Искусство и художники 3 страница

Глава пятая.

ШЕДЕВРЫ И ИЛЛЮСТРАТОРЫ

А теперь давайте попытаемся провести разделительную черту — это «непростительный грех» во второй 20-го века! — между талантливыми художниками и сенсационными иллюстраторами. Перед тем, как я попытаюсь перечислить, что я называю «шедеврами», позвольте мне на мгновение отойти в сторону от темы мастеров и современных школ. На минуту давайте обратим внимание на рисунки, которые демонстрируют (без тени естественного сомнения) настоящий художественный талант. Они «современны» только в том смысле, что нарисованы в двадцатом веке: но, в отличие от современных школ, они получили плохой отзыв в прессе. Это произошло по той причине, что они умеют не только рисовать, но и иллюстрировать, т.е. изображать мысли, чувства, идеи, а не просто иллюстрировать книгу или историческое событие. Они изобретательны, они творческие люди.
Например, если вы хотите увидеть свободный стиль, который был бы и декоративен, и реалистичен, взгляните на «Утку на воде» Джун Карбоне (Carbone). Она выполнена карандашами на водной основе. Джун Карбоне создала реалистическую, сбалансированную, пропорциональную композицию, которая «плывет» в пространстве и (как в экспрессионизме) содержит цвета, которых на самом деле нет. Она это сделала на одном клочке бумаги.
Если вы хотите увидеть солнечный свет на снегу, вам не нужно ждать Ганнибала, который разделит коричневое море, пересекая Альпы. Возьмите «Зимний декор» Лавиры Гатчинс. Если вы хотите увидеть картину, написанную акварелью, где четкость лучше фотографической, возьмите «Медитацию» (1991) Брук Деви или что-нибудь Kautsky. Если вы хотите увидеть настоящий дождь, пар и т.д.(Тэрнер), возьмите любое изображение локомотива У.Н. Фостера, Грифа Теллера или Дж.Б. Денин и «Великий Вестерн» Тернера превратится для вас в локомотив циркового поезда Дамбо.
Натюрморты Даниэля Теннанта, гуашь («Натюрморт с сатиновой подушкой») может сравниться с любой работой с текстурой Веласкеса, Вермеера, Мане, Курбе или Коплея. Теннант умел подобрать текстуру. Он смог показать столовое серебро, клубнику, яблоки, инжир, подушечку, цветы, ящики комода - все на одном полотне. Если вы думаете, что это не требует таланта, то попытайтесь сделать это сами. Дайте волю творческим импульсам в вашем внутреннем мире выразить ваши эмоции осознанно, так, чтобы множество несущественных элементов не превратились в пустую болтовню из журналов «Лайф» и «Тайм» и «Америка сегодня». Вам «нравится» Пикассо, не так ли? Отлично, если вы хотите увидеть его стиль в исполнении талантливого художника (без пресс агента), посмотрите на картины «Летняя мозаика» (1989) Энн Готье или на ее картину «Летняя мелодия»(1989). Женщины-художницы в 1980-е и 1990-е годы были более популярны, чем мужчины, которые выставлялись с абстрактными работами. Картина Деборы Эджертон «Пара на городском рынке»(1989)- это великолепная композиция, изумительной глубины сюжет и море света.
Кто эти люди? Неизвестные «никто», они же талантливые. Они могут решать основные проблемы формы, цвета, композиции и художественного пространства в любом стиле живописи.
Хотите увидеть настоящий шедевр в наивной живописи? Посмотрите на картину «Белый бык» Ройе. Хотите увидеть японский буддизм в западной манере увидеть настоящий изображения? Посмотрите на работы Таккера Смита. Хотите увидеть настоящий солнечный свет, когда на улице светает? Посмотрите на картину Джорджа Монара «Порыв ветра». Его цвета сверкают, художественное пространство реально, объекты сбалансированы, тени положены отлично и содержание интересно. Это «Западный» рисунок.
Календарные иллюстрации Пола Детлефсона заставят вас отнести картины Дюранда, Олстона, Морзе, Коле, Черча и Иннесс обратно в магазин. Можно возразить, что они слишком реалистичны. Тогда взгляните на картину «Ночной зной» (1990) М.Д.Уолтона. Джексон Поллок не смог это уловить, как и не смог понять работу того же автора «Cuff Flow». Эти работы не принадлежат ни к реализму, ни к натурализму, зато эти художники умеют рисовать. Декоративные композиции Деборы Эллис «Ноты грации»(1990) и «Турецкие восторги» доказывают, что некоторые могут изобразить акварелью то, что Миро и Шагал не сумели написать маслом. Если вы хотите увидеть акварель с которой не справился Винслоу Гомер, изучите работы Гордона Хеншела и «Бев» Дулитла.
