Ответы на вопросы к экзамену по истории народной культуры изобразительного искусства

Ответы на вопросы к экзамену по истории народной культуры изобразительного искусства

1. Принято считать, что все искусство, которое существует в мире, можно разделить на три большие группы:

«Пространственные виды искусства»: Изобразительное искусство (и его виды), декоративно-прикладное искусство, скульптура, архитектура, фотография. Для этой группы искусств существенным является пространственное построение в раскрытии различных художественных образов.

«Динамические виды искусства»: Музыка, литература. В них ключевое значение приобретает развертывающаяся во времени композиция для раскрытия образа.

«Синтетические виды искусства»: Хореография, театр, кино, телевидение. Они используют одновременно как пространственные так и временные приоритеты в раскрытии образа.

Архитектура (греч. "architecton" - "мастер, строитель") - монументальный вид искусства, целью которого является создание сооружений и зданий, необходимых для жизни и деятельности человечества.

Изобразительное искусство-группа видов художественного творчества, воспроизводящих визуально воспринятую действительность. Произведения искусства имеют предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве. К изобразительному искусству относятся: живопись, графика, скульптура.

Декоративно-прикладное искусство - вид творческой деятельности по созданию предметов быта, предназначенных для удовлетворения утилитарных и художественно-эстетических потребностей людей. Важной составляющей декоративно - прикладного искусства являются народно-художественные промыслы

Фотография - искусство, воспроизводящее на плоскости, посредством линий и теней, самым совершенным образом и без возможностей ошибки, контур и форму передаваемого ею предмета.

Литература - вид искусства, в котором материальным носителем образности является слово.

Музыка - вид искусства, в котором средством воплощения художественных образов служат определенным образом организованные музыкальные звуки.

Хореография - вид искусства, материалом которого являются движения и позы человеческого тела, поэтически осмысленные, организованные во времени и пространстве, составляющие художественную систему.

Театр - вид искусства, художественно осваивающий мир через драматическое действие, осуществляемое творческим коллективом.

Кино - искусство воспроизведения на экране запечатленных на пленку движущихся изображений, создающих впечатление живой действительности.

2. ЖИВОПИСЬ

Живопись - плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника.

Живопись подразделяется на:

- монументальную - фреска (от итал. Fresco) - живопись по сырой штукатурке красками разведенными на воде и мозаика (от французского mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта - цветное прозрачное стекло.), керамических плиток.

- станковую (от слова "станок") - полотно которое создается на мольберте.

- театрально-декорационную

-миниатюру

Живопись представлена разнообразными жанрами:

портрет, пейзаж, натюрморт, сюжетная картина (историческая, бытовая, батальная), иконопись.

По типу используемых материалов различают масляную живопись (используют масляные краски, холст, натянутый на деревянный подрамник), темперную живопись, акварельную, гуашь, акрил. Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.

В живописи краска накладывается корпусно, плотно перекрывая фон, цвет которого не имеет значения. Живописец работает слоями краски, многократно проходя одни и те же участки картины, высветляя или утемняя их. Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспективы.

Гра́фика (др.-греч. γρᾰφικός «письменный»; от γράφω «записывать, писать») — вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. При работе в графике обычно используют один или два цвета, кроме основного чёрного или красно-коричневого цвета сангины, можно использовать белый, в особенности на тонированной бумаге. Кроме контурной линии, в графическом искусстве широко используются штрих и пятно, также контрастирующие с белой (а в иных случаях также цветной, чёрной, или реже — фактурной) поверхностью бумаги — главной основой для графических работ.

Понятие «графика», по способу создания изображения, включает в себя два больших объёма: «печатная или тиражная графика» и «уникальная графика». Уникальная графика — произведения, созданные в единственном экземпляре (рисунок, аппликация и тому подобное).

- Печатная графика или эстамп (с фр. штамповать) – возможна печать нескольких экземпляров, тираж

Эстамп (от фр. estampe) - обобщенное название произведений печатной графики, представляющее собой оттиск на бумаге с печатной формы.

Основным видом печатной графики является Гравюра

Ксилография - гравюра на дереве.

- обрезная (продольная) гравюра. Для обрезной гравюры берётся липовая, сливовая или грушевая доска продольного распила, для торцовой гравюры используются доски поперечного распила из самшита. Изображение вырезается резцами разной конфигурации. После этого доску покрывают специальной краской и выполняют оттиск на бумаге.

