Муниципальное бюджетное учреждение

Муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования

«Кольская районная школа искусств»

МБУДО «КРДШИ»

История искусств

Экзаменационный билет № 12

Выполнил - Грекина Александра Валерьевна

Проверила - преподаватель Лазарева Виктория Викторовна

Кола

Билет № 12.

Вопрос № 1. Пейзаж в русской живописи XIX века.

Назвать имена представителей этого жанра и названия их произведений.

Пейза́ж(фр. Paysage, от pays — страна, местность) — жанр изобразительного искусства (а также отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа. В пейзажном произведении особое значение придаётся построению перспективы и композиции вида, передаче состояния атмосферы, воздушной и световой среды, их изменчивости.

Пейзаж, как самостоятельный жанр живописи, утвердился в России примерно в середине XVIII века. А до этого периода пейзаж был фоном для изображения иконописных композиций или частью книжных иллюстраций.

Пейзаж на картинах художников — это отображение природы во всём её удивительном многообразии. У каждого мастера — своё видение, свой стиль, своя палитра. Разглядывая пейзажи на картинах известных художников, мы видим всю планету: тихие берёзовые рощи, бушующие океаны, залитые солнечным светом лужайки, таинственные тропинки старинных парков, величественные горы, поющие ручьи.

Сейчас я расскажу о парочку художников – пейзожистов в русской живописи 19 века.

Русский живописец, Исаак Ильич Левитан(1860 – 1900 гг.) вошел в историю искусства как создатель пейзажа настроения, пейзажа с тонкой философской подоплекой. Его талант был признан современниками безоговорочно. В природе он любил все: различные ее рельефы, любую погоду, любую пору - утро, день или вечер. Пейзажи И. Левитана - очень русские, убедительно русские в силу неизменного ощущения в них человеческого начала. Не человека вообще, а именно русского человека. Художник изображал лишь обжитые пейзажи, никогда не испытывал желания уйти в какие-нибудь дебри, "куда не ступала нога человека". Вот в вечернем сумраке на берегу виднеются лодки, среди осеннего оврага - мельница, сквозь майскую зелень проступают крыши домов, даже березовая роща и та кажется ухоженной человеком. Но человек отсутствует на картинах И. Левитана.

Известные работы И. И. Левитана

	"Над вечным покоем" 1894 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Тихая обитель" 1890 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Свежий ветер. Волга" 1895 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Вечерний звон" 1892 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"У омута" 1892 г. (Государственная Третьяковская галерея)

В абсолютном большинстве работ художника Архипа Ивановича Куинджи(1842 – 1910) именно свет, его различные оттенки и состояния играют роль главного действующего лица. Во многих картинах практически нет никакого особого сюжета. Они по-детски просты и естественны. Абсолютно не неся какой-либо обличительной или наставительной морали, полотна Архипа Ивановича и самым поразительным и чудесным образом показывают красоту и гармонию окружающего мира, словно глядя своим сильным и ясным внутренним взором прямо в сердце зрителя.

Коллеги художника, по достоинству оценившие его высокое мастерство, говорили, что никто не владеет таким точным чувством тонов, таким полным пониманием взаимного их дополнения и усиления, как Архип Куинджи. На выставки с участием полотен живописца собирались огромные очереди посетителей, которые, проведя долгое время в созерцании, выходили из зала глубоко взволнованные и очарованные. Некоторые его персональные показы состояли всего из одной картины, но при этом производили просто потрясающий эффект и общественный резонанс. О нем говорили, как о маге и чародее. К большому сожалению, из-за несовершенства использовавшихся тогда красок по прошествии времени произошло заметное потускнение цветов на картинах художника.

Известные работы А. И. Куинджи

	"Лунная ночь на Днепре" 1880 г. (Государственный Русский музей)
	"Дарьяльское ущелье" Между 1890 и 1895 гг. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Ночное" 1905—1908 гг. (Государственный Русский музей)
	"Вечер на Украине" 1878 г. (доработана в 1901г.) (Государственный Русский музей)
	"Берёзовая роща" 1879 г. (Государственная Третьяковская галерея)

Истинный масштаб таланта живописца наиболее полно раскрывается в его лучших работах. Они, как открытая книга, распахивают перед нами всю глубину души, всю уникальность личного авторского мировосприятия. Художник Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898) посвятил свое творчество одному главному направлению – пейзажу. В ряду мастеров кисти второй половины XIX века он занимает свое отдельное и исключительно особое место. Его картины наполнены единым поразительно сильным и ошеломляюще глубоким чувством – любовью к родной земле. Они ненавязчиво, но неотступно захватывают сердце зрителя, помогая ему ощутить подлинную красоту неброской северной природы.

С особой любовью Иван Шишкин изображал деревья, приобретавшие под его карандашом или кистью уникальную индивидуальность и крайнюю достоверность форм листвы, ветвей, стволов, элементов окружающей местности – хвороста, папоротников, трав, фрагментов почвы. Березы, дубы и сосны на картинах художника переживали все периоды природного возраста от юности до старости и гибели в буреломе.

