Мир искусства»

12.2.1 «Мир искусства»

Деятельность художественного объединения «Мир искусства» дала толчок к развитию в самых разных сферах – в художественной журналистике, организации выставок, станковой живописи, книжной графике, декоративном и прикладном искусстве, сценографии, моде.

Объединение «Мир искусства» возникло в 1898 году и просуществовало с перерывами до 1924 года. Одновременно выходил и художественный журнал с тем же названием. Если рассматривать всех художников, кто хотя бы временно входил в объединение, нам пришлось бы говорить практически обо всех мастерах рубежа столетий. Поэтому речь пойдёт только об основных его членах.

«Мир искусства» вырос из родственного и дружеского кружка молодых людей, интересовавшихся искусством. В него входили художники Александр Бенуа, Лев Бакст, Константин Сомов, Евгений Лансере, будущий организатор культурных мероприятий Сергей Дягилев, некоторые литераторы. Большинство из них учились вместе в частной петербургской гимназии, где и подружились. Позже к группе примкнули Анна Остроумова-Лебедева, Мстислав Добужинский, Александр Головин, Иван Билибин, Николай Рерих. Все мирискусники принадлежали к семьям потомственных деятелей культуры. Интерес к искусству был для них неотъемлемой частью жизни.

Участники объединения «Мир искусства» отвергали как принципы передвижников, так и Академию художеств. Они обвиняли передвижников в том, что те поставили искусство на службу политике и социальным проблемам. А Академия художеств казалась им оплотом рутины, неспособным дать ничего нового и живого.

Источники обновления мастера «Мира искусства» видели в русской живописи и архитектуре XVIII – начала XIX вв. (к тому времени основательно забытым) и в европейской культуре. Сам журнал «Мир искусства», вслед за которым в России появились и другие подобные («Золотое руно», «Аполлон») возник под влиянием европейских литературно-художественных журналов. В них печатались стихи, небольшие прозаические произведения, статьи о литературе и искусстве, обзоры выставок. Большое внимание уделялось их художественному оформлению.

Почти все участники объединения оказались одарены способностями к графическим искусствам. Они столь единодушно обратились к графике, что за несколько лет смогли изменить отношение к ней, поднять её культуру. Что бы ни оформляли эти художники – книгу, журнал, афишу, театральный плакат, – своё предназначение они видели в том, чтобы украсить издание. Особенно тщательно они подходили к изданию собственного журнала. В этом деле не могло быть мелочей. Продумывались и обсуждались бумага, шрифт, техника воспроизведения иллюстраций. Мастера рисовали лёгкие, изящные заставки и виньетки, не считая эту задачу слишком простой или недостойной большого художника. В результате каждый номер журнала становился произведением графического искусства и образцом художественного вкуса.

Интересы членов «Мира искусства» были обращены в прошлое, к красоте былого, невозвратимого. Из прошлого черпались сюжеты и образы. А воплощались они согласно принципам стиля модерн. Картины и графические работы участников объединения не изображают грандиозных исторических событий, народных драм. Их темы – повседневная жизнь ушедших эпох. Но этой повседневностью, её мелочами, красотой деталей они не уставали любоваться. Художники «Мира искусства» стремились передать не события, а аромат эпохи. В их работах много иронии. Часто они соединяли фантазию, вымысел с изучением истории, преображали реальность, деформировали или театрализовали её.

