организмы. Ему интересно, как поведут себя вместе различные лаки, растворы, нитрат серебра, барий, метанол или спирт на поверхности картины. Говорят, что в свои адские смеси он даже добавлял опасный, содержащий мышьяк зелёный пигмент. И хотя он не слишком большое значение придавал «влиянию» искусства, тем не менее он создавал произведения, полные таинственных и завораживающих эффектов. Некоторые из этих вещей были созданы под влиянием галлюциногенных препаратов.

В 1986 году Польке поразил зрителей Венецианской Биеннале своей работой в немецком павильоне. На стене павильона с помощью специальной смеси он нарисовал абстрактную композицию, краски которой менялись в зависимости от освещённости, времени суток, влажности и температуры воздуха, а также и количества зрителей в помещении. Если павильон был полон, стена голубела. Если тучи собирались на небе, композиция становилась розовой. За эту работу, названную им «Котёл алхимика», жюри выставки присудило Польке «Золотого льва» в области живописи.

«Картины тоже обижаются, если на них никто не смотрит», — говорит Польке. Много воды утекло с тех пор, как он сам разложил их изображением вниз на полу зала дюссельдорфского выставочного зала, закрыв вход на свою персональную выставку решёткой, на которой висел плакат: «Искусство делает свободным».

Творчество Польке — его картины, фотографии, рисунки, графика, авторские книги, объекты — всё чаще показывается в русле «новых массмедиа», он высоко котируется в мире СМИ. Вот уже четвёртый год лидирует в иерархии современных художников «Компаса искусства» (Capital Kunstkompass), издаваемого немецким экономическим журналом «Capital».

Ансельм Кифер. Родился под последними бомбежками Второй мировой.

Собирался учиться праву, литературе, языкознанию, но склонился к искусству, учился во Фрайбурге, Карлсруэ, Дюссельдорфе. В 1969 прославился провокационной инсталляцией в одной из галерей Карлсруэ, обращавшей внимание зрителей на живучесть нацизма (на фотографиях он отдавал нацистское приветствие на фоне символических достопримечательностей крупнейших городов Европы). Позднейшее творчество Кифера продолжило данную линию: это аналитическая работа с наиболее общими и глубинными символами немецкого духа от Нибелунгов до Гитлера, мифами великой миссии германского народа, особого пути Германии, великого вождя и т. п. Среди учителей Кифера был Йозеф Бойс, находился под творческим влиянием Георга Базелица.

С 1993 живет и работает во Франции, где сделал творческой лабораторией промышленную зону в департаменте Гар.

Крупнейший из художников послевоенной Германии. Главная болевая точка творчества Кифера — Холокост как воплощение германской катастрофы. Испытал воздействие философии каббалы, мистики и алхимии Роберта Фладда, других духовидцев. В 1990-2000-х годах создал серии работ, вдохновленных творчеством Пауля Целана, Ингеборг Бахман, Велимира Хлебникова. Выступает как театральный художник и художник книги.

Работы Кифера находятся в крупнейших музеях Европы, США, Австралии, в том числе:

· Лувр, Париж, Франция.

· Музей современного искусства Соломона Гуггенхайма. Нью-Йорк, США.

· Art Institute of Chicago. Чикаго, США.

· Музей Гуггенхайма в Бильбао. Бильбао, Испания.

· Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия ("Аврора").

В 2017 году в Государственном Эрмитаже в рамках Проекта Эрмитаж 20/21 прошла первая в России выставка «Ансельм Кифер — Велимиру Хлебникову».

Розмари Трокель. Немецкая художница, родившаяся в 1952 году. Важная фигура международного современного искусства. Живёт и работает в Кёльне, преподает в Дюссельдорфской академии художеств.

Родилась в городке Шверте (нем. Schwerte), район Унна, Арнсберг, земля Северный Рейн — Вестфалия. Училась (с 1974 по 1978) в Академии изящных искусств Кёльна и испытала сильное влияние Йозефа Бойса.