Иван Иванович стремился передавать природу в момент ее наивысшего расцвета, наполняя полотна летним полуденным солнцем, добиваясь тонального единства и цельности своих картин. Это несколько обеднило его творчество, лишив его буйства красок переходных сезонов – весны и осени. Излишняя реалистичность также сказывалась на общем настроении пейзажей, частично приглушая их эмоциональный фон, отодвигая на второй план колорит и сужая возможности, предоставляемые живописцу широкой цветовой палитрой.

Известные работы И. И. Шишкина

	"Утро в сосновом лесу" 1889 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Рожь" 1878 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Дубовая роща" 1887 г. (Киевский музей русского искусства)
	"Сосны, освещенные солнцем" 1886 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Рубка леса" 1867 г. (Государственная Третьяковская галерея)

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830 – 1897) творил в жанре пейзажа, что в самом деле разительно отличалось от произведений его предшественников. Он наполнил это направление удивительной поэтичностью авторского мировосприятия, живой гармонией подлинного бытия. До него пейзаж изображался либо академически суховатым, либо идиллически отвлеченным от реальности. А на полотнах Алексея Кондратьевича природа выглядела абсолютно реальной, естественной, дышала подлинной свежестью. В то же время его картины были глубоко лиричны, невольно вызывая ассоциации с застывшими в красках прекрасными стихами или музыкой.

Исследователи творчества Алексея Саврасова отмечают особое отношение художника к родине. Действительно, его картины это не просто любовь к красоте, но особое отношение к России. Саврасов искренне любил свою родину и восхвалял своим творчеством простор и таинство, свойственное прекрасной русской природе.

Такие же теплые чувства он испытывал к сёлам и деревням, полным простоты и где-то неблагополучия, но всё же приятные взгляду. В его творчестве чувствуется определенный трагизм, свойственный русскому народу, и ему же присущие духовные силы и простор.

Известные работы А. К. Саврасова

	"Грачи прилетели" 1871 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Радуга" 1875 г. (Государственный Русский музей)
	"Вид в окрестностях Ораниенбаума" 1854 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Сельский вид" 1867 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду" 1851 г. (Государственная Третьяковская галерея)

Иван Константинович Айвазовский (1817 – 1900) поистине велик, и море на его полотнах — словно живое. Оно напоминает могучего титана, который омывает берега и любит людей, сильных телом и духом, способных рискнуть и довериться морским волнам, чтобы получить его щедрые дары. Темы работ художника менялись, его увлекала романтика дальних плаваний, неукротимая сила шторма, он изображал кораблекрушения и морские битвы. Он часто писал море ласковое, спокойное, удивительно красивое, благосклонное к людям. Художник добился в своих лучших работах подлинного реализма, раскрыв характер моря так, словно это был человек, а не природная стихия.

Будучи глубоко верующим, Айвазовский написал ряд полотен на библейскую тему. Одухотворенный Святым Писанием и рассказами своего брата-священнослужителя Гавриила, Иван Константинович олицетворял в своих картинах наиболее значимые священные моменты. Однако, на всех шедеврах присутствовала водная стихия – лейтмотив работ мастера.

Пейзажист-маринист Иван Константинович Айвазовский рисовал не только морские пейзажи. Красочны и необычны изображения художником видов дагестанского аула Гуниб, афинского Акрополя, большой пирамиды в Гизе, фонтана и дворца в Петергофе, Воробьевых гор в Москве.

Известные работы И. К. Айвазовского

	"Девятый вал" 1850 г. (Государственный Русский музей)
	"Море. Коктебель" 1853 г. (Картинная галерея им. Айвазовского)
	"Волна" 1889 г. (Государственный Русский музей)
	"Радуга" 1873 г. (Государственная Третьяковская галерея)
	"Чесменский бой" 1848 г. (Картинная галерея им. Айвазовского)

Вопрос № 2. Первобытное искусство

Первобытное искусство — искусство эпохи первобытного общества. Возникнув в позднем палеолите около 33 тыс. лет до н. э., оно отражало воззрения, условия и образ жизни первобытных охотников (примитивные жилища, пещерные изображения животных, женские статуэтки). Специалисты полагают, что жанры первобытного искусства возникали примерно в такой последовательности: каменная скульптура; наскальная живопись; глиняная посуда. У земледельцев и скотоводов неолита и энеолита появились общинные поселения, мегалиты, свайные постройки; изображения стали передавать отвлеченные понятия, развилось искусство орнамента.

Подлинное возникновение искусства антропологи связывают с появлением homo sapiens, которого иначе именуют кроманьонским человеком. Кроманьонцы (так назвали этих людей по месту первой находки их останков — гроту Кро-Маньон на юге Франции), появившиеся от 40 до 35 тыс. лет тому назад, были людьми высокого роста (1,70—1,80 м), стройных, крепкого телосложения.