Картина Фрэнсис Богеро «Ханни и ее дети» отражает дневное освещение лучше ( и это АКВАРЕЛЬЮ), чем Писарро, Мане и Ван Гог могли это сделать маслом. Р.Бронвелл, МакГрю умел рисовать, он мог изобразить абсолютно все, на что смотрел, ничуть не жертвуя своим стилем, за что бы он ни брался. Гари Свонсон умеет рисовать, это видно из его картин «В мире дикой природы». Ни один художник-анималист с 1400 до 1900 годов не достоин даже коснуться его одежды, когда речь идет о том, чтобы «изобразить ее таким образом». Когда вы смотрите в глаза нагруженному слону на картине Грегори Мэнчесса «Слон, груженный цаплями»(1990), вы видите проявление настоящего таланта. Мэнчесс говорил, что его работы находятся где-то посредине между реализмом и абстракционизмом. Так и есть! Держу пари. Это художник-абстракционист, который может рисовать то, что видит. Но Мэнчесс никогда не войдет в историю, потому что ему повезло очутиться в отряде изгоев и рабов, которым не место в «зале славы». Видите ли, Грегори Мэнчесс – свободный ИЛЛЮСТРАТОР. Это не оставляет ему ни малейшего шанса.
Пейзажи Гордона Мортенсена, выполненные резкой по дереву, без всякого сомнения являются шедеврами. Б.Р.Гейт из Дентона, Техас, умеет рисовать. Если говорить о современниках, обратите внимание на Эдда Мелла («Багряные скалы», «День», «Шум поезда», «Голубые холмы», «Красные холмы» и др.), но не заглядывайте в колонку Энди Уорхола.
Любая литография Курьера и Айвса с 1853 по 1898 тяготеет к поп-арту. «Полуночный рейс на Миссисипи» — это шедевр. И «Жизнь в прерии» близка к этому. Ни одна литография не может быть фотографически правдоподобной.
Франс Кляйн подвел черту всем попыткам СМИ с 1900 разрушить и извратить настоящую живопись, передать ее в руки безжалостных аматоров, которые никогда не учились рисовать. Кляйн (1948) сказал: «Критерий ценности рисунка(Держитесь, любезные! Сейчас последует открытие огромной важности) — их, моего, чьего бы то ни было (Как насчет «догматизма»!) — это: ПОНЯТНЫ ЛИ ЭМОЦИИ ХУДОЖНИКА ЗРИТЕЛЮ?
ЭТИМ действительно объясняется гений Винсента Ван Гога: вы отстраняетесь от принятых догм и судите все произведения искусства по своим собственным стандартам, и ваши стандарты исключают содержание, композицию, художественное пространство, реальность и способность рисовать.
Вся современная школа не имеет названия. Ее следовало бы назвать «эмоционализмом». Техника, мастерство, баланс, глубина, цвет и форма не играют роли. Вопрос в том: «Сумел ли какой-то сумасшедший истерик выразить свою истерию?». «Смог ли развратный сексуальный извращенец выразить свою похоть?». «Сумел ли недисциплинированный испорченный сопляк выразить то, что он ЧУВСТВУЕТ во время вспышки раздражения?» (Я ничего не преувеличиваю. Вернитесь и перечитайте Кляйна). «Выразил ли ленивый расточитель, никогда в жизни не делавший никакой работы, свой страх перед физическим трудом?». Марк Роско говорит: «Я рисую большие картины, потому что хочу изобразить… ИНТИМ. Большая картина – это мгновенное взаимодействие; она вовлекает вас в себя.
Но Роско никогда не писал картин, больших или маленьких.
Марк Роско производил большие полотна безвкусной мазни, где цвета настолько дисгармонировали, что это даже не походило на декоративный узор.
Адольф Готлиб, который не в состоянии был раскрасить свои ногти, сказал: «Мы предпочитаем простое выражение сложных мыслей. Мы за простые формы, потому что они выглядят непосредственно (Ну, как вам ТАКОЕ про «живопись»!), мы за простые формы, потому что они уничтожают иллюзию и воскрешают правду».
«Очисти их своей правдой: твое слово правда».
«Истина сделает вас свободными».
«Я есть путь, истина и жизнь».
«И потому я говорю вам правду».
«И если я говорю вам правду, почему же вы не верите мне?».
Современные художники не являются новоиспеченными экспертами. Они не могут узнать правду или «истину» из речей Мартина Лютера Кинга-младшего.
Причина, по которой современные притворщики — их нельзя назвать художниками — предпочитают «простые выражения» мыслей и чувств состоит в том, что они столь поверхностны и неопытны в живописи, что не могут выразить сложную мысль, или даже мыслишку. Они за «простые формы», потому что любой пятилетний ребенок (или дикарь из тропического леса) может изображать простые формы. И единственная правда (см. выше) основывается на детском подходе, — примитивные цвета, скупо разбросанные по поверхности уничтожают иллюзии. Это если зритель питает какие-то иллюзии насчет авторского таланта! Те, кто рисует столь жалкие изображения, очевидно, не художники и не умеют рисовать. Их работы свидетельствуют о их несовершенстве и отсутствии таланта. Они, действительно, «истина» и «без иллюзий».
Переходим от импровизаторов, притворщиков, подражателей и аматоров, позволим себе судить о мастерах по стандартам живописи, вместо стандартов Life, Time, Newsweek, CBS, NBC, ABC, US Today, Национальной Галереи или промоутеров на рынках живописи.