Продумывая свои экспозиции, Трокель выстраивает контекст, основанный на междисциплинарном подходе к отражению в искусстве современного мира. Подобно старшему современнику, великому “алхимику” Зигмару Польке, художница часто прибегает к смешиванию высокого и низкого, к перемещению акцентов и ниспровержению ценностей. Изготовляя из шерстяной пряжи при помощи вязальной машины “картины-комментарии”, Розмарин Трокель выводит пародии на штампы сознания современников (о гендерных влияниях или о роли домохозяйки) на уровень критики больших стилистических образований: поп-арта, нео-гео.

Розмари Трокель оказалась к 2010-м годам наиболее коммерчески успешной среди десяти пользующихся максимальным спросом современных художниц.

Альберт Оэлен.

Родился в 1954, современный немецкий живописец, музыкант.

Молодость Альберта Оэлена пришлась на период, когда в Германии доминировали неоэкспрессионисты. Он находился под впечатлением от «плохой живописи» Йорга Иммендорфа (Jorg Immendorf (нем.) 1945—2007) и методом неоэкспрессиониста Георга Базелица, изображавшего фигуры на своих полотнах вверх ногами (объект оставался узнаваемым, но обретал качества абстракции). Ученик Зигмара Польке в Академии изобразительных искусств в Гамбурге, Оэлен, как Польке и Герхард Рихтер занимается живописью как процессом рационализации, а не самовыражения.

В 1976 году, ещё во время учёбы, Альберт Оэлен основал вместе с Вернером Бюттнером (нем.) ассоциацию «Liga zur Bekämpfung widersprüchlichen Verhaltens», которая выражала свои художественные и политические взгляды при помощи смешных арнархических хеппенингов. Оэлен начал выставлять работы в 1978 году на совместных выставках вместе со своим братом Маркусом.

Оэлен видел себя не только в качестве художника: в период между 1978 и 1984 годами он сделал большое количество музыкальных записей.

В 1980 году братья Оэлены и Бюттнер создали «Samenbank für DDR-Flüchtlinge» (банк спермы для беженцев из Германской Демократической Республики), а в 1981-м основали «Kirche der Unterschiedlichkeit» (Церковь Отличий). В их хеппенингах, некоторые из которых были критическими, а некоторые — пугающе агрессивные, они провоцируют аудиторию и высказываются по политическим вопросам.

Уже ставший классиком нон-конформизма, Оэлен стал известен в начале 1980-х, в эпоху расцвета «плохой живописи» наряду со своими современниками — Мартином Киппенбергером (Martin Kippenberger (нем.) 1953—1997), Вернером Бюттнером (Werner Büttner (нем.) род. 1954) и Георгом Герольдом (Georg Herold (нем.) род. 1947). В 80-е Оэлен создаёт серию «Malerei über Malerei» («Живопись по живописи»), в которой объединил абстрактные и фигуративные элементы. Альберт Оэлен принадлежал к поколению, настроенному критически по отношению к преобладающей идеологии того времени, в центре его художественной практики — радикальная оппозиция к иерархии и ценностям живописи.

В 1986-87 годах Альберт Оэлен и Мартин Киппенбергер путешествовали по Германии с публичными выступлениями, а в 1992-м Оэлен основал студию в башне городской стены Сеговии, где начал работать над компьютерными изображениями.

Сам художник описывает своё творчество как «пост-беспредметную» живопись, концепция которой заключается в деконструкции абстрактного искусства. Оэлен использует широкий спектр техник и стилей, объединяя абстрактные и фигуративные элементы. Его последние работы часто созданы при помощи компьютера, включают коллаж из фотографий и напечатанных элементов.

Во многих случаях первым шагом в создании картины служит коллаж на холсте, который выполняет роль основополагающей структуры. Начиная свою работу с фигуративных элементов, добавляя абстрактные формы по мере работы, Оэлен как бы повторяет историю искусства на пути от фигуративной живописи к абстракции. Для Оэлена не является необычным работать над одной картиной несколько лет. Приостанавливая работу над холстом на некоторое время, художник потом возвращается к нему с более «свежим взглядом».

Альберт Оэлен живёт и работает в Швейцарии и Испании.

Постсюрреализм — в широком смысле понятия, движение современного искусства, которое пришло на смену сюрреализму (который развивался с 1920-х по 1960-е годы).