В глубокой древности для искусства человек использовал подручные материалы — камень, дерево, кость. Первые произведения первобытного изобразительного искусства относятся к Ориньякской культуре (поздний палеолит), названной по пещере Ориньяк (Франция). С этого времени широко распространились женские фигурки из камня и кости

Если расцвет пещерной росписи наступил примерно 10—15 тыс. лет тому назад, то искусство миниатюрной скульптуры достигло высокого уровня значительно раньше — около 25 тыс. лет. К этой эпохе относятся так называемые «венеры» — фигурки женщин высотой 10—15 см, обычно подчеркнуто массивных форм. Подобные «венеры» найдены во Франции, Италии, Австрии, Чехии, России и во многих других районах мира. Возможно, они символизировали плодородие либо были связаны с культом женщины-матери: кроманьонцы жили по законам матриархата, и именно по женской линии определялась принадлежность к роду, который почитал свою прародительницу. Женские скульптурки ученые считают первыми антропоморфными, т. е. человекоподобными изображениями.

И в живописи, и в скульптуре первобытный человек часто изображал животных. Склонность первобытного человека изображать животных именуют зоологическим или звериным стилем в искусстве, а за свою миниатюрность небольшие фигурки и изображения зверей получили название пластики малых форм. Звериный стиль — условное название распространенных в искусстве древности стилизованных изображений животных (либо их частей). Звериный стиль возник в бронзовом веке, получил развитие в железном веке и в искусстве раннеклассических государств; традиции его сохранились в средневековом искусстве, в народном творчестве.

В некоторых пещерах обнаружены высеченные в скале барельефы, а также отдельно стоящие изваяния животных. Известны небольшие статуэтки, которые вырезались из мягкого камня, кости, бивней мамонта. Главным персонажем палеолитического искусства является бизон. Кроме них, найдено множество изображений диких туров, мамонтов и носорогов.

Наскальные рисунки и живопись разнообразны по манере исполнения. Взаимные пропорции изображаемых животных (горный козел, лев, мамонты и бизоны) обычно не соблюдались — огромный тур мог быть изображен рядом с крошечной лошадью.

Несоблюдение пропорций не позволяло первобытному художнику подчинить композицию законам перспективы (последняя, кстати сказать, была открыта очень поздно — в XVI в.). Движение в пещерной живописи передается через положение ног (скрещивающиеся ноги например, изображали животное набегу), наклон тела или поворот головы. Неподвижных фигур почти нет.

Первые находки сделаны в XIX веке в пещерах Пиренейских гор. В этом районе расположено более 7 тыс. карстовых пещер. В сотнях из них обнаружены наскальные изображения, созданные краской или выцарапанные камнем. Некоторые пещеры представляют собой уникальные подземные галереи (пещеру Альтамира в Испании называют «Сикстинской капеллой» первобытного искусства), художественные достоинства которых привлекают сегодня множество ученых и туристов. Наскальные рисунки древнекаменного века называют настенной живописью или пещерной росписью.

Картинная галерея Альтамиры тянется более чем на 280 метров в длину и состоит из множества просторных залов. Обнаруженные там каменные инструменты и оленьи рога, как и фигурные изображения на обломках костей, были созданы в период с 13000 по 10000 гг. до н. э. По мнению археологов, свод пещеры обвалился в начале нового каменного века.

В самой уникальной части пещеры — «Зале животных» — найдены изображения бизонов, быков, оленей, диких лошадей и кабанов. Некоторые достигают высоты в 2,2 метра, чтобы рассмотреть их подробнее, приходится ложиться на пол. Большинство фигур нарисованы коричневым. Художники искусно использовали естественные рельефные выступы на скальной поверхности, что усиливало пластический эффект изображений.

В 1895 году были найдены рисунки первобытного человека в пещере Ля-Мут во Франции.

В 1901 году здесь же, в пещере Ле-Комбатель в долине Везера, обнаружено около 300 изображений мамонта, бизона, оленя, лошади, медведя. Недалеко от Ле-Комбателя в пещере Фон де Гом археологи открыли целую «картинную галерею» — 40 диких лошадей, 23 мамонта, 17 оленей.

При создании наскальной живописи первобытный человек использовал естественные красители и окиси металлов, которые он либо применял в чистом виде, либо смешивал с водой или животным жиром. Эти краски он наносил на камень рукой или кисточками из трубчатых костей с пучками волосков диких зверей на конце, а порой выдувал через трубчатую кость цветной порошок на влажную стену пещеры. Краской не только обводили контур, но закрашивали все изображение. Для выполнения наскальных изображений методом глубокого прореза художнику приходилось пользоваться грубыми режущими инструментами. Массивные каменные резцы были найдены на стоянке Ле Рок де Сер.

Виды архитектурных сооружений:

Менгиры – это необработанные крупные камни значительной высоты, поставленные в вертикальном положении и образующие длинные ряды.

Дольмены – состоят из двух больших, стоящих рядом вертикальных камней, на которые положен грубо обработанный каменный блок. Дольмены обычно расположены таким образом, что они образуют длинные пространства, похожие на коридоры.

Кромлехи – это вертикально стоящие камни, расположенные по кругу. Они соедины между собой массивными блоками. Самым выдающимся сооружением подобного типа является знаменитый Стоунхендж, построенный около Солсбери на юге Великобритании.