Сейчас мы будем судить мастеров по реальным критериям вместо потока философских высказываний, мистических идей, эмоциональных всплесков и просто лжи.
Живопись Джотто (1267-1337) и католических школ в Сиене, Пизе, Риме, Луцце и Ареццо довольно ограничена: все они римо-католики, охваченные лишь своим толкованием идей Рима. Когда в Тоскане, Орканге, Венеции, Лоренце, Пизе, Орланде, Рузути и т.д. рисовали ангелов, все они оказывались похожими на женщин с крыльями аиста из Книги пророка Захарии, 5. Работы «Мадонна и сын» позаимствовали византийский стиль; нет ни одной оригинальной. Парнокопытные Антихристы (см. «Печать Зверя», 1959) проглядывают почти во всех «детках на руках». Круги нимба, подобные НЛО, вокруг голов Марии и Христа присутствуют почти на всех картинах. Этот ореол является знаком Бога Сына и отображен в католических клерикальных канонах, круглая тонзура и католическая вода (см. Два Вавилона Хислопа). Вода — это стилизация под Исход 16:14, как известно верующим и знающим Библию.
Искусство «раннего христианства» (в римо-католическом клише) — сатанинское.
Ранние итальянские мастера создавали прекрасные формы, некоторые из них ваяли по восточному (греческому) образцу. Пизанцы умели создавать хорошие статуи («Избиение младенцев», 1301). «Мадонна» Дуччо — это дьявольская «Королева Небес» (см. Ер. 44), а ее «сын» — это сын Погибели с расставленными в раскорячку пальцами и другими частями тела (1285). «Распятие» Чимабуе — довольно прогрессивная вещь для того времени (1280), она напоминает Беккмана (20 век). Но картина лишена глубины, и пропорции столь же плохи, как у экспрессионистов двадцатого века. «Распятие» Дуччо примитивно, нереалистично, карикатурно, ему не хватает атмосферы и реализма.
Джотто был мастером «фрески». Он создал серию работ (панелей) для Аренской Капеллы, их там сорок. Композиция каждой хороша, наиболее употребляемые сочетания цветов приятны — чередования голубого, желтого, красного и зеленого. Все в пастельных тонах. К несчастью, двенадцать панелей связаны с римо-католической мифологией, с рождением, взрослением (и безгрешностью) Марии. С таким же успехом эти фрески могли бы содержать двенадцать картин Лимба или Чистилища или останки римских пап, которые правили с 500 н.э. Пропорции Джотто смешны. Храм Ирода около двенадцати футов высотой, а «Золотые ворота» около девяти футов; вы можете прыгать с шестом через стенку вокруг него. На этих картинах нет солнечного света. Ангелы высотой Христу по пояс. Римские солдаты выглядят как рисунок Дафи или Роуальта. Кто-то может сказать, что Джотто сделал отличную работу для своего времени (1300), иллюстрируя римо-католическую мифологию. Занести его в список мастеров, в то время как назвать Н.Е. Виета иллюстратором, — это не что иное, как пропаганда Ватикана.
Леонардо да Винчи (1452-1519) появляется приблизительно в то же время, что и Коррегио (1494-1534), Альбрехт Дюрер, Ганс Гольдбейн, Джованни Беллини, Рафаэль (1483-1520), Ботичелли и Андреа Дель Веррочио (скульптор). Леонардо — хороший мастер эскиза, хотя его эскизы машин и предметов техники лучше пейзажей и портретов. Рембрандту и Ван Гогу это удавалось лучше. Лучший авангардный рисунок Леонардо да Винчи — это карта Северной Италии (1502). Анатомические эскизы да Винчи хороши, но когда дело доходит до реальности в живописи, Лео от этого так же далек, как и Джотто, живший на сто лет раньше него. Мы уже говорили о бледной и невдохновляющей Мона Лизе, которая своим «шармом» и «воздействием» обязана литературе, а не живописи. В «Благовещении» (1472) парнокопытный Антихрист появляется в виде женщины-демона (Откр. 6:2; Зах. 5). В Библии сказано, что ангелом «благой вести» был ЧЕЛОВЕК по имени Гавриил (Лука 1:26-30). Если Лео и был хорошим художником, то типичным римо-католиком, т.е. ненастоящим христианином.
Всем известна «Тайная вечеря». Четыре столетия она находилась в центре внимания прессы, причем было огромное количество разных мнений. На этой картине под видом Бога Иисуса Христа изображен рыжий ирландец, католический гомик, хотя Его волосы ЧЕРНЫЕ (Пени Сол. 5:10-12), и Которого невозможно было принять за бесполого, даже если бы вы натолкнулись на него в темноте. Пилат сказал: «Се муж!». Иисус Христос провел в странствиях большую часть своей жизни (Матв. 8:20) и Он был плотником восемнадцать лет до того, как Он начал свое служение. Он не похож на Крошку Тима из оперы «Иисус Христос, Суперзвезда».