Ведущим среди мастеров «Мира искусства» был Александр Бенуа. Он начинал учиться в Академии художеств, но оставил её и окончил юридический факультет Петербургского университета. Это не помешало его известности как художника и историка искусства. Уже в первой большой серии – «Последние прогулки Людовика XIV» – Бенуа нашёл свой стиль и художественный язык. Он обратился к блистательной эпохе французской культуры – XVII веку. При короле Людовике XIV, называвшем себя королём-Солнцем, был построен Версаль, получили особое развитие театр, музыка, живопись. Это было время грандиозных придворных празднеств, карнавалов, театрализованных представлений, время сложения французского регулярного парка с его фонтанами, водными партерами, тенистыми гротами, зелёными лабиринтами и другими остроумными и изящными затеями. Однако у любой прекрасной эпохи после расцвета наступает увядание. Не вечен и человек, даже самый могущественный. Бенуа посвятил свою серию закату эпохи и старости короля. Это само по себе придаёт его работам грусть, терпкую печаль: в декорациях грандиозного Версальского парка прогуливается стареющий король с горсткой придворных.

Бенуа выполнил серию в смешанной технике, с применением акварели, гуаши, темперы, пастели. Эта техника стала затем типичной для всех мирискусников. К масляной живописи они обращались редко, стремясь избежать иллюзии глубинного пространства, сделать более выразительным графический ритм, рисуночную основу изображения. Да и размеры их работ были небольшими, присущими скорее графике.

В «Последних прогулках» Бенуа воссоздал мир XVII столетия, но ещё не развил ассоциативный план, в котором переплетаются мечта, любование, томление, ирония, гримаса. Такой сложности чувств он достиг в следующей – «Версальской серии». В неё входят работы «Прогулка короля», «Фантазия на версальскую тему», «Купальня маркизы», «Король», «Китайский павильон. Ревнивец», «Итальянская комедия».

Рядом с версальской темой в творчестве Бенуа появляется другая – русская, петербургская. Он пишет пейзажи пригородов Петербурга, интерьеры дворцов. Лучшим здесь явился лист «Парад при Павле I». В Русской серии, в отличие от версальской, художник сосредоточился не на архитектуре и аромате эпохи, а на событии или действии. В работах больше повествования, подробностей, деталей. Известно, что император Павел считал себя военным и очень любил не столько войны, сколько парады. Парады проводились в любое время года и при любой погоде, а за малейшую ошибку жестоко наказывали. Тяжёлая атмосфера холодного зимнего петербургского дня усиливается ощущением ужаса офицеров перед лицом грозного императора. Их лица сводит холодом и страхом, ноги подкашиваются; вся сцена напоминает игру в солдатики с печальным концом. Парад происходит на площади перед Михайловским замком – любимой резиденцией Павла I, выстроенной по типу средневековых рыцарских замков. В нём он собирался укрыться от своих подданных, огородившись валом и рвом; в нём несколько лет спустя и был убит. Большую роль в композиции играют полосатый столб и шлагбаум: они подчёркивают вертикаль и горизонталь, отделяют от зрителя внутреннее пространство картины; они же являются символами режима и порядка, от которых никому не уйти.

В рамках русской темы появляются и первые варианты иллюстраций к «Медному всаднику» и «Пиковой даме» Пушкина. Над этими циклами в дальнейшем художник работал долго; произведения Пушкина с его иллюстрациями издавались неоднократно. В этой работе Бенуа, как и в деятельности Лансере, Сомова, Добужинского, формировались новые принципы оформления книги. Книга мыслилась ими как целостное произведение искусства, сочетающее разные элементы оформления: иллюстрации к ключевым сценам, заставки и концовки, шмуцтитулы и виньетки, композицию полосы набора и рисунок шрифта. Бенуа добивался тонкости и сбалансированности в сочетании всех элементов. Книга стала продуманным ансамблем.

Наиболее известны иллюстрации Бенуа к «Медному всаднику». Художник подметил в поэме скрещение нескольких тем и сумел соединить их в своём цикле иллюстраций. Он раскрыл трагедию одинокого слабого человека на фоне величия Петербурга, соединил великое и малое, воспользовался моментами бреда Евгения, чтобы зримо явить фантастическое. Бронзовый конь скачет, преследуя несчастного безумца, который убегает, прячется и вот-вот будет раздавлен копытом коня или сокрушён рукой бронзового кумира.

