Муниципальное бюджетное учреждение

Муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования «Школа искусств №68»

Задания для обучающихся художественного отделения

(с 30.03.2020. по 12.04.2020.)

13.04.2020. – сдача работ

класс	Предмет	Задание
1 класс (8 лет обучение)	Основы изобрази тельной грамоты	1. Творческое задание «Портрет мамы», формат А4. Материал – акварель, гуашь. 2. Выполнение этюдов на тонированной бумаге, картоне «Зайчик зимой», «Белые медведи», использовать белую гуашь, формат А4. Материал – белила, цветной картон, плотная бумага.
	Прикладное творчество	Эскизы Плешковской игрушки – свистульки. формат А8 (1/2 альбомного листа). Примеры смотреть в материалах по классам. Материал – гуашь или акварель+ белила.
	Лепка	1. Выполнить полуобъемную работу на картоне: «Божья коровка», «Жуки», «Кит» 2. Выполнить полуобъемную работу на картоне: «Печатный пряник», «Жаворонки» Материал - пластилин
	Беседы об искусстве	Письменная работа на тему «Музыка и музыкальные инструменты»
1 класс (5 лет обучения) 4класс (8 лет обучения)	Рисунок	1. Задание «Зарисовка мягкой игрушки». Задача: компоновка в листе. Пропорции, выразительность силуэта, формат А4. Материал – уголь, мягкий карандаш. 2. Задание «Зарисовки животного» (кошка, собака). Задача: компоновка в листе, пропорции. Передача материальности меха, формат А4. Материал – уголь, пастель. 3. Задание «Зарисовки фруктов, овощей». Задача: компоновка листа. Выявление объема предметов , формат А4. Материал- графитный карандаш.
	Живопись	1. Натюрморт из двух предметов (кружка с фруктами) на зеленом фоне. Задача: влияние цветовой среды на предметы, формат А4. Материал – акварель. 2. Этюд отдельных предметов домашней утвари. Задача – использование в процессе работы различных приемов акварели, формат А4. Материал – акварель..
	Композиция станковая	«Выполнение праздничной открытки» к 75-летию Победы, формат А4. Материал – акварель, гуашь.
	История изобразительного искусства	Сочинение на любую тему: «Библиотека», «Правила пользования библиотекой», «Сеть интернет как информационный ресурс»
2 класс (8 лет обучения)	Основы изобразительной грамоты	1. Творческая композиция «Космос», «Сказочный замок», формат А4. Материал – гуашь, акварель. Условный объем. Выполнение этюда (яблоко, мячика). Задача: передать свет и тень на предмете, формат А4. Материал – акварель.
	Прикладное творчество	Копирование образцов вышивки «Орловский спис». Примеры смотреть в материалах по классам.
	Лепка	Объемная композиция «Овощная семейка», разместить на круглом картоне диаметром 10-12 см. Материал - пластилин
	Беседы об искусстве	Сочинение на любую тему: «Библиотека», «Правила пользования библиотекой», «Сеть интернет как информационный ресурс»
3 класс (8 лет обучения)	Основы изобразительной грамоты	Эскизы композиции к 75-летию Победы. Формат А4. Материал – акварель, пастель или гуашь.
	Прикладное творчество	Эскизы «Цветы и насекомые», «Цветы и птицы». Формат А4. Материал – акварель.
	Лепка	Объемная скульптурная композиция с применением каркаса по теме: «Хозяин и его животное», «Охота», «Цирк»
	Беседы об искусстве	Доклады на тему: «Реставрация и хранение объектов культуры и искусства» и «Значение культурного наследия в истории человечества»
3 класс (5 лет обучения) 6 класс (8 лет обучения)	Рисунок	1. Композиционные зарисовки из предметов быта. Предметы контрастные по тону и размеру. Задача: передача объема предметов. Конструктивное построение формат А3. Материал – графический карандаш. 2. Наброски и зарисовки домашних животных (кошка, собака) 2-3 наброска. Задача: передача: конструктивного построения животного, формат А4. Материал – уголь, сангина, мел.
	Живопись	1. Натюрморт из 2-3х предметов в теплой цветовой гамме. Задача: цельность колористического решения, формат А3. Материал – гуашь. 2. Натюрморт из 2-3х предметов в холодной цветовой гамме. Задача: цельность колористического решения. Формат А3. Материал – гуашь.
	Композиция станковая	Выполнение плаката к 75-летию Победы. Формат А3. Материал – любой (гуашь, акварель, графические материалы).
	История изобразительного искусства	Доклад по теме: «Импрессионизм»
4 класс (5 лет обучения) 7 класс (8 лет обучения)	Рисунок	1. Наброски и зарисовки фигуры человека. Задача: передача пропорций человека, наброски – линейные, зарисовки - выявление света и тени. Формат А4. Материал – любой. 2. Зарисовка интерьера (часть комнаты). Задача: построение интерьера с учетом линейной и воздушной перспективы. Формат А3. Компоновка в листе. Материал – графический карандаш.
	Живопись	1. Этюды отдельных предметов различных по материалу. Задача: применение различных предметов работы с акварелью. Ритмическое построение цветовых пятен. Формат А3. Материал – акварель. 2. Этюд драпировки со складками. Задача: лепка формы цветом. Передача материальности. Формат А3. Материал – гуашь. 3. Этюды птиц и животных с репродукций художников-анималистов. Задача: поиск интересного живописно-пластического решения. Использование акварели (многослойная акварель). Формат А4. Материал – акварель.
	Композиция станковая	Выполнение плаката к 75-летию Победы или сюжета на тему Великой Отечественной войны. Формат А3.Материал – на выбор (гуашь, акварель).
	История изобразительного искусства	Самостоятельно изучить тему «Творческие объединения конца XIX – начала XX века (текст смотреть в материалах по классам.)