«Причастие» Пуссена такое же правдоподобное, как и римо-католическая фантазия Леонардо. Апостолы у да Винчи едят среди бела дня, а не после 7-ми вечера. Они все сидят, тогда как в Писании ясно сказано, что они возлежали (см. Иоанн 13:25 и Есфирь 7:7-8). Если бы это не было примитивной профанацией писания, можно было бы сказать, что Лео изобразил компанию самых диких ортодоксальных евреев, которых вы видели в своей жизни. Сидят за итальянским столом, в итальянской комнате десять рыжих шотландских «блондинов» и двое лысых. Единственный человек, похожий на еврея – это Иуда.
Когда доходило до реалистических картин или иллюстрации исторических событий, Лео подходил к делу не как исследователь, он не считался с фактами. Можно сказать, что для 1500 года Леонардо был оригинальным мыслителем, довольно изобретательным, он мог изобразить то, что видел, когда старался. Его научные изыскания были намного ценнее, чем его картины. Наверное, Леонардо да Винчи – самый восхваляемый, самый известный и ценимый художник в мире.
Микеланджело (1475-1564) был довольно неплохим скульптором. «Моисей» (1513-1515) «Пиета» (1499), «Давид» (1501) и его работа на могилах Лоренцо де Медичи (1520) и Джулиано Медичи (1530) являются шедеврами. Это НЕ рисунки. Широта и сила гения Микеланджело в действительности – это лишь плоские скульптуры. Все его картины – это всего лишь мужские и женские фигуры (статуи). Более двухсот ОБНАЖЕННЫХ НАТУР украшают Сикстинскую Капеллу: настоящий «завет» природы римской католической церкви, если вы когда-нибудь видели хоть одну из них. Когда папа римский заседает в Сикстинской Капелле, он сидит как раз в том месте, где Иисус Христос на картине Микеланджело вершит свой «Страшный суд». Для пущей ясности кровавый палач держит над головой светящийся стяг, что придает ему сходство с картиной Майкла. Очень типично для Рима.
На картине «Страшный суд» Майкла Иисус Христос изображен без бороды, рыжим ирландским католиком. Его «мать» помогает ему вершить суд и сидит рядом с ним, она одета. Нет никаких книг (см. Rev.20:11-15). На картине нет никакого белого трона (см. Rev.20). Не видно никакой огненной реки (см. Rev.20). «Страшный суд» – это произведение антихристианской (не библейской), языческой мифологии, созданное римским католическим художником. Майкл никогда не изучал предмет перед тем, как рисовать.
Если это «господин», перейдем к слуге. Благодаря сговору с СМИ широта взглядов и сила превращаются в «гениальность». Но ни один настоящий гений не искажал бы так Библию, даже если бы не ВЕРИЛ в нее.
Майклу удавались ОБНАЖЕННЫЕ НАТУРЫ – это, пожалуй, все его сильные стороны в живописи. Деревья у него неплохие, а вот собаки и лошади нарисованы небрежно. Его цветы и кусты мертвые, его ручьи и реки напоминают засохшую глину, его пейзажи и изображения неба просто жалкие. Как обычно, пресса за него горой и говорит: «Он ВИДЕЛ все это не так, как вы, и т.д.». Но ведь Мане сумел нарисовать, как вы видите или как он видел все вокруг. Не говоря уже о Н.С. Виете и Максвелле Пэррише. Не говорите мне, что человек гений, если он только и может изобразить предмет, как он его видит, и если изображение не похоже на предмет или его фотографию. У Рокуелла, который от случая к случаю использовал фотографии, было такое же чувство цвета, как у Мане, Моне или Ренуара. Я видел его эскизы с изображениями лиц в МАСЛЕ, они доказывают, что он видит цвета без помощи фотоаппарата. Более того, его портреты смотрятся так, как их увидели бы ВЫ, если бы смотрели на оригинал. Это качество не учитывается союзом художников, когда речь идет о таких людях как Рокуелл или Фразетта. Ни один фотоаппарат никогда не снимал «Утомленный рассвет» Пэрриша или портреты «Доктор Джеккил» и «Мистер Хайд» (1974), выполненные Хильдебрандтом.
А теперь перейдем к Рембрандту. Рембрандт Харменс Ван Рейн (1606-1669). Рассмотрим феномен, возникший в мире живописи после 1611 года, который также утвердился в мире музыки и литературы. В это время, в 1611 году, («Авторская версия») произошел некий всплеск, который остался за пределами внимания большинства историков. Этот всплеск произошел в трех отраслях человеческой деятельности (см. с.1), он достигает пика в 1880-1900 гг., а затем следует стремительный спад (см. с.112). По сведениям книги Кинга Джеймса «Авторская версия Святой Библии» получается: что Рембрандт, Ян Ван Дер Хейден (1637-1712), Франц Халс (1580-1666), Ян Вермеер(1632-1675), Питер Пауль Рубенс (1577-1640), Николас Пуссен (1594-1665), Эль Греко (1541-1614), Веласкес (1541-1614), Коплей (1783-1815), Вильям Хогарт (1697-1764), Джошуа Рейнолдз (1723-1792), Гейнзборо (1727-1788), Тэрнер (1775-1851), Блэйк (1757-1827), Констебль, Бугеро, Коро, Делакруа, Домье, Доре, Миле, Руссо, Курбе, а затем все импрессионисты, экспрессионисты, сюрреалисты, кубисты и т.д. ПОЧЕМУ ЗАСТОЙ ДЛИТСЯ С ПЯТНАДЦАТОГО СТОЛЕТИЯ? В этот же период проявили себя все знаменитые философы и все знаменитые музыканты: Монтеверди, Палестрина, Мейербир, Вивальди, Стомиц, Пуччини, Бах, Моцарт, Гендель, Шуман, Бетховен, Шуберт, Римский-Корсаков, Штраус, Равель, Дюка, Глюк, Брамс, Чайковский, Берлиоз, Паганини, Лист, Прокофьев и другие. Все они словно сговорились родиться ПОСЛЕ 1611 года и до 1918 года. Очень странно, не правда ли?