Мастера «Мира искусства» обратились и к детской книге. Детская литература в те годы в России делала лишь первые шаги. В основном она имела нравоучительный или просветительский характер. Мастера «Мира искусства» сделали детскую книгу произведением высокохудожественным: большого формата, с великолепными иллюстрациями, с качественной печатью на хорошей бумаге. Поэтому она оказалась довольно дорогой и далеко не всем доступной.

Александр Бенуа позаботился о самых маленьких читателях, издав свою «Азбуку в картинах». Каждая её страница представляет собой сюжетную картину, в которой участвуют герои и предметы на ту или иную букву алфавита. Темы их – сказки, история, вещи из детского быта и обихода. Бенуа был сторонником книги для детей, воспитывающей их художественный вкус. В результате «Азбука в картинах» вызвала интерес не только у маленьких детей и их родителей. Она стала образцом книжного искусства, предметом гордости и коллекционирования.

Константин Сомовнесколько лет проучился в Академии художеств, после чего занимался ещё в мастерской Репина. У Репина он получил хорошую выучку, но скоро стал сознательно преодолевать зависимость от натуры. В это время была написана знаменитая картина «Дама в голубом». Это портрет художницы Е. Мартыновой, учившейся вместе с Сомовым в Академии и умершей от туберкулёза. Сомов не назвал это произведение портретом, хотя передал в нём не только внешние черты модели, но и внутренний её облик, трагизм и страдание. Художник придал облику женщины «старинные» черты, одев её в синее муаровое платье середины XIX века. Он, однако, не стремился к точному воспроизведению определённой эпохи. Парк, водоём, кавалер и дама, музицирующие на скамейке, переносят нас скорее в XVIII век. Разные временные слои не мешают цельности образа.

Позже Сомов создаёт свой излюбленный жанр – наподобие галантного жанра А.Ватто. Складывается постоянный круг сюжетов: дамы, сидящие или полулежащие в креслах или на диванах на фоне интерьеров старого помещичьего дома, дамы и кавалеры в парках, персонажи итальянской комедии дель арте, идиллические сцены дачной жизни. В самих этих сюжетах заключена ирония. Мир, который конструирует художник, нереален, хрупок, эфемерен, даже нелеп, но эта нелепость достойна любования. Ирония распространяется на любые действия и чувства персонажей, и даже на зрителя, любующегося ими. В работах Сомова ничего и никогда не происходит всерьёз.

Высокого мастерства достигает Сомов в графических портретах, исполненных в смешанной технике угля, акварели, гуаши, иногда сангины. Наиболее значительные из них – портреты поэтов Александра Блока и Михаила Кузьмина, художника Мстислава Добужинского. Писал Сомов и большие заказные портреты маслом. Это женские портреты – Носовой, Гиршман, Карповой. Они строги, немного холодны; в них есть налёт отчуждения, но вместе с тем и бесспорное мастерство.

Лев Бакст начал своё творчество с графических портретов (портреты Зинаиды Гиппиус, Андрея Белого, Константина Сомова). Наиболее экстравагантной (а это качество и дальше будет его особенностью) стала картина «Ужин». В ней последовательно реализованы принципы стиля модерн. Фигура дамы неестественно изогнута, чёрное платье и чёрная шляпа вычурными силуэтами ложатся на светлый фон скатерти и стены.

Когда Бакст увлёкся античностью, появилась картина-панно «Древний ужас». Ей предшествовала поездка вместе с Серовым в Грецию. Но в отличие от Серова, который увидел в Греции золотой век и сбывшуюся мечту человечества, Бакст изобразил гибель древней цивилизации под ударами стихии. Сверкают молнии, рушатся прибрежные скалы, море готово поглотить древние храмы и статуи. На первом плане, спиной к стихии и разрушению, изображена фигура архаической коры. С улыбкой взирает она на нас. Знает ли она о гибели культуры – остаётся загадкой. Так или иначе, художник передаёт в картине ощущение конца мира, слома эпох, которое было обострено в начале ХХ века.