Материал к урокам 1 класса (8 лет обучения) по предмету «Прикладное творчество»

Плешковская игрушка среди многочисленных промыслов русской игрушки отличается особенным своеобразием. Она выполнена из глины нежно-кремового оттенка, с вкраплениями блестящего кварца, и не окрашена целиком, но лишь слегка декорирована пятнышками оранжевой и зеленой краски. Эти краски Фроловы, делают по старому рецепту - из тертого кирпича и из сока лопуха. Грудки плешковских петухов и курочек украшают красивые лепные защипы - “гармошечкой”, а вместо одной руки у плешковской куклы - свисток.

Облик игрушки на удивление прост. Но в этой простоте и заключается наиболее привлекательная ее черта. Фигурки персонажей вылеплены так, чтобы не показать, но назвать предмет, лаконично, в два-три приема лепки, без лишних деталей. В своей условности и простоте плешковская игрушка сродни произведениям эпохи Бронзового века. Неолита. Народный мастер передаст лишь самое существенное, упуская незначительное. Этим врожденным качествам труднее всего научиться. Непотомственному мастеру в этом деле помогает народный склад характера, души, пусть он и житель города. Именно так получилось у Фроловых. Их игрушка сблизилась с деревенской, корневой, не только по внешнему облику, но и по внутреннему настрою. И стала, поэтому, частью истории Плешковского центра.

Один из главных законов народного искусства - это закон традиции, передачи из поколения в поколение, от прадедов к внукам, секретов мастерства, приемов лепки, мотивов росписи. Народный мастер лепит так, как учили его отец и дед, как лепили его далекие предки.

Поэтому в игрушке многое напоминает древнюю ритуальную скульптуру: кукла, баба — богиню плодородия; коньки, коровки, олени - аллегорические изображения Солнца, тотемы далекого прошлого.

Материал к урокам 2 класса (8 лет обучения) по предмету «Прикладное творчество»

Материал к урокам

4 класса (5 лет обучения) и 7 класса (8 лет обучения) по предмету «История изобразительного искусства»

«Голубая Роза» — художественная выставка, состоявшаяся в 1907 году в Москве и положившая начало творческому объединению «голуборозовцев» среди которых живописцы П. Кузнецов, Н. Сапунов, С. Судейкин, Н. Крымов, М. Сарьян, скульптор А. Матвеев и др.

Характерное для русского символизма название — «Голубая Роза», данное, предположительно В. Я. Брюсовым, с одной стороны подчёркивало преемственность с художественным объединением «Алая роза», а с другой — выражало поэтическую мечту о несбыточно-прекрасном, по аналогии с «голубым цветком» Новалиса или, в более поздней интерпретации — с появившейся годом позже пьесой «Синяя птица» Мориса Метерлинка.