Как говорили спортивные комментаторы между 1980 и 1990: «Повергает в трепет! Восхитительно!». Но более всего повергает в трепет тот факт, что все выдающиеся, признанные историки упустили из вида столь значимый, потрясающий феномен, который свидетельствует о том, что Западная цивилизация прекратила свое существование в начале двадцатого века. Ни один современный человек не захочет считаться с этим фактом, ведь Чарльз Дарвин учил, что с ходом времени «все движется вверх и вперед» (см. с. 95). Все (включая живопись, музыку, литературу, образование, моральные нормы, характеры и христианство) возвращается обратно в ДЖУНГЛИ.
Рембрандт может изобразить то, что он видит своими глазами, у него великолепные эскизы и рисунки, хотя они и не «поражают» знатока спонтанностью и экономией – вся эта ерунда для прессы – они великолепны. Однако, когда доходит до рисования, кто-то назвал Рембрандта «человеком-совой в темноте». Это хорошее определение работ Рембрандта. И его духовной жизни. Чтобы доказать, что Рембрандт умел работать со светом обычно приводят одну картину («Тобит и Анна», отрывок римо-католической чепухи из апокрифов, 1626), которая доказывает, что Рембрандт мог великолепно управляться со сверкающим светом. Но этот свет сияет благодаря тому, что фон (две третьих картины в красно-коричневом и черном цвете (см. с431) затемнен. Если Рембрандт «любил свет больше, чем тьму (см. Иоанн 3:17-19), он бы пошел дальше в этом направлении. Но он не стал.
Рембрандт умел увидеть цвет. Он знал, где и что нужно намалевать. Но его портреты не столь основательны и убедительны, как у его современника Франса Галса (1633). Взглянув на его картины «Ассамблея офицеров и младших офицеров» и «Команда капитана Франса Беннинга Кука», вы ощутите разницу.
Но гений Рембрандта отдыхает, когда речь идет об основном, более серьезном, чем портретистика. Он был одним из первых и самых известных художников, кто предавался разврату, рисуя обнаженных женщин в качестве библейских персонажей. Рембрандт изобразил не только мифологическую «Венеру» (см. Тициан и Веласкес) в статичных позах (как «Майя» Гойи). Рембрандт подал Мане идею для Le Dejeuner sur l’herbe (1863). Рембрандт умел писать плоть на «совином» фоне. Этот фон характерен для всех его рисунков; глубокий, темный красно-коричневый, переходящий в коричнево-ЧЕРНЫЙ.
Когда этот отпетый развратник попытался сыграть «доброго христианина» (рисуя библейские картины), он совершил глупейшую несуразицу со времен да Винчи, изобразившего рыжебородого женоподобного Христа, сидящего в обществе одного еврея и одиннадцати рыжеволосых (и лысого) итальянцев. «Три распятия», «Самсон», «Добрый самаритянин», «Христос, исцеляющий больного», «Иаков благословляет сынов Иосифа», «Вирсавия», «Саул и Давид», «Возвращение блудного сына» изображены так плохо, что хуже и не встретишь в истории иллюстрации. Вот что пишут «Тайм» и «Лайф» о его повальной несуразице: «Лучшие среди картин Рембрандта – его библейские картины». (Объединение «Тайм»-«Лайф» было среди первых, кто написал об истории церкви, двадцати наименованиях создателей человека, где только римская католическая церковь имеет божественное начало. И так далее.).
Я перескажу слова католических заговорщиков, опубликованных в «Тайм» и «Лайф», чтобы вы могли понять суть дела. «Если какие-то картины Рембрандта и можно назвать бездарностью, то это его библейские картины». В таком свете Рембрандт терпит поражение не только как истинный христианин, но и как иллюстратор. Таким образом, он спотыкается больше, чем может пройти.
Не следует забывать, что «Тайм» и «Лайф» всегда были римо-католическими изданиями со дней Генри Люка (Luce), а Клара Бус (Booth) была его женой до ежедневных выпусков в наше время.
Как становится понятно из так называемых «библейских» рисунков Рембрандта, он никогда не читал Библию, ни одну Библию.
