Билет. Характерные черты

6 Билет

6.1

Барокко искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков

Барокко искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков. В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам». Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину).Художники Барокко: Караваджо, Карраччи, Рубенс, Рембрант

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером.

Классицизм (проверь ссылку на слове.

Художники Барокко: Караваджо, Карраччи, Рубенс, Рембрант

Конец XVII – начало XVIII вв. ознаменован в Европе кризисом абсолютизма.

Формируется новая культура. XVIII век – век Просвещения, век Разума. По всей Европе пересматриваются моральные ценности. Во всех сферах деятельности человека выступает светское начало. Развиваются точные и естественные науки. Распространяются идеи Вольтера, Руссо, Монтескье, Шиллера, Гете.

Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV.

В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.

Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо.Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными».

Критики называли рококо модной причудой, которая возникла и быстро прошла, они осудили художественный направление за несерьезность и безвкусицу. Некоторые отмечали, что рококо – это презентация распущенности, пропаганда бесцельности существования.

Характерные черты

Изображение беззаботной жизни представителей высших слоев общества. Картины не несут никакого негатива, будто бедности, проблем нет в мире. Смотря на полотна художников рококо, мы не увидим жестоких реалий времени, социальных проблем.

Элегантно одетые дворяне во время игры в пасторальных ландшафтах.

Характерны сцены ухаживания, романтики, веселья, игривости и сексуальные символы. Все, изображенное на полотне, воплощает красоту и беззаботность.

Возрастание интереса к мифологическим темам.

Для эпохи характерны пастельные цвета, то есть мягкие и светлые оттенки, гармонично дополняющие друг друга.

В то время как некоторые церкви были построены в и оформлены в стиле рококо, как правило, религиозный элемент не существовал в живописи.

Декоративная перегруженность картин, пышность – эти черты отсылают нас к стилю барокко.

Изящная орнаментальность.

Художники часто изображали херувимов.

На смену монументальности приходит камерность, интимность.

Характерной чертой является эротизм.

С барокко стиль связывает пышность, тяга к излишествам, доминирование плавных линий, завитков.

Ф.Буше (Франция)

Один из крупнейших представителей, работавший в портретном и пейзажном жанрах.

Картины:

Восход солнца, Заход солнца, Триумф Венеры, Купание Дианы

А.Ватто (Франция)

Доминирует тематика праздников, развлечений

Отплытие на остров Цитеру, Венецианский праздник,Серенада

Дж.Тьеполо (Италия Венеция)

Работал над созданием декора для интерьера, преимущественно, фресок.

Художники Венеции создавали полотна с иллюзорными изображениями архитектурных сооружений, видов города. С расстояния пейзажи кажутся объемными.

6.2

Французский романтизм.

Романтизм (Romanticism), идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма

Делакруа Эжен (Delacroix, Eugene) (1798-1863 гг.), величайший французский живописец-романтик. В 1822 г. Делакруа выставил в парижском Салоне картину "Ладья Данте", которая была куплена правительством, что открыло перед Делакруа возможность головокружительной карьеры. Делакруа, как правило, предпочитал брать за основу своих полотен драматические сюжеты. Увлекался экзотическими мотивами, особенно после поездки в Марокко в 1832 г. Кроме того, он вошёл в историю живописи как автор портретов, отмеченных особой одухотворённостью. После 1830-х гг. Делакруа занимался оформлением общественных зданий Парижа.

Художественной манере Делакруа свойственны исключительный динамизм, глубоко эмоциональный накал и мажорный колорит, которые оказали большое влияние на Ренуара, Сёра и Ван Гога. Делакруа был и прекрасным литератором и издателем; его "Журнал" отражает взгляды Делакруа на современную ему жизнь.

Описание картины «Резня на Хиосе»

Эту картину размером четыре на три с половиной метра Эжен Делакруа писал полгода, а потом взял и полностью переписал за 15 дней! История длинная, страстная и отчаянная, так что обо всем по порядку.