Выставка была открыта 18 марта 1907 года в Москве на Мясницкой улице в доме фабриканта фарфора М. С. Кузнецова и была организована на средства Н. П. Рябушинского — мецената, издателя журнала «Золотое руно» и художника-любителя. С Н. Рябушинским сотрудничали многие поэты-символисты того времени — Андрей Белый, Д. С. Мережковский, А. А. Блок, В. Я. Брюсов и др. Вполне вероятно, что именно Валерий Брюсов предложил название «Голубая роза».

Основу выставки составляли работы участников более ранней экспозиции — «Алая роза», проведённой в 1904 году в Саратове. Московская выставка ознаменовала собой начало поздней фазы русского символизма. В сравнении с графически-линейными произведениями мастеров из Санкт-Петербурга, объединённых в «Мир искусства» и доминировавших в художественной жизни Российской империи начала XX века, работы молодых авторов из Москвы поразили зрителей нежными, дымчатыми, будто тающими красками и зыбкими, ускользающими формами. Большинство представленных на выставке полотен было создано в стиле модерн в его московском варианте. Вместе с тем часть работ как бы предвосхищала появление авангардных направлений 1910-х годов — экспрессионизм, примитивизм. Выставку посетило более пяти тысяч человек.

Показ работ молодых московских новаторов вызвал усиленную полемику среди художественной интеллигенции: в журнале «Весы» с резкими критическими отзывами выступил И. Э. Грабарь, призывавший голуборозовцев уйти из «царства теней» в солнечный мир реальности. Ответное заявление на страницах журнала «Золотое руно» опубликовал В. Милиоти в нём художник отстаивал значение выставки как новой вехи в развитии русского искусства.

Художественное объединение мастеров «Голубая роза» прекратило своё существование в 1910 году. Часть участников отошли от символизма, но продолжали создавать романтически-одухотворённые образы. В 1920-е гг. некоторые из участников выставки вошли в художественные объединения «Маковец» и «Четыре искусства». Ретроспективные выставки художников «Голубой розы» были организованы в Москве в 1925 («Мастера „Голубой розы“»; прошла в Третьяковской галерее, 1988, 1999 (в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) и 2006 годах.

В конце XIX - начале XX века в Московском училище живописи, ваяния и зодчества сформировалось содружество шестнадцати молодых живописцев, получившее впоследствии название «Голубая роза». Их лидеры Павел Кузнецов и Пётр Уткин - были выходцами из старинного волжского города Саратова. Кроме них, в группу входили: А.А. Арапов, Н.Н. Феофилактов, Н.П. Крымов, Н.Д. Милиоти, Н.Н. Сапунов, М.С. Сарьян, С.Ю. Судейкин, скульптор А.Т. Матвеев, К.С. Петров-Водкин в начале своего творческого пути и другие. М.А. Врубель принимал участие в их выставках. Подобно французским «набидам» (художникам-пророкам: Боннару, Вюйару, Дени) они считали себя провозвестниками нового вида искусства, главной целью которого стало создание масштабной картины-панно, где синтезировались бы все виды искусства: живопись, архитектура, музыка, поэзия, а также театрально-декорационное искусство. Особое значение придавалось музыке с её бесконечностью, импровизационностью, одухотворённостью. Музыкальная ритмика картин заставляла жить их своей жизнью, создавала трансцендентное бытие, существуя вне реального времени и пространства. В этих проникнутых музыкой символах чувствуется связь с картинами другими представителей европейского символизма: знаменитыми панно А. Матисса «Танец», «Музыка», «Адажио», «Симфония» П. Синьяка, «Голубые танцовщицы» Дега, театральными афишами Тулуз-Лотрека…

А начиналось всё с «музыкальных» полотен духовного наставника молодых художников, саратовца В. Э. Борисова-Мусатова. Его картины-элегии с размытыми в тумане красками, неспешным ритмическим движением напоминают давно забытый старинный мотив, несущий неразгаданную вековую печаль. Герои его произведений находятся между сном и явью или кажутся погружёнными в мистический сон, что делает их обитателями иных миров («Сон божества»). В картине «Призраки», програмном произведении живописца все эти черты воплотились в полной мере: персонажи как бы скользят мимо нас по воздушной поверхности. Ожившие статуи и фигура девушки воспринимаются, как отражения на тёмной глади воды. Их движение напоминает расходящиеся по её поверхности круги. Малейшее дуновение утреннего ветерка и всё навеки исчезнет в реке забвения.