Но более всего Бакст прославился как театральный художник. Одним из участников объединения «Мир искусства» был Сергей Дягилев. Он не был ни художником, ни литератором. Он обладал дарованием, которому на тот момент в русском языке даже не существовало названия. Поэтому назовём его нынешним словом культуртрегер, то есть организатор культурных проектов, их инициатор, вдохновитель и импресарио. Главным проектом Дягилева были «Русские сезоны» – гастроли русской балетной труппы в Париже. Дягилев собрал лучших танцоров и хореографов – среди них Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Михаил Фокин, Тамара Карсавина. А для оформления спектаклей он пригласил лучших художников. И если раньше профессия театрального художника, сценографа считалась периферийной, то теперь ситуация изменилась на противоположную. На сцене были возможны такие эксперименты с формой, цветом, пространством, какие пока ещё не допускались в живописи. Театр, и в частности «Русские сезоны», повлияли на всё: на живопись, графику, книжное оформление, интерьер, моду.

Бакст делал декорации для спектаклей, но лучше всего ему удавались эскизы костюмов. Среди балетов «Русских сезонов» большинство составляли произведения на сказочную, в том числе восточную тему. Они чрезвычайно удавались Баксту. В молодости он говорил друзьям, что мечтает стать знаменитым художником – он стал им благодаря костюмам к балету «Шехерезада». До неё были ещё «Саломея», «Клеопатра», «Юдифь», «Спящая красавица». После – «Жар-птица», «Видение розы», «Нарцисс», «Синий бог», «Дафнис и Хлоя».

Одной из самых знаменитых работ Бакста стал костюм Фавна для одноактного балета «Послеполуденный отдых фавна», в котором танцевал В. Нижинский. Современники часто говорили о «вакханалии красок» в его работах. Бакст учитывал психологические свойства цвета, считая, что цвет сам по себе способен передавать различные состояния и оттенки чувств. Он пользовался этой «красочной шкалой» чувств очень умело. Эскизы костюмов Бакста обладают всеми качествами законченного произведения искусства. Рисунок у него отточенный, линейный. Изображая фигуры танцующих беотийцев (жителей греческой области Беотия) или фавна (низшее лесное божество в античной мифологии), он охотно прибегает к ракурсам, резким движениям, поворотам. Но фигуры в его эскизах всегда гармонично вписаны в формат листа.

После окончания «Русских сезонов» Бакст, оставшись в Париже, работал в высокой моде, был художником по тканям и мечтал открыть собственный дом моды и дизайна. Этим мечтам не суждено было сбыться из-за тяжёлой болезни.

Евгений Лансере был немного младше организаторов «Мира искусства». Он учился в Париже в частных академиях, а вернувшись, стал работать как график и живописец. Он делал обложки, заставки, концовки для журнала «Мир искусства», иллюстрировал и оформлял произведения русской литературы. Самым значительным его творением стали иллюстрации к повести Л. Толстого «Хаджи-Мурат».

Станковая живопись Лансере связана с одной темой – русским XVIII веком. Это картины «Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе», «Петербург в XVIII веке. Здание Двенадцати коллегий», «Корабли времён Петра I». Иногда Лансере обращался к современным ему пейзажам Петербурга, выбирая, однако, исторические памятники, старые здания. Такой тип пейзажа стал популярен у мирискусников. Он был откликом на статьи Бенуа о красоте старого Петербурга и его архитектуры.

Особенно много сделала в этом жанре Анна Остроумова-Лебедева, прославившаяся цветными гравюрами на дереве. Цветная ксилография была старинной техникой, к тому времени забытой в России. В центре внимания художницы оказались Петербург и его пригороды, и в течение всей жизни она не отступала от этой темы, несмотря на то, что много ездила, работала в разных странах и привозила оттуда богатый натурный материал.