Линогравюра - гравюра на линолеуме. Появилась на рубеже XIX-XX веков с изобретением линолеума. Для линогравюры используется специально подготовленный линолеум, изображение вырезается резцами разной величины. Затем его покрывают валиком специальной краской и выполняют оттиск на бумаге.

Литография, автолитография - способ печати, при котором краска под давлением переносится с литографского камня на бумагу. Процесс создания литографии происходит следующим образом: на литографском камне (кусок плотного известняка, который шлифуется до гладкого состояния) рисуется изображение специальным жирным карандашом, затем поверхность камня протравливают смесью, содержащей азотную кислоту, воздействующей на не покрытую рисунком поверхность. Валиком на увлажненный камень наносится краска, пристающая лишь к непротравленным частям камня, затем посредством литографского станка выполняют оттиск на бумаге.

4. Скульпту́ра— вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов. В широком значении слова — искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и других предметов природы в осязательных, телесных их формах.

Художественно-выразительные средства скульптуры:

-построение объёмной формы;

-пластическое построение модели (лепка);

-разработка силуэта;

-разработка фактуры (в некоторых случаях также цвета).

Виды скульптуры:

-круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст), осматриваемая с разных сторон и окруженная свободным пространством;

-рельеф, где фигура представляется отчасти погруженною в плоский фон и выступающей из него.

Различают три вида рельефа:

-барельеф (выпуклая фигура выступает менее, чем на половину);

-горельеф(выпуклая фигура выступает наполовину);

-контррельеф (фигура не выпуклая, а, наоборот, заглублённая)

В зависимости от предназначения скульптура делится:

-монументальная скульптура (памятники, монументы), связанная с архитектурной средой. Отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами;

-монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, фронтонная, фонтанная, садово-парковая скульптура);

-станковая скульптура, не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие, и конкретное углублённое содержание. Рассчитана на восприятие с близкого расстояния.

Способ получения скульптуры зависит от материала:

-пластика — наращивание объёма скульптуры добавлением мягкого материала (глина, воск)

-ваяние — отсекание лишних частей твердого материала (камень и другие материалы)

-отливка — произведение возникает благодаря вливанию в форму расплавленного металла (бронзы, например)

5. Архитекту́ра, или зо́дчество— искусство и наука строить, проектировать здания и сооружения (включая их комплексы), а также сама совокупность зданий и сооружений, создающих пространственную среду для жизни и деятельности человека.

Виды архитектуры:

-Архитектура объемных сооружений проектирует жилые дома, общественные здания (школы, театры, стадионы, магазины), промышленные комплексы (заводы, фабрики, электростанции).

Ландшафтно-парковая архитектура связана с организацией садово-паркового пространства, в которых материалом является ландшафт и естественная растительность. Это скверы, бульвары и парки с «малой» архитектурой, к которой относят объекты функционально-декоративного (ограды), мемориального характера (надгробия), объекты, являющиеся частью городского благоустройства (фонари), носители информации (рекламные щиты).

Градостроительство проектирует и создает новые города и поселки, занимается реконструкцией зданий.

см. также таблицу «Язык архитектуры» из методической папки

6. Декоративно-прикладное искусство— широкий раздел изобразительного искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.

Виды декоративно-прикладного искусства:

Шитьё, Вышивание, Вязание, Художественная обработка кожи, Ткачество, Ковроткачество, Выжигание, Художественная резьба, Рисование по фарфору, стеклу, Мозаика, Витраж, Декупаж, Плетение, Художественная роспись, Лепка из глины

Наро́дные худо́жественные про́мыслы (народное ремесло) — изделия, изготовленные из простых подручных материалов при помощи несложных инструментов. Этот традиционный вид промысла разнообразен творческими видами деятельности, где вещи создаются собственноручно. России известны: Федоскинская миниатюра, Тагильская и Жостовская роспись, Абрамцево-кудринская резьба, Богородская резьба, Ростовская финифть, Палехская миниатюра, Крестецкая строчка, Дымковская игрушка, Вятское кружево, Абашевская игрушка, Каргопольская игрушка, Филимоновская игрушка, Гжель, Тульское оружейное дело, Кубачинская обработка металла и другие.