Известный исследователь «Голубой розы» И. Гофман, считает, что на формирование художественно-эстетических принципов саратовских художников несомненное влияние оказали волжские пейзажи: «Спокойное величие русской реки, голубой красавицы-Волги, с высоким пронизанным солнцем лазурным небом над ней, словно приоткрыли этим художникам некую тайну Красоты и Гармонии».(1) Значение Волги для становления саратовской художественной школы сопоставимо с ролью туманной Темзы в развитии английского пейзажа и Сены – в появлении барбизонской школы -предтечи импрессионизма во Франции.

В 1904 году художники организовали в Саратове выставку «Алая роза». Фигурирующая в названии Роза это метафизический символ, известный еще с эпохи Средневековья, возлюбленный как философами Востока и Запада. Имя Розы это вечная неразгаданность тайного кода Вселенной. В выставке принимал участие и Борисов-Мусатов.

Вскоре цвет алой розы как цвет реальности, свежести, плоти и крови перестаёт удовлетворять художников и превращается в оттенок сине-голубой. Отныне объединение живописцев называется «Голубая роза». Предпочтение голубого цвета не простая дань моде. Сине-голубые тона – символ эпохи модерн. Это цвет средневековых фресок Испании, Англии, России, иллюминированных манускриптов, роскошных эмалей. Живопись великого Эль Греко, также имеет холодный, неземной оттенок голубого. Если углубиться в символику и историю голубого цвета, то можно отметить, что античность недолюбливала синие оттенки, римляне их считали варварскими, в то время, как истинно царским рассматривался драгоценный пурпур. Триумф синего цвета можно напрямую связать с триумфом европейского христианства в период зрелого средневековья. Мишель Пастуро в своей книге «Символическая история средневековья» называет господство синего цвета, «синей революцией», которая началась с 1140-х годов во Франции, а затем захлестнула остальные европейские страны. Он «неожиданно вторгается во все формы художественного творчества, становится цветом Христа и Девы Марии, потом цветом королей и князей, а с конца XII века даже начинает составлять конкуренцию красному цвету во многих сферах общественной жизни. Следующий век становится великим веком распространения синего». С XIV века он становится любимым цветом европейской цивилизации, её символом.

За несколько веков сияющая синь королевских одежд средневекового мира претерпела ряд метаморфоз. В частности, со времени романтизма начала-середины XIX века сине-голубой стал символом вселенского одиночества, удалённого, непостижимого идеала. В конце XIX - начале XX века под влиянием философского произведения О. Шпенглера «Закат Европы» этот цвет несёт печать отверженности, печали, умирания фаустовской культуры.

Итак, произведения голуборозовцев, таким образом, становятся в один ряд с холодным сине-голубым миром Сезанна, произведениями «голубого периода» Пабло Пикассо, где фигурируют одинокие герои - «убогие бродяги, избравшие церковную паперть своей родиной… Здесь всё скорбь и печаль» (Сальмон)

Однако лирическая печаль некоторых произведений художников «Голубой розы» (воздействие полотен Борисова-Мусатова) не главный двигатель их мировоззрения. Голубой цвет для молодых людей, не отягчённых фаустовской скорбью это цвет фантазии, мифа, становления нового мира. В этом плане показательны картины Павла Кузнецова «Голубой Фонтан» ( 1905 г. Москва. Государственная Третьяковская галерея.) и «Видение в степи» (1910 г. Москва. Государственная Третьяковская Галерея.), где обыденная реальность преображается под действием волшебства, как в произведении М. Метерлинка «Синяя птица». Художники смотрят на простой мир глазами юных героев сказки и все вокруг сияет небесной лазурью детства, радости и счастья. Именно ребёнок может увидеть сокрытую от других тайну Вселенной, детская чистота способна «снова зажечь потухшие глаза человечества». Радостно-восторженный, непредвзятый взгляд на мир глазами ребёнка роднит произведения голуборозовцев с примитивизмом и позволяет говорить о них как провозвестниках русского авангарда.