Термин используется для обозначения художественного движения, связанного или находящегося под влиянием сюрреализма, которое сформировалось после так называемого периода «исторического сюрреализма». Сторонниками идеи, что сюрреализм «мёртв» современную сюрреалистическую деятельность называют «постсюрреализмом». Однако, некоторые искусствоведы утверждают, что этот термин не нужен, потому что сюрреализм продолжается до наших дней.

В более узком смысле, постсюрреализмом называют художественное движение возникшее в США и окончательно оформившееся к концу 1940-х годов. Американский постсюрреализм представлял собой первый ответ художников США на европейский сюрреализм. В отличие от европейского сюрреализма, постсюрреализм не полагался на случайные образы снов. Вместо этого, тщательно спланированные формы использовались, чтобы вести зрителя через картину, постепенно раскрывая более глубокий смысл.

Лорсер Фейтельсон (1898—1978) — американский художник и педагог.

Фейлтельсон приобрел известность на Западном побережье как один из отцов-основателей южно-калифорнийской живописи жёстких контуров. Вместе с его женой Хелен Лундеберг Фейтельсону приписывают создание пост-сюрреалистического движения.

Родился в 1898 году в городе Саванна, штат Джорджия. Вырос в Нью-Йорке, куда вскоре после рождения переехала его семья. Здесь обучался рисованию на дому у своего любящего искусство отца. В детстве Лорсер читал семейную коллекцию иностранных журналов и часто посещал Метрополитен-музей. Этюдники его ранних лет демонстрируют рисование в стиле Old Master; он переосмыслил свой подход к рисованию после просмотра легендарной Арсенальной выставки в 1913 году в Нью-Йорке. К 1916 году восемнадцатилетний юноша основал студию в Гринвич-Виллидж, решив стать художником.

Как и все художники-модернисты того времени, Фейтельсон хотел продолжить свое образование в Европе. Он совершил свое первое путешествие в Париж в 1919 году и поступил в качестве независимого студента для изучения рисунка в Академию Коларосси. Будучи во Франции, он совершил многочисленные поездки в Италию на Корсику — сделанные там эскизы с участием местных крестьян послужили основой для более поздних работ Фейтельсона. После многочисленных поездок по Европе, перед возвращением домой в США в 1927 году, художник выставлялся в знаменитом парижском Осеннем салоне.

В ноябре 1927 года Лорсер Фейтельсон переехал в Лос-Анджелес, и к 1930 году работал в стиле пост-сюрреализма. В этот период Фейтельсон вместе со Стэнтоном Макдональд-Райтом также был назначен курировать проект росписей в рамках Федерального художественного проекта под эгидой Управления общественных работ США на всём Западном побережье, где работал в жанре фрески. В 1933 году он женился на американской художнице Хелен Лундеберг, которая стала его единомышленником в искусстве.

К 1940-м годам Фейтельсон разработал использование в своих работах биоморфных или «магических» форм, что проявилось в его серии произведений «Magical Space Forms» 1950-х и 1960-х годов. Кульминацией стал изящный образный минимализм картин «Ribbon» 1970-х годов: «pure gesture that engages the viewer with the intimacy of an embrace».

Работы Фейтельсона и его жены Хелен Лундеберг в течение трёх в 1960-х годах представлял владелец галереи Джоан Анкрум (Joan Ankrum). Фейтельсон преподавал живопись в школе Art Center School of Design с 1944 года до выхода на пенсию в конце 1970-х годов.

Заболев в 1977 году, Лорсер Фейтельсон умер 24 мая 1978 года в Лос-Анджелесе, Калифорния.

Филипп Густон - американский художник.

Родился в Канаде, в семье еврейских эмигрантов выходцев из России, родители художника приехали в Америку из Одессы. Вскоре семья переезжает в Лос-Анджелес. Рисовать начал уже в юношеские годы, вначале комиксы. Обучение начал в Школе рисования в Кливленде. В годы учёбы (1930-е годы) уделял внимание прежде всего созданному Джорджо ди Кирико стилю метафизический реализм, а также фресковой живописи старых итальянских мастеров — Андреа Мантеньи, Мазаччо, Паоло Уччелло. В конце 1930-х Ф.Густон работает в рамках государственной программы развития в области пропагандистской, настенной живописи, однако к началу 1940-х годов возвращается к живописи станковой.