Иногда для своих гравюр она выбирает в качестве мотива какой-нибудь уголок города, показывает лишь часть известного архитектурного памятника, который вызывает широкие ассоциации. Но чаще художница создаёт обобщающие виды большого размера. Перед нами разворачиваются площади Петербурга, набережные Невы или каналов. Порой взгляд на архитектурный ансамбль брошен из-за колонн портика, сквозь решётку моста или ограды. Художница тонко чувствует характер петербургской архитектуры. В её композициях господствуют горизонтали, чётко прочерчены перспективные линии. Манера художницы под стать петербургскому классицизму.

Творчество Мстислава Добужинского имеет точки соприкосновения со всеми мастерами объединения, но он обладал и совершенно особыми чертами. Вернувшись после учёбы в Мюнхене в Петербург, он стал сотрудничать в журнале «Мир искусства» как график, брать заказы на оформление книг и афиш. В графических работах Добужинского сразу же проявилась особенность его манеры: напряжённая линия – извивающаяся, изогнутая. Линия, характерная для модерна, готова у него стать линией, свойственной языку экспрессионизма. Образцом его книжной графики стали иллюстрации к повести Достоевского «Белые ночи». Рисунки выполнены чёрной тушью. Добужинский сумел создать сложную гамму соотношений чёрного и белого. Художник выполнил страничные иллюстрации, заставки, виньетки, добиваясь максимального единства всех элементов книги. Он редко обращался к сценам, содержащим драматические коллизии. Тем не менее цикл проникнут напряжённым психологизмом: Добужинский погружает читателя в атмосферу душевных переживаний героев, свойственную произведениям Достоевского.

В середине 1900-х годов Добужинский стал активным сотрудником сатирических журналов. Известным его произведением, посвящённым событиям революции 1905г., стал графический лист «Октябрьская идиллия», опубликованный в журнале «Жупел». Художник изобразил угол дома, на который наклеен царский манифест, обещавший свободы. И тут же – следы разгрома демонстрации: пятно крови, брошенные очки, кукла. Все эти детали свидетельствуют о том, что пострадали мирные люди.

Главная тема Добужинского – современный город. Он не блещет великолепием старинной архитектуры, как у Остроумовой-Лебедевой; напротив, это город тёмных дворов-колодцев, многоэтажных одинаковых доходных домов, тускло глядящих невыразительными окнами на унылые улицы. Высокие глухие стены, водосточные трубы, железные крыши – вот мотивы, выбираемые Добужинским, в каком бы городе он ни находился. Это проявилось в работах «Человек в очках», «Окно парикмахерской», «Гримасы города» и других.

Иван Билибин занимался только книгой и печатной графикой (почтовые открытки, плакаты). Он опирался на традицию древнерусского искусства, народных лубочных картинок, а с другой стороны – графику европейского модерна и японскую ксилографию. Билибин выполнял обложки, страничные иллюстрации, шрифты, орнаменты, буквицы. Его книги печатались в высоком полиграфическом качестве в Экспедиции заготовления государственных бумаг. Он создал и довёл до совершенства новый тип детской книжки – богато орнаментированной тонкой тетрадки большого формата, отпечатанной на плотной, зернистой, слегка подцвеченной бумаге. Так он выпустил шесть русских народных сказок, былину «Вольга», «Сказку о золотом петушке» и «Сказку о царе Салтане» Пушкина.

На несколько лет «Мир искусства» распался, а когда в 1910 г. он появился вновь, тон в нём стали задавать уже иные художники. Главой объединения стал Николай Рерих. Славу ему принесли театрально-декорационные работы к опере «Князь Игорь» и балету «Весна священная», поставленных в рамках «Русских сезонов». Однако главной сферой деятельности Рериха была станковая живопись. Он работал в историческом жанре, но писал эпоху, которой не касались его товарищи – Древнюю Русь, старославянскую, дохристианскую. Это не сказочная старина Билибина, а полная тайн, мистики и загадок страна наших предков, воевавших, обживавших и обустраивавших свою землю, терпевших бедствия, прокладывавших новые пути.