18 марта 1907 года в Торговом доме М. С. Кузнецова на Мясницкой состоялась юбилейная выставка, знаменующая 10-летие группы молодых художников-символистов. Она стала эпохальным событием в истории русского искусства. В этой выставке принимали участие Н. Сапунов, А. А. Арапов, П. В. Кузнецов, Н. П. Крымов, братья Н. Д. и В. Д. Милиоти, Н. П. Феофилактов. Новое направление в искусстве стало именоваться по названию выставки «Голуборозовским».

Всё происходило на Мясницкой 8 (Дом фарфора), в доме Кузнецова, построенном Ф. О. Шехтелем в 1889-1903 годах, на втором этаже. Организована она была на средства Н. П. Рябушинского, (2) он же был её куратором, а М. С. Кузнецов предоставлял выставочное пространство, где его родственнику предоставлялась полная творческая свобода. К выставке тщательно готовились. Её проект долго обсуждался в редакции журнала «Золотое Руно» , а также в мебилированных комнатах, размещавшихся над кофейней Д. Филиппова на Тверской, где и жило большинство её участников.(3)

В результате выставка в Торговом доме Товарищества стала не просто выставкой, а настоящим интерактивным действом, только на этот раз выходившим за рамки домашних и заводских постановок Кузнецовых. Стены были обиты материей голубовато-серых тонов, полы устланы коврами тех же оттенков. Картины имели непривычные для живописи названия: «Испуг», «Шум моря», «Увядающее Солнце», «Предчувствие девы» и были выдержаны в голубой тональности, едва проступая на фоне стен. Художники с букетиками блёклых цветов в петлицах прохаживались у своих работ. Тихо звучала музыка. Художник Сергей Виноградов вспоминал, что это «Была сенсация в московском мире искусства. И устроена она была с такой исключительной изысканностью красоты, что подобного не видели никогда. Благоухала выставка цветами, невидимый оркестр как-то тихо и чувствительно играл, красота нежных мягких красок в картинах, наряднейшая красивая толпа, небольшой размером каталог, на обложке его по рисунку Сапунова голубая роза-нежная, блёклая - всё так гармонично, чарующе, так цельно, красиво и радостно…» (4) По воспоминаниям, в вечерние часы на выставке устраивались специальные «исполнительские собрания», на которых шли беседы о новых задачах, стоявших перед искусством. Собирался весь цвет московских символистских кругов. «Выступали с чтением стихов и прозы Брюсов, Бальмонт, Ремизов. Читали доклады Балтрушайтис, А. Белый. Исполняли свои произведения Скрябин, Ребиков, Черепнин, Спендиаров. Играл Игумнов. Греческие танцы продемонстрировала госпожа К.Я. -последовательница Айседоры Дункан»

П. Кузнецов развивал вновь тему фонтана («Белый фонтан»), Сарьян-сказки и сны, Уткин-продолжил мотив «ночей». Но теперь «Голубая роза» впервые обрела свой собственный символ, выразивший настроения той эпохи и стала сплочённой группой в 16 человек вместе с выступившим с ними в качестве художника Н. Рябушинским. (5) Малевич, автор «Чёрного квадрата на белом фоне», так понимал символику «Голубой розы»: «она (роза) была избрана как лучшее и тонкое существо из всех цветов, которые нельзя увидеть среди продажных цветов магазинов и бульваров». И. Грабарю, наоборот, выставка казалась блажью молодёжи, символистическим кривлянием: «на выставке было непростительно много «приятностей» и до одури иного «вкуса»». (6)

Корреспондент Николай Кочетов в газете «Московский листок» от 14 апреля 1907 года задавал возмущённые вопросы: «Нас многие спрашивали: неужели это серьёзно? Неужели это не глумление, не вызов публике? Но тогда что же это такое?» Это «извращение розы». «Это логика кошмарных снов. И как кошмар не исправляет и не улучшает жизнь, так и это кошмарное искусство не может исправить мир, на что претендует современное сверхискусство».