7. Древнерусская архитектура. Состав дошедших до нас памятников крайне ограничен. Сохранились преимущественно каменные и кирпичные постройки: храмы, реже дворцовые сооружения и крепости. Уцелела лишь ничтожная часть того, что было построено. Ныне существующие памятники древнерусского зодчества очень часто искажены позднейшими ремонтами и перестройками. Деревянные же сооружения, господствовавшие в древнерусском строительстве, практически не сохранились (остались лишь деревянные памятники позднейшего времени, XVII—XVIII веков).

В области жилищного строительства на Руси издавна сложилось два типа построек. Русские жилища северного типа были наземные, со срубными стенами, деревянным полом, двускатной кровлей и большой печью, сложенной из камней. Часто к основному срубу примыкала узкая деревянная галерейка. Южный тип жилища условно называют полуземлянкой. Пол таких домов несколько углублен по отношению к поверхности земли, стены — деревянные, часто присыпанные снаружи землей. Печи — каменные или чаще глиняные. В домах феодалов народный тип срубной постройки композиционно осложнялся: два, три, а иногда и более помещений перекрывали высокими кровлями, украшали декоративной резьбой и, вероятно, росписью. Печи здесь имели дымоходы. В состав княжеского двора входило характерное для Киевской Руси сооружение — гридница — большой светлый зал, служивший местом многолюдных собраний князя с дружиной и пышных пиров.

Образцом для храмовой каменной архитектуры стал византийский крестово-купольный тип храма. Его основой являлось прямоугольное помещение с четырьмя столбами в середине, членившими внутреннее про-странство здания на девять частей. Столбы соединялись арками, поддерживавшими барабан купола. Таким образом, центром храма было подкупольное пространство, залитое светом, проникавшим сверху через окна, размещенные в барабане. Примыкающие к подкупольному квадрату ячейки, перекрытые цилиндрическими сводами, образовывали крестообразную основу плана. Угловые части перекрывались куполами или цилиндрическими сводами. С восточной стороны к зданию примыкали три граненые или полукруглые помещения — апсиды. В средней апсиде размещался алтарь, отделенный от основного помещения храма невысокой алтарной преградой в виде аркады (зачаток позднейшего иконостаса). В западной части здания устраивалось помещение второго яруса — хоры, где во время богослужения находилась феодальная знать. Внутри церкви на стенах, столбах и сводах размещались мозаики и фрески.

Внешний облик храма отражал его внутреннее убранство: на фасадах внутренним столбам от-вечали плоские вертикальные выступы-лопатки. Каждое членение (прясло) фасада завершалось закомарой — полукружием верхней части стены, обычно сответствующим форме внутреннего свода.

Здание возводили из тонкого плиткообразного кирпича (плинфы) и камня на известковом растворе.

Древнейшие храмы - София Киевская, София Новгородская

8. Русская иконопись — развивавшееся в недрах православной церкви изобразительное искусство Древней Руси, начало которому было положено в конце X века крещением Руси. Иконопись оставалась ядром древнерусской культуры вплоть до конца XVII века, когда в петровскую эпоху была потеснена светскими видами изобразительного искусства.

В домонгольский период мастеров фресковой живописи и иконописи приглашали в основном из Византии. Первые русские иконописцы – Алипий и Георгий – вышли из иконописной школы, основанной константинопольскими мастерами в Киево-Печерской лавре.

Иконография - состав изображения: сюжет, лица и их действия, предметы и окружение, композиционное решение. Для иконописи характерен определённый набор сюжетов с традиционными, легко узнаваемыми иконографиями (варьирующимися по времени, географии, конфессиям и школам). Иконография отличается сравнительным постоянством, но допускает иконографические изводы и варианты, с изменением в деталях.

- используется особая система изображения пространства — так называемая «обратная перспектива»: некоторые лица или предметы, изображённые на первом плане, по размерам могут быть значительно меньше тех, которые изображены за ними, чем подчёркивается их значимость; точка схода линий также может быть вывернута на передний план и вынесена за пределы изображения, как бы находясь внутри зрителя.

- в изображении могут сочетаться события, происходившие в различное время и в разных местах, или один и тот же персонаж изображён несколько раз в разных моментах действия.

- все персонажи изображаются в определённых позах и одеждах, принятых иконографической традицией, святость изображенных людей и ангелов подчеркивается сиянием вокруг их голов — нимбами.

- нет определённого источника освещения (светоносно всё изображение), отсутствуют падающие тени, а светотеневая моделировка объёмов уплощена или сведена на нет, при этом объём может создаваться с помощью особой штриховки или тона.