Сыны Иосифа, наполовину египтяне (см. Быт. 48) у него оказались длинноволосыми кавказцами. Иосиф – усатый голландский бургомистр, а его жена – светлолицая шведка. И опять, на картинах Рембрандта нет солнечного света. Только светлые лица по контрасту с «совиной темнотой». Вирсавия такая же еврейка (или хеттка), как Мэрилин Монро. Она не купается, не одевается после купания. Рембрандт «поймал мгновение», когда она без одежды, после того, как Давид нашел время присесть, написать письмо и вручить его послу. Хотя муж Вирсавии наемный работник, бедный, как церковная мышь (см. 2-я Цар.12:3), у Вирсавии есть слуга, который вытирает ей ноги. Вот вам и отзывы в «Тайм» и «Лайф». Рембрандт был таким же «библейским» художником, как Голубой Бык Пола Буниана.
На взгляд Рембрандта, царь Саул – это голландский бургомистр, а копье у него такое длинное, что он не сможет попасть в Давида ни с одной из 5000 попыток (Рембрандт разместил Давида в двух футах от Саула. Копье же более трех футов длиной). И опять же, сияющий свет – ничто большее, чем желтые и белые цвета на фоне черной кромешной полночи («совиной тьмы»). «Давид и Урия» и «Блудный сын» подобны остальным рисункам. Четыре из пяти библейских рисунков имеют черный кромешный фон. Любая иллюстрация Гюстава Доре, даже просто черно-белая в два раза лучше нарисована и трижды драматичнее, чем все, что когда-нибудь пытался изобразить Ван Рейн. Если вы хотите увидеть Самсона, посмотрите «Самсон и Далила» Доре. Если вы хотите увидеть Блудного Сына, посмотрите версию Доре; то же касается Доброго Самаритянина и Трех Распятий. Верности правде мы не обнаружим в библейских работах Рембрандта (Очевидно, правда – см. Иоанн 17:17 – не в отзывах о работе мастера или гения. Почему? Я не знаю.).
Если вы хотите убедиться, как далек от правды был Рембрандт в своих библейских рисунках, посмотрите работы Джеймса Тиссо, щедро проиллюстрировавшего Ветхий Завет. Если хотите увидеть настоящего художника, который умел рисовать библейских персонажей Ветхого Завета, достаньте Иллюстрированную Библию для детей, опубликованную Гроссетом и Дунланом в 1976. Иллюстрации к Ветхому Завету в этой книге написаны неизвестным «Кеном Петсом». На страницах 19, 21, 29, 40, 55, 61, 93, 99, 101, 109, 139, 149, 151, 153 и 155 вы найдете нужный цвет, правильные пропорции, блестящий солнечный свет, реалистическое изображение одежды, оружия, блюд, декораций и зданий того времени. Петт не пропустил ни анатомических особенностей персонажей, ни выражения лиц, ни одежды к случаю, и он часто покрывает холст так свободно и легко, как французский импрессионист. К несчастью, Петт был ИЛЛЮСТРАТОРОМ: это «поставило на нем крест», (как принято выражаться).
Теперь вернемся к Питеру Брейгелю (1525-1569) и Иерониму Босху (1450-1516). Оба они умеют рисовать и писать картины. Когда же дело доходит до библейских тем, они так же бездарны, как и Рембрандт, но Босх мог изобразить то, что было у него на уме: в данном случае, гротескный сюрреализм. Он гораздо лучший художник, чем Пикассо, и вследствие этого его экспрессионизм легче понять. Брейгель мог изобразить то, что видел своими глазами. Ни Босх, ни Брейгель не нуждались в помощи фотоаппарата, в отличие от французских импрессионистов и американских реалистов, его последователей (Слоан, Вистлер, Икинс, Беллоуз и другие), мог нарисовать панораму представителей всех социальных сословий на одном рисунке; один рисунок мог зачастую включать сорок детализированных и индивидуализированных лиц. Пейзажи Питера Брейгеля реалистичны; погодные условия на них реальны. В его картине «Жнецы» (1565) столько же солнечного света, как и в картине «Пшеничное поле» Ван Гога три века спустя.
Я бы назвал картину «Охотники в снегу»(1565) шедевром. В этой картине Питер запечатлел не только архитектуру и костюмы своего времени, но и настроение и атмосферу конкретного дня. Композиция Брейгеля не расплывчата: формы четкие, а цвета хорошо подобраны, даже если и не натуральны.
Если вы действительно увлекаетесь экспрессионизмом, картины Джуди Ларсон «Вервольф» и «Сезон орла», но ради Рембрандта (!) не теряйте времени на картины Легера («Велосипедисты», «Композиция с Кли» и другие) или картину ДеЛони («Эйфелева башня») или Давида («Миди»), или картину Грейвса («Птица с духовной маской»). Они не знают, что они делают, откуда они взялись, (кроме того, что они эволюционисты), как они сюда попали и куда потом уйдут. Берри(1958), Сквиттерс, Миларес (1962), Тоби, Тэм и Колдер – естественные мистики, чья «мистика» столь таинственна, что они не знают, кто они, пока себя не нарисуют. И только ТОГДА они смогут кем-то быть. «Футуристы» и «Космические мистики» такие же ошалелые, как Кадет Космоса (Эрнст «Композиция», Боччиони «Город просыпается», Гастон «Обряд» и Марка-Релли «Фигура»).