В сером, бесцветном Париже, истерзанном войнами и революциями, так не хватало ярких красок и эмоций. Делакруа ходил в гости к некоему господину Огюсту, художнику, который прокатился по Греции, Египту и Сирии и привез оттуда оружие, одежду, курительные принадлежности, посуду и ковры и, конечно, акварели. Казалось, что именно там, на Востоке, сосредоточена вся страсть и блеск этого мира. И так случилось, что именно в это время увлечения Востоком главным событием в парижских газетах становится великая Греция – Греция восстает против господства турок. Жители острова Хиос в мятеже не участвовали, но восставших поддержали, за что жестоко поплатились. В 1822 году здесь погибли 25 тыс. человек, а еще 45 тыс. были проданы в рабство. Кому-то удалось сбежать с острова, а немногих оставшихся в живых обратили в ислам.

После долгих метаний от библейских сюжетов к средневековым Делакруа находит тему, которая доводит его до исступления. Несчастная Греция. Он рисует сотни этюдов с лошадей в манеже, он находит на улице смуглую худенькую девочку и просит ему позировать. Она кажется Эжену гречанкой, лишившейся родителей. Еще не обозначено, еще невнятно его преследует сложнейшая задача и мечта: передать не только сюжетный ужас события, но и собственное волнение от этих событий. Напрямую в сердце зрителя. А для этого нужно изобрести новый живописный язык.

Художник проделал грандиозную работу, но вызвал настоящую волну возмущения. Начиная с этого года и еще надолго к нему прилипнет мрачное прозвище – «художник морга, чумы и холеры».

7 Билет

7.1

Важную роль в искусстве Франции в период между революциями 1830 г. и 1848 г. сыграло реалистическое направление в пейзажной живописи — т. н. барбизонская школа. Хотя произведения мастеров барбизонской школы отличаются правдивостью и объективностью, в них всегда чувствуется настроение автора, его эмоции и переживания.

Сентиментализм (от фр. sentiment — чувство) – направление в литературе и живописи, доминирующее в европейской культуре с 20-х по 80-е годы XVIII века. Для сентиментальных произведений характерны чувственность, любовь к природе, стремление уйти от городской суеты, отсутствие негативных аспектов или критических ситуаций. Герои произведений в стиле сентиментализм – как правило, простые люди, способные довольствоваться малым и находить удовольствие в милом и светлом беспроблемном существовании.

Признанный мастер стиля – французский художник Жан-Батист Грез, картины которого наполнены эмоциональностью и назидательностью, а временами и вовсе слащавы. Этот мастер был настолько поглощен моральным аспектом своих картин, что некоторые из них сопровождались его пояснительными комментариями. Сентиментализм редко становился основополагающим направлением в творчестве художников. Тем не менее, приемы этого стиля в той или иной степени использовали многие живописцы. К примеру, сентиментализм отчетливо читается во многих картинах английского художника Томаса Гейнсборо. Чистота и чувствительность были присущи некоторым работам французов Луи-Леопольда Буальи и Жана Шардена.

Реализм (от позднелатинского reālis — «действительный») принято рассматривать как начало развития современного искусства. В буквальном смысле «реализм» — художественный стиль, который правдиво и объективно воспроизводит действительность во всех ее подробностях, вне зависимости от степени красоты изображаемого на картине. Можно сказать, что с философской точки зрения реализм подхватил прогрессивные цели модернизма, стремясь к новым горизонтам через пересмотр и опровержение традиционных систем ценностей и верований. Повседневная жизнь и современный мир стали подходящими объектами для искусства, призванного точно и объективно зафиксировать действительность.

Антуан Ватто — первый и главный сочинитель эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и занятия аристократов.

Герои Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Крупнейшим представителем барбизонской школы был Теодор Руссо, который, будучи уже известным пейзажистом, отошел от академической живописи.