- стилизуются пропорции человеческого тела (удлиняются или укорачиваются), складки одежд, форма горок, архитектуры

- используется особая символика цвета, света, жестов, атрибутов.

Материалы, используемые в иконописи, могут иметь растительное (доска), минеральное (пигменты красок) и животное (яичная основа темперы, рыбный или мездровый клей) происхождение.

На деревянную основу с выбранным углублением — «ковчегом» (или без него) наклеивается ткань — «паволока». Далее наносится меловой или алебастровый грунт — «левкас». Первый этап непосредственно живописной работы — «роскрышь» — прокладка основных тонов. В качестве краски используется яичная темпера на натуральных пигментах. Процесс работы над ликом завершает наложение «движков» — светлых точек, пятен и черт в наиболее напряжённых участках изображения. На заключительной стадии следует роспись одежд, волос и прочих необходимых деталей изображения золотом. По завершении всех работ икона покрывается защитным слоем — натуральной олифой.

Феофан Грек – византийский иконописец, приглашенный на Русь и поселившийся в Новгороде. Наиболее известная из сохранившихся работа – фрески церкви Спаса Преображения на Ильине улице в Новгороде. Также известны книжные миниатюры его работы. Феофан Грек возглавлял роспись ряда московских церквей — это новая каменная церковь Рождества Богородицы в 1395 году, совместно с Семёном Чёрным и учениками, церковь святого Архангела Михаила в 1399 году, роспись которой выгорела во время нашествия Тохтамыша, и церковь Благовещения совместно со старцем Прохором с Городца и Андреем Рублёвым в 1405 году. Также Феофану иногда приписываются иконы деисусного чина из иконостаса Благовещенского собора.

Андрей Рублев - наиболее известный и почитаемый русский иконописец московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Канонизирован Русской православной церковью в лике преподобных. Первое упоминание об Андрее в летописи появилось только в 1405 году, свидетельствующее о том, что Феофаном Греком, Прохором-старцем и чернецом Андреем Рублёвым был расписан Благовещенский собор в Московском кремле; делал росписи с Даниилом Чёрным в Успенском соборе во Владимире. В 1420-х годах Андрей с Даниилом Чёрным он руководил работами в Троицком соборе Троице-Сергиева монастыря. Эти росписи не сохранились. В 1411 или 1425—1427 годах он создал свой шедевр — «Троицу». Икона представляет собой доску вертикального формата. На ней изображены три ангела, сидящие за столом, на котором стоит чаша с головой тельца. На фоне представлены дом (палаты Авраама), дерево (дуб Мамврийский) и гора (гора Мориа). Фигуры ангелов расположены так, что линии их фигур образуют как бы замкнутый круг. Композиционным центром иконы является чаша. Руки среднего и левого ангелов благословляют чашу. В иконе нет активного действия и движения — фигуры полны неподвижного созерцания, а их взгляды устремлены в вечность.

Рублёв скончался во время морового поветрия 1428 года в Москве, в Андрониковом монастыре, где весной 1428 года выполнил свою четвёртую известную по летописям работу — фрески Спасского собора.

Диони́сий— ведущий московский иконописец и мастер фресок конца XV — начала XVI веков. Считается продолжателем традиций Андрея Рублёва. Самая ранняя из известных работ — росписи собора Рождества Богородицы в Пафнутьевом Боровском монастыре. Неоднократно работает в Иосифо-Волоколамском монастыре: там он пишет иконы для соборной церкви Успения Богоматери, возглавляя живописную артель. Последние документально засвидетельствованные произведения, и, вероятно, наиболее известные работы Дионисия — стенные росписи и иконостас собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря, выполненные мастером вместе со своими сыновьями Феодосием и Владимиром.

9. В 17 веке непререкаемым авторитетом в области искусства стала Москва. В Оружейной палате собираются лучшие творческие силы. Нарядный, декоративный характер искусства. Декоративность и нарядность архитектуры – как светской, так и религиозной. Ярославль, Кремль Ростова Великого. Сохранились весьма интересные и своеобразные храмы в Костроме, Муроме, Рязани, Великом Устюге, Горьком, Саратове, Угличе, Суздале и во многих других городах. Новое во фреске и иконе – миниатюрность, детальность. Развитие орнамента.