Первое произведение этого цикла – «Гонец. Восста род на род», где в ночном пейзаже, в изображении плывущих на челне славян чувствуется тревога, ожидание будущих перемен. В картине «Заморские гости» нет проработки отдельных персонажей, а передано ощущение людской массы. Художник видит в природе сложные переживания и состояния, как в картине «Небесный бой»: битву ведут не людские, а природные силы, персонифицированные в облаках и ветрах. Это сближает творчество Рериха с символизмом.

В это же время в «Мир искусства» вошла и художница Зинаида Серебрякова. Она быстро завоевала признание зрителей, поскольку привнесла в русскую живопись обаятельное женское начало, простоту и доверчивость души, ясный и спокойный взгляд на мир. В одной из первых своих работ «За туалетом. Автопортрет» Серебрякова обратилась к традиционному мотиву отражения в зеркале, но осмыслила его не в религиозном и не в символическом ключе. Она просто изобразила себя причёсывающейся у туалетного столика, с многочисленными предметами женского обихода. Женская, а позже детская тема стала главной для художницы. Она пишет себя и своих детей за повседневными делами и играми, но классический рисунок, построение композиции, особый глубокий взгляд придают им небытовое, возвышенное значение. Таковы картины «За завтраком», «Карточный домик», «Автопортрет с дочерьми».

В крестьянских сценах Серебрякова продолжает традицию Венецианова, поэтизируя труд и отдых. Она пишет «Крестьянский обед», «Жатву», «Беление холста», достигая в этих работах наивысшей выразительности. В отличие от Венецианова, писавшего небольшие картины, Серебрякова стремится монументализировать образы. Она выбирает точку зрения снизу, а фигуры изображает на фоне неба. Художница использует ракурсы, сложные повороты голов и фигур. Так «Мир искусства», начав с ниспровержения традиций – и академической, и передвижнической, завершил своё существование творчеством Серебряковой, художницы классически ясной, далёкой от дерзости, иронии, отрицания.

Вопросы и задания

1. Расскажи об объединении «Мир искусства»: когда оно образовалось, сколько просуществовало, каковы были темы и творческие принципы, какие художники в него входили.

2. Рассмотри версальские работы Александра Бенуа. Сравни их с современными фотографиями Версаля. Что художник заострил, а чего, напротив, предпочёл не заметить?

3. Рассмотри иллюстрации А. Бенуа к поэме Пушкина «Медный всадник». Найди в тексте поэмы те места, к которым выполнены иилюстрации.

4. Почему «Азбука в картинках» А. Бенуа была принципиально новой книгой для маленьких? Рассмотри её. Попробуй нарисовать собственную композицию по сходному принципу: чтобы в неё входили только предметы или герои на определённую букву. Обрати внимание: она должна быть понятна детям дошкольного возраста.

5. Какими принципами оформления книги руководствовались художники «Мира искусства»? Перечисли основные книжные работы каждого из них.

6. Вспомни или прочти по Словарю терминов, что такое галантный жанр, французский регулярный парк, комедия дель арте.

7.Расскажи о Л. Баксте. Найди дополнительный материал на любую из тем: «Бакст- модельер» или «Бакст – художник театра».

8. Расскажи о творчестве А. Остроумовой-Лебедевой. Что такое цветная ксилография?

9. В чём особенности понимания города художником М. Добужинским?

10. Кто из художников пришёл в «Мир искусства» во второй период его существования? К какой эпохе обращался в своём творчестве Н. Рерих?

11. Нравятся ли тебе произведения З. Серебряковой на «женскую» и «детскую» темы? Найди информацию о других художниках или художницах, работавших в сходной тематике.