В то же время произведения Руссо показывают, что художник, манера которого сформировалась под влиянием академического искусства и живописи старых мастеров, не смог, как ни старался, решить проблему передачи световоздушной среды. Поэтому свет и колорит в его пейзажах чаще всего носят условный характер.

Искусство Руссо оказало большое влияние на молодыгх французских художников. Представители Академии, занимавшиеся отбором картин в Салоны, старались не допустить работы Руссо на выставки.

7.2

Франсуа Огюст Рене Роден– французский скульптор, основоположник современной скульптуры, в одиночку открывший новую эпоху в этом виде искусства.

Известные скульптуры Огюста Родена: «Мыслитель», «Поцелуй», «Граждане Кале», «Бронзовый век».

К концу XIX века Роден стал самым известным и востребованным скульптором Франции.

Описание работы «Граждане Кале»

Статуя без пьедестала! Шесть раскиданных по площади фигур.

Памятник в честь героического поступка, совершенного жителями города Кале во время Столетней войны. Английский король Эдуард III после долгой осады города предложил изможденным жителям сдаться. Но 6 самых знатных и почитаемых горожан должны прибыть в лагерь английского короля – отдать ключи от города и умереть. 6 фигур героев Кале он разместит прямо на улице, чтобы прохожие могли буквально заглянуть в глаза каждому, почувствовать себя частью происходящего. Каждая из фигур демонстрирует разную реакцию на ожидаемую гибель: готовность, решимость, отчаянье, ужас, смирение, растерянность. Они еще не знают, что жена английского короля вымолит у мужа для них помилование – и поэтому готовятся к смерти.

8 билет

8.1

Испания

В XVIII веке пришел к концу золотой XVII век искусства Испании. При бурбонских королях уже работали иностранцы. Король Фердинанд VI основал Академию искусства Сан Фернандо, членами которой состояли художники из Венеции и Италии. Следующий король Карл III назначил своими придворными живописцами художника из Саксонии Антонио Менгса и знаменитого венецианца Джованни Баттиста Тьеполо. После них Карл III

назначил своим придворным живописцем Франсиско Байеу, имя которого увековечил его ученик, будущий гениальный художник Франсиско Гойя.

Франсиско Гойя Лусиентес (1746-1828)

Франсиско Гойя родился в деревне Сарагосы в семье ремесленника. Учился у местного художника Хосе Мартинеса. В 1775 г. переезжает в Мадрид и работает в мастерской Франсиско Байеу, придворного художника короля Карла III. Через него Гойя получает заказ на оформление столовой дворца Эскориал и для Королевской шпалерной мануфактуры, для которых написал картоны на тему испанской народной жизни. Последующие годы пишет портреты уже по заказам короля и его окружения. В 1785 г. Гойя избирается вице-президентом Королевской Академии художеств. После смерти Карла III в 1789 году назначается придворным художником Карла IV. Но титул придворного художника несопоставим с искусством Гойи. Он был свидетелем политического и экономического кризиса страны, разочаровался во власти абсолютной монархии и методах католической церкви против свободомыслия испанской интеллигенции, поддержавшей французскую революцию 1789 года. Творчество Гойи передает глубокое личное переживание за трагическую судьбу своей страны, своих современников.

Графика Гойи. В 1793-1797 гг создает серию офортов «Капричос» из 80 листов, где в фантастической форме, применяя аллегории, метафору, высмеивает зло, насилие, мракобесие, невежество церкви, тупость аристократии. Каждый лист сопровождается подписью и авторским комментарием. Серию предваряет автопортрет художника, изображенный в профиль с задумчивым выражением лица. Самый известный лист «Сон разума рождает чудовищ» объясняет роль реальности и фантазии в искусстве. Он сопровождается подписью «

«Да простит ее бог, то была ее мать» - трагедия матери, приехавшей из провинции в город и узнавшей в проститутке свою дочь, которая не захотела ее признать. «Точь в точь» - льстивый художник-обезьяна пишет портрет осла, превращая его в гривастого льва. Острый политический смысл несут листы «Ты, которому невмоготу» о том, как дворяне-ослы сидят на шее крестьян; «Доносчики», «Какие золотые уста», «Что может сделать

портной» - о лживости служителей церкви.