В 18 веке перестройка всего в государстве, включая и искусство. Приглашаются архитекторы и художники из-за границы, русских мастеров отправляют учиться в Европу. Развивается искусство портрета, парадный портрет. Художники – портретисты Рокотов, Левицкий, Боровиковский.

Для архитектуры барокко (Б. Ф. Растрелли в России) характерны: пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусные, как у собора Св. Петра в Риме

В России предпосылки стиля барокко появляются в XVII веке (так называемое «нарышкинское барокко» не является барокко в полном смысле этого слова, как и «голицынское барокко»). В XVIII веке в правление Петра I получает развитие в Санкт-Петербурге и пригородах в творчестве Д. Трезини — так называемое «петровское барокко» (более сдержанное) (Кунсткамера, Лефортовский дворец), и достигает расцвета в правление Елизаветы Петровны творчестве С. И. Чевакинского и Б. Растрелли (Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф).

Русский классицизм — стиль в искусстве, возникший в России в процессе европеизации при Екатерине II, и распространённый во второй половине XVIII — первой половине XIX веков. Господствующими становятся идеи патриотизма и гражданственности, создания «нового отечества», внесословной ценности человеческой личности. В античности, находят пример идеального государственного устройства и гармоничных соотношений человека с природой. Особенностью русского классицизма в архитектуре являлось эклектическое сочетание в одном произведении разностилевых элементов, отход от жёстко регламентированных приёмов и форм классицизма.

В раннем русском классицизме (1760—1770 гг.) ещё сохранялась пластика и динамика форм, присущих барокко и рококо, в эпоху зрелого классицизма (1770—1790 гг.) появились классические типы дворца-усадьбы и крупного жилого дома, ставшие образцами строительства загородных дворянских усадеб и парадной застройки российских городов. К раннему русскому классицизму относят архитекторов Ж. Б. Валлен-Деламота, А. Ф. Кокоринова, Ю. М. Фельтена, К. И. Бланка, А. Ринальди. Архитекторы зрелой поры классицизма — Дж. Кваренги, Ч. Камерон, И. Е. Старов в Санкт-Петербурге, В. И. Баженов и М. Ф. Казаков — Москве.

В результате крупного градостроительства на рубеже XVIII—XIX веков возникли городские ансамбли центра Петербурга (А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, К. И. Росси) и Москвы (Д. И. Жилярди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев), застраивающейся после пожара 1812 года. К этому же стилю относятся ансамбли городских центров Костромы, Твери, Ярославля. (Адмиралтейство, Таврический дворец, Казанский собор (Санкт-Петербург), Здание Главного штаба (Санкт-Петербург), Здание Сената и Синода)

10. Зачатки светского портрета относят ко времени правления Ивана III и Василия III — с надгробными портретами, а также с упоминанием традиции, когда изображения великих князей при сватовстве посылались в Западную Европу. Но первые русские портретные образы конкретных личностей дошли лишь от начала XVII века. Только в этот период был сделан шаг от иконописного «лика» к индивидуальному лицу. В XVII веке на Руси возникла парсуна — портрет, который по стилю, приёмам и материалам живописи первоначально ничем не отличаются от икон. Они создавались как надгробные, мемориальные образы, поэтому очевидна их связь с религиозной мыслью. Парсуна была прямой предшественницей портрета.

Начиная с Петровского времени, портрет в русском искусстве вышел на 1-е место по степени распространённости и качества. Портрет «фактически взял на себя основное бремя освоения художественных принципов Нового времени». К 1760-м годам портретное искусство было уже широко освоено не только при императорском дворе, но и в отдалённых помещичьих усадьбах. В 1760—1780-х годах многие черты русского портрета XVIII века определяются окончательно. К этому периоду относится появление таких мастеров русского портрета, как Алексей Антропов, Иван Петрович Аргунов, Антон Лосенко. К концу XVIII века русский портрет по своему высокому уровню качества сравнялся с современными ему мировыми образцами. Его представителями являются Фёдор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Владимир Боровиковский. Генеральная линия развития официального портрета большого стиля была представлена в конце столетия произведениями Степана Щукина (1762—1828).

Левицкий и Рокотов проделывают путь от парадного и полупарадного портрета к камерному. К концу века русской портретной школе свойственна деликатность, подчеркнутая вдумчивость, сдержанная внимательность, некая добропорядочность и благовоспитанность без потери элегантности.