Характерной особенностью работ Ф.Густона было то, что при создании новых картин он часто использовал фрагменты уже созданных ранее полотен. На рубеже 1947/1948 годов художник пишет свою первую абстрактную картину «Палачи» (The Tormentors). В конце 1940-х и в 1950-е годы художник работает в стиле абстрактного экспрессионизма. В то же время обращение к сюжетам, навеянным событиями двух мировых войн сближает его полотна с экспрессионистской живописью Макса Бекмана. С начала 1960-х годов художник возвращается к фигуративному искусству, в это время он часто воспроизводит и перерабатывает в новых работах сюжетные мотивы своих ранних картин из 1930-х годов.

Поп-сюрреализм (от англ. lowbrow — малообразованный, примитивный) — направление в современном искусстве, возникшее в конце 1970-х годов в Лос-Анджелесе. В основе направления лежат современные молодежные субкультуры, панк-рок, комиксы и другие символы поп-культуры, доводящие знакомые образы до гипертрофированных, сюрреалитичных форм. В связи с тем, что некоторые художники полагают, что название «лоуброу арт»(англ. Lowbrow) несет в себе самоуничижительный контекст, широкое распространение получило название поп-сюрреализм.

Целью поп-сюрреализма является преодоление ограничений, которые навязываются социальными институтами.

Использование художественной иллюстрации в качестве основного канала коммуникации направлено на формирование независимого мнения относительно личностных и глобальных проблем, перед которыми стоит человек и человечество в целом.

Несмотря на то, что большинство работ в стиле поп-сюрреализм существует в виде рисунков, иллюстраций и постеров, данное направление также успешно реализуется в digital art, скульптуре и других видах изобразительного искусства. Важной отличительной чертой лоуброу арт является присутствие разнообразных видов юмора: ирония, каламбур, а также чёрный юмор.

Неосюрреализм или нео-сюрреализм - это художественное направление, которое иллюстрирует фантазии или подсознательные видения в сложных и иррациональных комбинациях пространства и форм.

Термин «неосюрреализм» был дан повторному появлению хорошо известного сюрреалистического движения в конце 1970-х годов. В начале это движение сосредоточилось на связи сюрреализма и поп-арта, но позже современные художники открыли другие направления внутри этого жанра, направления, похожие на фантастику, мистику и фэнтези-арт.

Неосюрреализм часто называли современным сюрреализмом, по причине визуального сходства этих двух жанров. Однако, главное различие между этими жанрами в том, что неосюрреализм не включает в себя оригинальную идею сюрреализма — свободу над рациональным контролем или духовный автоматизм, провозглашенный Андре Бретон в его «Манифесте сюрреализма».

Массюрреализм (англ. Massurrealism) — одно из направлений современного искусства конца XX столетия, для которого характерно сочетание массмедиа, поп-арта, сюрреалистических образов и современных технологий.

Термин массюрреализм был введен художником по имени Джеймс Сихейфер в 1992 году. Это своего рода эволюция сюрреализма с использованием технологий и массмедиа. Иногда массюрреализм считают ответвлением постмодернизма, хотя он, как сказано выше, скорее является дальнейшим развитием сюрреализма, в котором технологии являются лишь катализатором.

Конечно, массюрреализм, подвергся влиянию средств массовой информации, являющих примеры использования сюрреалистических образов. Сюда можно отнести печатные средства массовой информации, кино и музыкальные видео.

Массюрреализм — это в некоторой степени развитый сюрреализм, который подчеркивает влияние технологий и средств массовой информации на современные сюрреалистические образы. Джеймс Сихейфер, которому приписывают авторство этого термина в 1992 году сказал, что у него не было другого выхода, кроме как ввести новый термин, потому что не было никакого существующего определения, которое бы точно охарактеризовало тип работ, которые он создавал, работ сочетавших элементы сюрреализма и элементы массмедиа.

Массюрреализм состоит из технологии и поп-арта. Джеймс Сихейфер начал свою работу с использования тележки для покупок, которая «ассоциировалась с американским массовым потреблением, продвигаемом в массы посредством массмедиа», а затем включил коллажи из цветных ксерокопий и аэрозольной краски с традиционной масляной краской.