И это были действительно сны, но только не кошмарные, а сны, похожие на тихую, светлую кончину великого живописца. Дело в том, что «Голубая роза» была открыта вслед за посмертной выставкой Борисова-Мусатова, состоявшейся в феврале 1907 года. На этой «живой» выставке было странно думать о смерти художника, писал Б. Липкин. «То, что делал Мусатов, это цветы, расцветшие прошлой ночью; они не завяли ещё: это-сегодня».(7)

Поэтому для Маковского выставка эта воспринималась как «выставка-часовня», где «Светло. Тихо. И картины - как молитвы». Подобно сказке «Синяя птица» в работах художников было много чистого, незамутнённого, как душа ребёнка. Критик Сергей Глаголь, напротив возмущался: «достаточно быть Рябушинским, чтобы мановением волшебного жезла детски неумелая мазня превращалась в шедевры», чтобы «всё было дозволено». Н. Кочетов: «А вот и картинки Миши, когда ему было всего семь лет. Виноват. Это «Сказки и сны» Сарьяна и мы принуждены взять более серьёзный тон».

Вокруг выставки разгорелась целая полемика, и в центре её был торговый дом М. С. Кузнецова, воспринимающийся теперь колыбелью символизма. И только. Дальше пути расходятся. Матвей Сидорович Кузнецов с его традиционными вкусами не мог в полной мере оценить творчество «голуборозовцев». Хотя в отдельных пунктах их интересы соприкасались. Например, декоративные работы Сапунова и Головина, казалось, были созданы для фарфора. Однако понравившаяся Кузнецову работа «Голубые гортензии» Сапунова была заблаговременно приобретена купцом Третьяковым и не выставлялась в его доме, а сотрудничество с фарфоровыми фабриками Кузнецова и тиражирование их картин не отвечало наполеоновским амбициям молодых людей. Не хочется размениваться по мелочам, когда ты находишься в зените славы, во главе обновлённого искусства…Да и не стоит ограничивать своё творчество только «цветочной» темой. В огромном торговом зале у Кузнецова Сапунов выставил уже другие свои работы: «Балет», «Маскарад» и «Менуэт».

В пятом номере журнала «Золотое руно» содержалась аналитическая статья С. Маковского об этой выставке, после которой происходит признание этого нового направления: в апреле того же года возникает Общество «Свободная эстетика» -объединение культурной элиты, призванное «способствовать успеху и развитию искусства и литературы и содействовать общению деятелей между собой». В её состав входят: Брюсов, Белый, Волошин, Станиславский, Шаляпин, Морозов и Щукин, Серов, И. Грабарь, из голуборозовцев Арапов, Дриттенпрейс, Крымов, Кузнецов, Милиоти, Сапунов, Сарьян, Судейкин.

Всё члены объединения «Голубая роза» вскоре после выставки разъехались кто куда, получив масштабные заказы от их меценатов. Кузнецов декорирует виллу Рябушинского «Чёрный лебедь», Сапунов и Судейкин дом Носовых, Дриттенпрейс исполняет эскизы декоративного оформления зала заседаний Общества «Свободная эстетика», потом убранство интерьера «Русского охотничьего клуба» и проект загородного дома в Иваново-Вознесенске. Кузнецов, Уткин, Матвеев начинают работу по декоративному оформлению архитектурно-паркового ансамбля усадьбы Жуковского в Крыму (Кучук-Кой)

Следующим важным событием в жизни голуборозовцев стала первая русско-французская выставка 1908 года «Салон «Золотого Руна». В рамках этого мероприятия состоялся диалог русских и французских художников-символистов. Среди последних были Боннар, Брак, Дега, Дени, Дерен, Сезанн, Гоген, Ван Гог, Марке, Матисс, Ренуар, Руо, Бурдель, Майоль, Роден и другие.

Под воздействием новаторского искусства Европы русские художники «Голубой розы» делают свои живописные панно ещё более декоративными. Художники всё дальше уходят от плодов цивилизации. Их привлекает реальность первозданная- мир древней степи (П. Кузнецов), жизнь Востока (М. Сарьян), мир русского фольклора (Н. Милиоти), народная стихия ярмарок и балаганов (Н.Сапунов, С. Судейкин). Последний связал свою жизнь с театрально-декорационным искусством и после эммиграции в Нью-Йорк сосредоточился исключительно на оформлении спектаклей Ковент-Гардена и Метрополитен-оперы.

Художественное объединение «Голубая роза» из-за своего ухода от реализма, условности и излишнего декоративизма («формализма») было незаслуженно «забыто» в советский период. И только сравнительно недавно мы смогли по-настоящему оценить их детскую веру в сказку и волшебство, чистые, незамутнённые образы созданного ими лазурного мира.