Дми́трий Григо́рьевич Леви́цкий - русский художник-живописец украинского происхождения, мастер парадного и камерного портрета. Академик Императорской Академии художеств. Уже в ранних работах показал себя первоклассным мастером парадного портрета, способным найти выразительную позу и жест, сочетать интенсивность цвета с тональным единством и богатством оттенков. Вершиной творчества Левицкого — и всего русского портрета XVIII века — стала серия портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц, написанная в 1773—1776 годах. Серия «Смолянок» — шедевр мирового искусства (все портреты находятся в Русском музее). Написал также множество портретов императрицы Екатерины II .В 1780-х годах художник создал уникальную портретную галерею деятелей русской культуры.

11. Критический реализм по-новому изображает отношение человека и окружающей среды. Человеческий характер раскрывается в органической связи с социальными обстоятельствами.

9 ноября 1863 года 14 самых выдающихся учеников императорской Академии художеств, допущенных до соревнования за первую золотую медаль, обратились в Совет Академии с просьбой заменить конкурсное задание (написание картины по заданному сюжету из скандинавской мифологии «Пир бога Одина в Валгалле») на свободное задание — написание картины на избранную самим художником тему. На отказ Совета все 14 человек покинули Академию. Это событие вошло в историю как «Бунт четырнадцати». Именно они организовали «Санкт-Петербургскую артель художников» позже, в 1870 году некоторые ее члены вошли в «Товарищество передвижных художественных выставок».

Товарищество передвижных художественных выставок (Передви́жники) — объединение российских художников, возникшее в последней трети XIX века и просуществовавшее до 1923 г. В эстетическом плане участники Товарищества, или передвижники, до 1890-х гг. целенаправленно противопоставляли себя представителям официального академизма. В числе основателей общества были И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, Н. Н. Ге и В. Г. Перов. В своей деятельности передвижники вдохновлялись идеями народничества. Организуя передвижные выставки, передвижники вели активную просветительскую деятельность и обеспечивали сбыт своих произведений.

Искусство передвижников оказалось востребованным в российском обществе. Большую роль в развитии искусства передвижников играл известный общественный деятель, исследователь искусства и критик В. В. Стасов; коллекционер и меценат П. М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения передвижников, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Многие из работ передвижников были сделаны по заказу Павла Михайловича Третьякова.

см. отдельные статьи по творчеству И. Репина, В. Сурикова, И. Левитана, В. Серова САМОСТОЯТЕЛЬНО в любой энциклопедии, кратко! перечень основных произведений, тематика творчества

12. Художественные объединения кон 19 нач20 века.

Мир искусства (1898—1924) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы. После 1904 года объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав Союза русских художников. После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование в 1924 году.

Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.

Союз русских художников— объединение, которое возникло в 1903 г. в Москве. Его ядро составляли Константин Юон, Абрам Архипов, Игорь Грабарь, Аркадий Рылов. Их стиль соединял реалистические традиции передвижников и опыт импрессионизма в передаче воздуха и света. художники тяготели к пейзажу и жанровой живописи.

Выставка «Голубая роза», организованная на средства мецената и издателя «Золотого руна», художника-любителя Н. Рябушинского открылась 18 марта 1907 г. в Москве. Живописные и графические работы четырнадцати художников — П. Кузнецова, П. Уткина, Н. Сапунова, М. Сарьяна, С. Судейкина, Н. Крымова, А. Арапова, А. Фонвизина, Н. и В. Милиоти, Н. Феофилактова, В. Дриттенпрейса, И. Кнабе и Н. Рябушинского. Здесь же располагались скульптурные работы А. Матвеева и П. Бромирского. Звучала музыка русских композиторов в исполнении лучших музыкантов, читали свои стихи Андрей Белый и В. Брюсов.

Название выставки и объединения, а также стилистика работ участников тесно связаны с эстетикой символизма. Голубой цвет — цвет неба, воды, бесконечного пространства — как бы олицетворял поэтическую мечту и реальность, тоску и надежду.

Объединение «Голубая роза» прекратило свое существование в 1910 г.

БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ - крупнейшее объединение раннего авангардав России. В качестве учредителей выступили Кончаловский, Куприн, Машков, Рождественский.

В 1910 году выставка молодых художников с эпатажным заголовком Бубновый валет. Налет скандальности был заключен в выражении "бубновый валет", ассоциировавшимся тогда со следующими понятиями: так называли каторжников, на арестантских робах которых был нашит бубновый туз; старинное французское жаргонное толкование самой игральной карты "плут, мошенник".