Возвращаясь к иллюстраторам вместо «гениев», давайте посмотрим на работы Говарда Пайла. Палитра у Пайла такая же темная, как и у Рембрандта или других художников преимпрессионистов, но не везде. И Пайл умеет делать три вещи, которые большинству импрессионистов не доступны:
1. Он мог создать НАСТОЯЩУЮ драму.
2. Все его композиции безупречны и на своем месте.
3. Он мог рисовать человеческие фигуры так же хорошо или даже лучше, чем Микеланджело, или даже Вермеер.
Возникает странная аномалия, что заставляет «экспертов» живописи приветствовать иллюстрации к апокрифическим произведениям (возьмите Рембрандта, например), или иллюстрации к греческой мифологии (например, Тэрнер), и в то же самое время вдруг начинают воротить нос от иллюстраций к «Черной стреле», «Белоснежке», «Робин Гуду», «Острову сокровищ», «Белой компании», «Сказкам братьев Гримм» и «Таинственному острову». Кто кого пытается разыграть? Европа, проносящаяся на быке – это «искусство», не так ли? А капитан Кид или Синяя Борода, которые под прицелом критики, - НЕТ! Венера – обнаженная, выпроставшаяся на шезлонге – это живопись, а капитан Билли Бонс, стоящий на мокрой скале на туманном морском берегу(Н.С.Виет), с подзорной трубой под мышкой – НЕТ? Пайл не просто писал, он рисовал пером и чернилами. Любая из его работ, выполненная пером и чернилами, выполнена просто мастерски.
Н.С.Виет мог рисовать в стиле Гарта Бентона («Летняя ночь» (1942), «Уборка урожая» или «Рыбак» (1938), или в стиле импрессионизма (иллюстрации к «Зверобою» (1925), «Белая компания» (1922), или фотографического реализма («Рип Ван Винкль» (1910), «Мексиканский пастух» и «Возводящие забор» (1910). Если вы хотите увидеть настоящий солнечный свет, то вы не найдете его на картинах Бушера, Боннарда или Ван Гога. Его можно увидеть и даже ПОЧУВСТОВАТЬ на картинах Виета «Сенокос» (1908) и «Кляча». Даже в картинах Ренуара или Моне мы не увидим такого летнего солнца, как в картине «Кляча»: влажная почва испускает такой жар, что можно вспотеть.
Но Н.С.Виет никогда не считался «мастером». Ему не повезло, он был лишь иллюстратором, чьи работы пользовались спросом. Как бы то ни было, у него был талант. Он умел писать и рисовать. У него было вдохновение, он умел точно передать дух времени. Это выделяет его среди остальных художников. Они были слишком ленивы, чтобы адекватно изобразить историю; слишком недисциплинированны, чтобы хорошо рисовать; слишком поглощены своими собственными чувствами и мистицизмом, чтобы вдохновиться ЧЕМ-НИБУДЬ (Его христианский собрат доктор Эдвард Хиллс был изгнан из объединения школ за обсуждение текстуального критицизма (см. Христианское пособие по изучению Библии, 1987).
Некоторые из величайших картин «Вестерна» были сделаны Виетом с 1903 по 1911. Но (к несчастью!) они были сделаны как иллюстрации к «Аризонским ночам» и «Злоключениям Кэссиди». Это автоматически вычеркнуло его из рядов Эль Греко, Вермеера, Рубенса, Галса и Рембрандта. Почему? Я не знаю, однако это факт, что ряды современных художников наполнены факирами, у которых нет творческой энергии ранних мастеров, которым не хватает вдохновения и практических навыков. Эти современные пижоны (или зеленые новички) вроде Брака, Бена Николсона («Три кубка», «Монолит», «Блюдо с грушами», «Дымчатый топаз») и джентльмены, обозначенные выше (Легер, Боччони, Гастон, Берри, Сквиттер, Миларез, Тоби и др.). Когда пробы и ошибки этих новичков приводят к созданию чего-то, похожего на иллюстрации к «Таинственному острову» и к «Юным годам короля Артура», создается впечатление, что несколько хиппи из гетто ворвались в Парижский Лувр и наляпали графити вокруг работ Джозефа Райта («Опыт над птичкой в воздушном насосе», например,1768).
Максфилд Пэрриш прожил девяносто пять лет (1870-1966). Не верьте ни одной статье, которую вы можете прочитать в любом периодическом издании об искусстве, о том, как утонченны были французские импрессионисты с «изменением освещения и воздушного пространства в различное время дня», пока не изучите (тщательно) картины Максфелда Пэрриша «Сумерки», «Вечерние тени», «Ясный день», «Солнце встало», «Вечер», «Рассвет», «Перед грозой» и «Позднее утро». Пэрришу просто удалось добиться того, что не удалось 2000 импрессионистам между 1880 и 1920, им бы никогда это не удалось из-за отсутствия ТАЛАНТА. Пэрриш мог рисовать комиксы («Ленивый дракон», пародии («Вход в Помпдебиль», «Король сердец»), оригинальные декорации и иллюстрировать драматические эпизоды, которые у него буквально говорят с полотна (см. «Пещера 40 разбойников», 1906 и «Дни грез», 1901). Непростительный грех Пэрриша состоял в том, что он использовал модели и фото при работе. Он получил ярлык иллюстратора.