Захват Испании войсками Наполеона в 1808 г., вызвал подъем

патриотических сил страны; началась национально-освободительная война народа за независимость. Героической борьбе испанского народа против нашествия наполеоновских войск, беспределу и жестокости врага Гойя посвятил серию «Бедствия войны», законченную после окончания войны (1810-1820). 82 листа выполнены в смешанной технике акватинты и офорта.

сонных грезах порождает чудовищ, но в сочетании с разумом фантазия становится матерью искусства и всех его чудесных творений». Все надписи объясняют позицию художника по отношению к явлениям жизни и

Когда разум спит, фантазия в

нравственному поведению своих современников. Вот некоторые листы:

Большинство листов об ужасах войны подписано автором «Я это видел», «Это правда» и т.д. Появляются и положительные образы героев войны. Лист «Какая доблесть!», где изображена хрупкая молодая женщина Мария Агостина у тяжелой пушки на груде трупов, стал символом героического подвига народа. После «причуд» «Капричоса» в серии «Бедствия войны» выведены реалистические образы, подмечены точные детали при обобщении и героизации положительных героев и острой гиперболизации образа врага.

К поздней графике относится серия «Диспаратес», которая была издана в 1864 г. под названием «Пословицы» из 28 листов. Фантастические офорты, трагичные и зашифрованные, созвучны с росписями Дома глухих. Листы «Бессмыслица», «Летающая глупость» и др.

8.2

Тема 31. Постимпрессионизм

К концу 1880-х годов импрессионизм теряет свои передовые позиции. В погоне за мимолетным ощущением, за игрой света и цвета художники ограничивались этюдами и потеряли интерес к разнообразию и материальности предметного мира, к внутреннему миру человека. В поисках иного пути в живописи часть художников перестала участвовать в выставках импрессионистов. Родилось новое течение, получившее условное название постимпрессионизм. Наиболее яркими его представителями были Поль Сезанн, Поль Гоген, Ван Гог. В отличие от импрессионистов у них не было единой художественной концепции. У каждого из них своя программа.

Поль Сезанн (1839-1906). Долго шел к признанию. Учился немного в Академии Сюиса в Париже. Салоны не принимали его картины. Участвовал в выставках импрессионистов при поддержке Писсарро и Эмиля Золя. В 1895 г. коллекционер Амбруаз Воллар организовал его первую персональную выставку, после которой обрел много сторонников его живописи. Сезанн ставил задачу возродить утраченную импрессионистами пластическую материальность живописи и трехмерность пространства картины, приблизить классику к современности. Изучал классическое искусство от Пуссена до Курбе. Он хотел создать «нечто великое, вечное, как искусство музеев». В картине «Девушка у пианино. Увертюра к Тангейзеру"(1869, Эрмитаж, Санкт-Петербург) обращается к музыке Рихарда Вагнера, которая стала символом нового искусства. Сдержанный и напряженный колорит, основой которого стал контраст белого и черного, создает романтическую

приподнятость настроения.

В портретах моделирует объем цветовыми контрастами В изображении человека привлекал не характер, а весомость и объем фигур, значительность личности (Автопортрет 1880. ГМИИ - Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). В природе Сезанн находит эпичное, не мимолетное ощущение. Обобщенные формы, крупные цветовые массы пейзажей передают вечное, устойчивое в природе (Гора св. Виктория. 1898. Эрмитаж, Санкт- Петербург). Свое понимание живописи он настойчиво вкладывал в многочисленных натюрмортах. Строит пространственные объемы четкими гранями цвета, добивается гармоничного равновесия предметов. В пластических объемах предметов угадывается внутреннее их пластическое строение. Сезанн стал родоначальником направления в живописи, приведшего Пикассо к кубизму. Есть основание называть Сезанна

основоположником кубизма.