Единой базовой платформой для членов нового союза явился отказ от академических традиций, стремление к "новому искусству", творческой свободе

В 1916 - 1917 гг. произошел очередной раскол: Кончаловский, Машков, Куприн, Лентулов, Рождественский, Фальк и другие умеренные художники вышли из группировки в знак протеста против активного внедрения в экспозицию супрематических произведений Малевича и его сторонников. Вслед за этим объединение Бубновый валет фактически прекратило свое существование.

см. отдельные статьи по творчеству М. Врубеля, К.Коровина, Б. Кустодиева САМОСТОЯТЕЛЬНО в любой энциклопедии, кратко! перечень основных произведений, тематика творчества

13. Социалистический реализм (соцреализм) — художественный метод литературы и искусства (ведущий в искусстве Советского Союза и других социалистических стран), представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества

Пролеткульт - культурно-просветительнвая, литературно художественная организация, возникшая накануне Октябрьской Революции и существовавшая до 1932 г. Утверждали, что пролетарская культура может быть создана только! Представителями рабочего класса. Отрицалось все культурное наследие. Луначарский наладил диалог, временную связь с русской интеллигенцией.

Довольно пёструю картину являло собой и изобразительное искусство 1920-х. В нём выделилось несколько группировок. Наиболее значительной была группа «Ассоциация художников революции». Они изображали сегодняшний день: быт красноармейцев, рабочих, крестьянства, деятелей революции и труда. Они считали себя наследниками «передвижников». Они шли на фабрики, заводы, в красноармейские казармы, чтобы непосредственно наблюдать жизнь своих персонажей, «зарисовывать» её. Именно они стали основным костяком художников «соцреализма».

Принципы соцреализма

- Народность. Под этим подразумевалась как понятность литературы для простого народа, так и использование народных речевых оборотов и пословиц.

- Идейность. Показать мирный быт народа, поиск путей к новой, лучшей жизни, героические поступки с целью достижения счастливой жизни для всех людей.

- Конкретность. В изображении действительности показать процесс исторического развития, который в свою очередь должен соответствовать материалистическому пониманию истории (в процессе изменения условий своего бытия люди меняют и своё сознание, отношение к окружающей действительности).

Монументальная пропаганда (также ленинский план «монументальной пропаганды») — выдвинутая в 1918 году В. И. Лениным программа развития монументального искусства и его мобилизация в качестве важнейшего агитационного средства революции и коммунистической идеологии.

-определить список и снять памятники, не представляющие исторической и художественной ценности, воздвигнутые «в честь царей и их слуг»;

-организовать конкурс на проекты памятников, «долженствующих ознаменовать великие дни Российской социалистической революции» и установить первые модели памятников «на суд масс»;

-произвести замену надписей, эмблем, названий улиц, гербов и т. п. новыми, отражающими «идеи и чувства революционной трудовой России»;

-провести декорирование Москвы к празднованию Первого мая

Был утвержден список из 66 фамилий революционеров, общественных деятелей, писателей, философов, художников и актеров, которым нужно поставить памятники в Москве и других городах Советской Республики. Начался варварский, намеренно театрализованный снос дореволюционных памятников.

В проектах, выполненных по плану «монументальной пропаганды», принимали участие скульпторы и архитекторы ставшие впоследствии известными мастерами советского искусства: Сергей Конёнков, Вера Мухина, Александр Матвеев, Иван Шадр и другие.

! посмотрите статью «План монументальной пропаганды» в Википедии, там есть список памятников, установленных в рамках этого плана. Все учить не надо, что запомните для общего развития.

14. Годы Великой Отечественной войны представляют особый период в истории советского искусства. Война поставила перед художниками свои задачи: необходимо было не только правдиво отображать тяжесть народной жизни, патриотический подъем и подвиг народа, но прежде всего активно включиться во всенародную борьбу с врагом, воспитывать чувства гражданина и воина.

В первые же дни войны сотни художников ушли а фронт. Художники-воины и на фронте не бросали искусства. В перерывах между боями в походных альбомах они делали наброски бойцов, пейзажей войны, сражений. Эти зарисовки помещались во фронтовой печати, стенных газетах, боевых листках.

В январе 1942 года в осажденном Ленинграде открылась первая военная художественная выставка. Вскоре эта выставка была переведена в Москву, а затем побывала и в других городах Советского Союза Работы ленинград