Норман Рокуэлл тоже повинен в столь крупных грехах, несмотря на тот факт, что он документально передавал свое время, также тщательно, как любой мастер (Брейгель, да Винчи, Рембрандт, Галс, Гойя, Сезанн, Вермеер и др.), Рокуэлл недостоин пожать руки этим джентльменам, хотя он рисовал так же свободно, так же в духе экспрессионизма, как и они (см. «Том Сойер», «Этюд в масле», «Джон Вейн», «Портрет» и др.). Если вы хотите увидеть НАСТОЯЩЕГО «Ван Гога», нарисованного так, как нарисовал бы себя сам Ван Гог (в его стиле), если бы он умел рисовать, посмотрите масляный эскиз Бинга Кросби, сделанный в 1966. Я говорю не просто теоретически: найдите картину и изучите ее. И опять же Рокуэллу удалось написать картину так чисто и четко, как если бы он был одним из великих мастеров трех последних столетий («Энн Маргарет», 1966; «Дуайт Эйзенхауэр», 1966; «Дж.Ф.Кеннеди»,1960). В то же время, Норман мог рисовать как «фовист» или Моне («Бекки Шарп», цветной эскиз). Рокуэлл был плохой мальчик, хотя он и заканчивал свои рисунки. Заканчивал, потому что УМЕЛ. Девяносто процентов экспрессионистов, футуристов, космических мистиков, импрессионистов и т.д. не в состоянии закончить то, что начали. Причина в том, что они ужасные неумехи, у них нет ТАЛАНТА. Оправдание этого фатального недостатка в области живописи таково: «Это не артистично заканчивать работу; излишняя корректировка и детализация отвлекают внимание от истинного вдохновения».
У них не с чего начинать, так что и отвлекаться им не от чего.
У меня не сохранились названия иллюстраций Фрэнка Фразетты к фантастическим рассказам, так как я вырезал их из книги много лет назад, а надписи остались за пределами вырезанного. Но я должен сказать, что по крайней мере четыре из них такие же шедевры, как и те, что создали в своей жизни да Винчи, Рембрандт, Тэрнер, Гейнсборо, Констебль, Гойя и др. Фразетта умел чувствовать цвет, как недоступно было даже этим мастерам. Он находил красное и желтое там, где его не было, но когда эти оттенки появлялись, то придавали картине реальности. Он редко заканчивал небо; его небеса обычно в таком же состоянии, как их оставляли Роско или Кляйн (если они могли нарисовать небо). Фразетта рисует разнообразное оружие и «доспехи», равные по мастерству работам Рембрандта, Халса или испанских мастеров. На одной из картин девочка-рабыня учится драться на мраморном столбе. Леопард (потерпевший поражение, наткнувшись на броню), наступает на нее, а на помощь ей приходит (справа) огромный вооруженный раб Мамелюк. Цвета отлично сочетаются между собой, пропорции соблюдены, напряжение действия передано реалистично, вся композиция в духе «абстракционизма». На другой картине изображена битва фантастического героя с двумя «Снежными Гигантами». Он перерезал горло одному из них. То, как мастерски нарисованы руки, кисти и ноги противника, – просто впечатляет. Один из приемов, который использует Фразетта – четкая отдельная линия – свет, падающий на бедро человека через согнутое колено. В реальности этой линии быть не может, но нарисованная таким образом, она создает ощущение правдоподобия, которое не под силу и фотоаппарату. Я назову другую, где Конан Варвар (или кто-то, похожий на него), дерется боевым топором против пятнадцати противников. В целом в картине преобладают бледно-зеленые цвета. Вмятины от ударов на шлемах выглядят такими настоящими, что кажется, что их можно пощупать, несмотря на то, что мазки кисти грубые и недостаточно смешивают цвета, цвета отлично сочетаются в фигурах, изображенных на картине. Небо не закончено.
Другая работа (их около тридцати) – правдоподобные санные следы на глубоком снегу, оставленные четырьмя белыми медведями, которые не запряжены, следовательно не могли этого сделать. «Научно-фантастический» воин едет по этим следам, как на колеснице. У него в руках нет вожжей. Небо абсолютно невероятное. Как Виет, Фразетта редко заканчивает небо. Его изображение фигуры спартанского воина, стоящего в нескольких футах от потока воды, это сюрреализм, но оно непогрешимо в своей композиции, форме, цвете и по содержанию, поспешно сделанные наброски (они выглядят как акварель) остатков греческой культуры (возле статуи) доносят до нас содержание. Фразетта способен выразить свою «внутреннюю жизнь», потому что может рисовать, писать и творить. Пикассо, Kunioshi, Guglielmi, Роско, Да<

⇐ Предыдущая 1 234 5 6 7 Следующая ⇒