Натюрморт был для Сезанна вторым после пейзажей. Его Натюрморт с Яблоками и Апельсинами был написан между 1895 и 1900. Аранжировка фруктов, бутылок, тарелок и приведенной в беспорядок ткани на поверхности стола в натюрмортах Сезанна не предполагает потребления еды или напитка; это – сфероиды или цилиндрические тела. Действительностью пренебрегают; один из краев стола может скрываться под скатертью, когда другой будет торчать из под нее, и две стороны бутылки могут резко отличаться. Не замечал Сезанн, что его поиск цвета приводит к таким несоответствиям в отображении формы, или же выбирал деформации сознательно, никто уже не определит. Сезанн воспринимал предметы как меры формы и цвета, но они также обладали для него сильным психологическим значением.

Для своих редких картин с изображением людей Сезанн выбирал предметы столь же тихие, безличные, и отдаленные, как его натюрморты.

ассуждая о натюрмортах, Сезанн утверждал, что нашел «прекрасную формулу». Цвет и построение формы для него неразделимы и эта сторона, наиболее им разработанна, где упорные искания действительно сделали Сезанна большим мастером.

Фрукты Сезанна - это объект для созерцания. Он определяет каждому предмету, каждому цветовому пятну свое место в радостной гармонии изображаемого. Сложность ни чем не ощущается. Художник изобрел в живописной и акварельной практике собственный стиль. Часто предметы простой формы - яблоки, кривобокие кувшины, чашки - в натюрмортах Поля Сезанна соседствуют с драпировками, которые придают гибкость и движение композиции.

9 билет

9.1 Испания

Франсиско Гойя Лусиентес (1746-1828)

портной» - о лживости служителей церкви.

Захват Испании войсками Наполеона в 1808 г., вызвал подъем

Когда разум спит, фантазия в

нравственному поведению своих современников. Вот некоторые листы:

9.2

Винсент Ван Гог (1853-1890). Родился в маленькой деревушке на юге Нидерландов в семье протестантского пастора. Его дядя Винсент и брат Тео были торговцами картинами. В 16 лет поступил на службу в Гаагский филиал крупной художественно-торговой фирмы и стал хорошо разбираться в живописи. Его отправили в Лондон работать в филиале фирмы, где прожил два года. Там он увлекся религиозным учением и решил стать священником,

как и отец, но недолго пробыл в качестве проповедника. Увидев его рисунки, брат Тео посоветовал ему учиться на художника. В 1880 году Ван Гог уехал в Брюссель учиться в Королевской Академии изящных искусств, но через год оставил учебу. Так же быстро закончились занятия в Антверпенской Академии художеств. Таким образом, Ван Гог не получил художественного образования, считая, что «надо самому усердно трудиться, работать самостоятельно». Начал с жанровых картин, типичных для малых голландцев («Едоки картофеля», «Ткач у открытого окна» (1885). Приехав в Париж в 1886 г., Ван Гог познакомился с импрессионистами, изучал в музеях классику, восхищался Милле, Делакруа, японской гравюрой, подружился с

Гогеном. В парижский период за два года создал более двухсот работ: натюрморты, автопортреты, пейзажи. В них чувствуется влияние импрессионизма, но художник по-иному подходит к передаче световоздушной среды. Атмосфера не объединяет формы предметов в одно целое, а помогает выхватить взглядом отдельный элемент из целого. Применяет короткие динамичные мазки «Море в Сент-Марье» (1888, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Зимой 1888 года переезжает на юг Франции— вгород Арль, Меняется и характер его живописи. Главным средством выражения чувств и мыслей художника становится цвет. Об этом художник говорит: «Вместо того, чтобы пытаться точно изобразить то, что находится перед глазами, я использую цвет более произвольно, так, чтобы наиболее полно выразить себя». Динамика цвета и подвижного мазка наполняет жизнью всё

окружающее его пространство – природу, людей и даже неодушевлённые предметы: «Красные виноградники в Арле» (1888, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва) «Спальня Ван Гога в Арле» (1888, Музей Ван Гога, Амстердам), серия «Подсолнухи»..

Ван Гог хотел делиться с другими художниками своим видением искусства. Вместе с Гогеном он намеревался создать «Мастерскую Юга» - Артель, объединяющую художников-единомышленников. Пригласил в Арль Поль Гогена. Но их встреча закончилась трагически. К тому времени Ван Гог страдал психическим расстройством. Ван Гога публика не понимала и не покупала его картины, что весьма болезненно воспринималось Винсентом. Финансовую помощь и моральную поддержку ему постоянно оказывал брат Тео, младше его на четыре года. Винсент провел год в больнице для душевнобольных недалеко от Арля, За это время им было создано более ста пятидесяти картин и около ста рисунков и акварелей. Ощущение безысходности кругового движения заключенных в картине «Прогулка заключенных» (1889, ГРМИИ - Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Москва), портреты доктора Рея из Арля, почтальона Рулена, доктора Гаше, автопортреты, нервное напряжение и динамизм картины «Звёздная ночь» (1889, Музей современного искусства, Нью-Йорк) свидетельствуют о душевном состоянии Ван Гога, весьма остро воспринимающего всё увиденное. Только лечащий доктор Поль Гаше, будучи сам художником-любителем, высоко оценил творчество своего пациента. Последним его произведением Ван Гога является полотно «Пшеничное поле с воронами» (1890, Музей Ван Гога, Амстердам). Творчество Ван Гога предвосхитило последующий в XX веке стиль экспрессионизм.

Автопортреты Винсента Ван Гога

Всего Винсент Ван Гог создал более сорока автопортретов. Большую часть художник создал в Париже с 1886г по 1888г. Сам Винсент говорил об автопортретах : "Трудно познать самого себя. Однако написать самого себя не легче."

Столь обширная автопортретная серия имела особое значение для Ван Гога, очевидно, он вкладывал в нее сокровенный смысл и сверхзадачу, как и в другие свои циклы.

В письмах он обычно охотно и подробно рассказывал о своих замыслах и идеях. Но об автопортретах упоминал редко и скупо. Собственно, только однажды он сделал комментарий к своему автопортрету арльского периода, посланному Гогену в обмен на автопортрет последнего. «Я пытаюсь изобразить на нем не себя, а импрессиониста вообще. Я задумал эту вещь как образ некоего бонзы, поклонника вечного Будды».

10 билет

10.1 Беспечная жизнь аристократии под знаком «любовь и праздники»

вызывает резкую критику у философов-мыслителей

Вольтера, Монтескьё,

Жан Жака Руссо, Дени Дидро,

а затем и в более широких кругах французской

общественности.

Просветительское движение во

Франции развертывается в условиях назревающей революционной ситуации и в конце концов приводит к революции. В 1789-94 годах происходят Великие французские буржуазные революции.

На этом фоне в искусстве наблюдается развитие разных художественных стилевых направлений, востребованных в разных социальных кругах общества. Из них наиболее популярными были рококо, сентиментализм, реализм и неореализм.

Рококо. На смену торжественной пышности и тяжеловесности стиля барокко приходит рококо – стиль камерный, изящный, праздничный, отвечающий вкусам аристократии.

В живописи преобладает тема изящных галантных сцен, пасторалей, праздников и любовных интриг

Антуан Ватто (1684-1721) первым открыл мир интимных чувств и переживаний, мимолетных душевных движений и настроений. Основные темы Ватто: галантные празднества, театр, военные сцены. Преобладает тема романтической любви, пасторальных сцен: «Праздник любви», «»Урок любви», «Общество в парке», «Капризница». Одной из самых известных картин Ватто, ставшей аллегорией рококо, является «Остров Киферы» - мифический остров с храмом Венеры, беспечное место любви

Франсуа Буше (1703-1770) стал после Ватто придворным художником Людовика XV. Буше символизировал единение живописи и прикладных искусств. Главная тема – пасторали сельские, мифологические персонажи, идиллии, множество вариантов Венеры и амуров: «Купание Дианы», «Каллисто и Юпитер», «Триумф Венеры», «Завтрак» и др. Главная тема – пасторали сельские, мифологические персонажи, идиллии, множество вариантов Венеры и амуров: «Купание Дианы», «Каллисто и Юпитер», «Триумф Венеры», «Завтрак» и др.

Сентиментализм. Жан Батист Грез (1725-1805) стал главой сентиментально-морализирующего течения во французском искусстве во второй половине XVIII века.

Идеализация образов и мелодраматизм поступков его героев проникнуты сентиментальной чувствительностью. Сентиментальное восхваление семейных добродетелей демонстрируют «Избалованное дитя» (1760, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), ««Паралитик или плоды хорошего воспитания»» (Эрмитаж). Наряду с подобными картинками он писал идеализированные изображения миловидных девушек, с присущей ему мечтательностью выражения.

Неоклассицизм. Жак Луи Давид (1748-1825). В конце XVIII – начале XIX накануне французской революции в искусство входят новые героические образы, выразителем которых был Давид. Представитель академической классической школы живописи Давид вновь поднял авторитет исторического жанра.Он обратился к истории римской республики, переосмысливая ее в условиях предреволюционной Франции, и стал признанным певцом, затем и непосредственным участником революции 1789 года. Картина «Клятва Горациев» (1784, Лувр) напоминает о том, что ради установления республиканского строя личное приносится в жертву гражданскому долгу.

Следующие картины Давида уже посвящались событиям современности: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791), «Смерть Марата» (1793). Давид – активный участник революционных событий, давал клятву в зале для игры в мяч, был другом вождя революции Марата. В картине убитый молодой жерондисткой Шарлоттой Корде, Марат зажал в руке записку, датированную «13 июля 1793 г.). После поражения революции Давид отказывается от общественной деятельности и уходит в мир отвлеченной красоты. Этому способствовали новые события наполеоновской Франции. При Наполеоне Давид получает звание «первого живописца империи». Написал «Портрет генерала Наполеона» (1798), «Переход Наполеона через перевал Большой Сен-Бернар» (1800). Становится модным стиль ампир в одежде, мебели, прическе: «Портрет мадам Рекамье» (1800, Лувр). После падения Наполеона в 1816 г. Давид отправился в добровольное изгнание и прожил последние годы жизни в Брюсселе.

В изобразительном искусстве 2-й половины XVIII в. идет борьба стилистических направлений в искусстве – рококо, классицизма, реализма, сентиментализма.

10.2

Эжен Анри Поль Гоген

Поль Гоген - великий французский живописец.

Наряду с Винсентом Ван Гогом и Полем Сезанном является основоположником и признанным мастером постимпрессионизма.

Анализ картины

«Кто мы. Откуда мы. Куда мы идём?»

Гоген задумал покончить жизнь самоубийством после завершения этой картины, что он пытался сделать и ранее. Он указал, что картину нужно читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у её ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов». Голубой идол на заднем плане по-видимому представляет то, что Гоген описал как «потусторонний мир». О полноте картины он сказал следующее: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».

Картина является ключевой в новаторском постимпрессионистском стиле Гогена; его искусство подчёркивало чёткое использование красок и толстых мазков, принципов импрессионизма, в то же время стремилось передать эмоциональную или экспрессионистскую силу. Оно возникло вместе с другими авангардными течениями XX века, включая кубизм и фовизм.